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Das Video ist eine KI-gestützte Meditation über Selbsthilfe durch extreme Klangmanipulation in einer halberotischen Plastiktraumlandschaft verwässerter und gewinnorientierter Thanatotherapie, in der sich New-Age-Bilder in Cronenberg-artige Mutationen verwandeln. Sie stehen in völligem Kontrast zu den chaotischen und unvorhersehbaren Klangexperimenten, die für das eigene Streben nach der Optimierung des Wahren Selbst™ nützlich sein können – oder auch nicht.

Fast 80 Jahre nach Ende des Zweiten Weltkrieges steht Julia in Wehrmachtsuniform auf einem Feld in der Normandie. Sie verkörpert eine Ideologie, an die sie nicht glaubt, aus einer Welt, die sie nie erlebt hat. Julia, eine gebürtige Russin, sieht sich als deutsche Flakhelferin aus den 1940er-Jahren. Sie spielt eine Figur, die sie erfunden hat. Ein Film über die Frage, ob man wird, was man spielt.

Ein alter Obstgarten im Wandel der Jahreszeiten, Orgelmusik, eine Pflanzenklassifizierung aus dem 17. Jahrhundert, Porzellan mit Blumenmotiven: Arbor, Cremium, Frutex, Herba versucht mittels verschiedener Darstellungen, ein landschaftliches Erbe zu vermitteln.

Bei einem verzweifelten Versuch, eine letzte Ruhestätte für ihr einziges Kind zu finden, stellt Thomas überrascht fest, dass heute nicht der richtige Tag dafür ist.

Computer Lady ist ein Song, mit dem die über 100 Millionen Amerikaner*innen, die ein Familienmitglied im Gefängnis haben, etwas anfangen können, denn bei der besagten Lady handelt es sich um die Roboterstimme, die Gefängnistelefonate unterbricht, um daran zu erinnern, dass der Anruf aufgezeichnet wird oder in 60 Sekunden endet. In diesem schrillen und witzigen Spoken-Word-Stück, das über Telefon aufgenommen und von Nicolas Snyder mit schweren Trommeln und einer faszinierenden Klanglandschaft unterlegt wurde, legt sich Künstler Spoon Jackson - seit 47 Jahren in Haft - direkt mit der Computer Lady an.

„Angelegenheiten / haben oft zwei Seiten / Kann man sich jeweils hindrehn / Krieg heißt plötzlich Frieden / Granaten Leoniden / Mein Sofa hat mit mir ein Problem //“ Gummischlappe, Sichel und Hammer, Moskitospray, Fußmatte mit dem kleinen Maulwurf drauf, Eierschneider und einige andere vertreiben sich die Zeit auf planet earth um fünf nach zwölf. Mit Ausschnitten aus Koyaanisqatsi, Zabriskie Point, Terminator und anderem Found Footage.

Das ist die Toilette, ja? Und was soll hier gemacht werden? Diese Toilette ist doch schon voll designt. Was soll ich da noch machen? Fein Design sein oder was? Was kommt dann jetzt hier aus dieser Toilette raus? Das ist eine Kloschüssel. Daraus kommen drei verschiedene Gerüche oder kommen die da rein? Drei Komponenten.

In einer kleinen argentinischen Küstenstadt zwingen die wandernden Sanddünen die Einwohner*innen dazu, sich zu entscheiden, ob sie ihre Häuser verlassen oder Widerstand leisten wollen. Nadia, die am Rande der Dünen lebt, steht genau vor diesem Dilemma. Sie ist im Zwiespalt, ihr bisheriges Leben zurückzulassen oder zu bleiben und gegen das Unvermeidliche zu kämpfen.

Nachdem Frau Schröder auf einem Schulausflug den Schüler Benny anbrüllt, geht sie nicht mehr zum Unterricht. Als sie ein Gerücht um einen ausgebüxten Bären erreicht, geht sie der Sache auf den Grund. Zwischen einem Rendezvous mit Martin und einem weißen Pudel zieht Frau Schröder durch die Stadt. Ehe sie sich versieht, spielt sie Katz und Maus mit dem streunenden Bären.

Im Video sind 3D-Scans der Musikerin sowie ihres Wohnzimmers zu sehen. Es zeigt eine kaputte, brüchige, uncanny Welt, in der das Private digital bearbeitet, multipliziert und gesampelt wird. Eine Welt, in der die Musikerin in verschiedenen Variationen desselben Raums ihren Doppelgängerinnen begegnet, tanzt und im Quecksilber untergeht.

In einem symbolischen, selbstgemachten Greenscreen-Raum drängt ein überambitionierter, semiprofessioneller Regisseur eine Postpunk-Band mittleren Alters dazu, ein Dance-Video zu drehen. Als Choreografie schweben ihm Footlose, Footwork, Jumpstyle und Moshpits vor; er hofft, mithilfe künstlicher Intelligenz endlich seinen großen Durchbruch zu haben. Es entsteht eine sehr ideale, höchstens durchschnittliche und in Double Double Double Denim gekleidete Band, weiße Männer in Kaninchenkostümen schäkern ahnungslos in einem brennenden Wald, während multiethnische Gruppen von Feuerwehrfrauen versuchen, einen Job zu erledigen. Ein unscharfer rhythmisch-hypnotischer Schnitt vereint die Bilder mit der Musik.

Die EÖE-Sängerin Anna Kasten sinniert in ihrem Text über die Kunstwelt, kommentiert populäre Künstler und sich selbst als Betrachterin von Kunst. Stephan Dybus hat versucht, dies in seinem Video mittels der Ästhetik von DIY-Videos und Work-in-Process-Videos über das Malen, wie sie überall in den sozialen Medien zu finden sind, wiederzugeben. Das Ergebnis ist ein komplett erfundener künstlerischer Prozess (Stephan Dybus verwendet physikalische Simulationen in einer 3D-Welt). Dinge werden geschichtet und immer wieder übereinandergelegt, bis alles total absurd ist.

Nachts im Wald sieht sich eine idealistische Frau kurze Bilder von Heimvideoaufnahmen an. Sie geht in den Wald und beginnt, Textpassagen aus der literarischen Bewegung der Generation 900 in Paraguay zu lesen. Am nächsten Morgen erklimmt sie in Begleitung eines Esels lesend einen Hügel.

Manchmal ist es ein Geruch | Eine Faser ein Lichtstrahl | Ein Buchenblatt, das dir zu Füßen fällt | Ein Regentropfen auf deinem Schuh | Eine Wimper auf deiner Wange | Schnappschüsse im Alltag | Details fallen dir ein | Fünf zehn zwanzig Jahre später | Die Sternschnuppen des Vergangenen | Im stillgelegten Tunnel des Bewussten |

les microbes basiert auf Geschichten, die Mitglieder der Filmcrew während der Entstehung des Films erzählt haben, und setzt sich auf experimentelle Weise mit ihrer Situation auseinander. Sie mussten aufgrund von Armut, Krieg und Strafverfolgung aus ihrer Heimat fliehen. Jetzt, nach ihrer langen Reise, müssen sie ausharren und warten. Warten, während sich die Welt immer schneller dreht.

Drei Rugbyspielerinnen hinterfragen ihre eigenen Vorurteile und die ihres sozialen Umfelds zu weiblichen und männlichen Merkmalen. Während des gesamten Films verfolgen wir ihre Gespräche in der Umkleidekabine und ihre Trainingseinheiten und sehen dabei, welche Kompromisse sie
zwischen Anflügen von Koketterie und dreckigen Knien eingehen. Ohne große Reden oder Theorien zeigen sie uns eindeutig eine andere Art, Mädchen zu sein.

Im japanischen Buddhismus glaubt man, dass jemand, der stirbt, einen von sechs Pfaden einschlägt, je nachdem, welches Karma er in seinem früheren Leben gesammelt hat. Das sich langsam teils als Alptraum, teils als zeitgenössische Geistergeschichte entwickelnde Video wirft einen dunklen Schatten auf die Realität des Lebens als menschliches oder tierisches Wesen und wirft die Frage auf, welchen der sechs Pfade wir gerade beschreiten und welcher uns im nächsten Leben erwarten könnte.

Lizzy ist in den Tagen nach dem Tod einer Nachbarin entstanden. Sie starb in dem Haus am Hillsborough River in Tampa in Florida, in dem sie bereits ihr ganzes Leben verbracht hatte, und hinterließ der Filmemacherin eine elektrische Orgel. Diese zu bekommen war ein ziemliches Rätsel.

Durch die gezielte Manipulation von 35-mm-Material entsteht eine einzigartige Collage aus zerkratzten, zerschnittenen, verbrannten Bildern, die mit ätzenden Flüssigkeiten bearbeitet, von Hand bemalt und manipuliert wurden. Im magischen Chaos erkundet und interpretiert partiell eine künstliche Intelligenz die Grenzen des Unvorhersehbaren und die zerstörerische Schönheit. Ein faszinierendes Spiel zwischen analoger Manipulation, dem geplanten Zufall und KI .

In Meadows Wait, Mist Diffuses fängt Dzhovani Gospodinov die rätselhaften Energien von Hosbësch ein. Der Film, der über einen Zeitraum von vier Jahren mit Bewegungssensor-Kameras gedreht und mit Gospodinovs eigenen fragmentarischen Erinnerungen an die Topografie des Ortes verknüpft wurde, poetisiert die allmähliche Zerstörung einer Landschaft und stellt die Frage nach der Ethik unseres Eindringens in die Natur. Er bewegt sich zwischen Voyeurismus und Introspektion und ist zugleich ein Porträt von – und eine Elegie auf – Hosbësch.

Middlesbrough ist unser Zuhause. Die während der Industriellen Revolution entstandene Stadt in der Metropolregion Teesside entwickelte sich zu einem weltweiten Zentrum für die Eisen- und Stahlindustrie. Das rasante Wachstum hatte jedoch Folgen. Boom und Pleite. Und noch mehr Pleite. Und ein einziger Pokalsieg für die Fußballmannschaft. Und wieder Pleite. Es ist immer noch ein Zuhause, und ja, es ist in Ordnung, auf früheren Ruhm zurückzublicken, aber es ist auch wichtig, in die Zukunft zu schauen.

Eine albanische Familie ringt darum, sich über Wasser zu halten und sich in der Schweiz zu integrieren. Damit der Faden nicht reißt, übernimmt die ältere Tochter jegliche Verantwortung.

Ein Blick auf die tägliche Praxis einer Pferd-Mensch-Beziehung durch die Augen der Stute auf der Reise durch ihre Welt, in der sie transportiert, betäubt, behandelt und geführt wird, durchzogen von einem unerwarteten Glücksgefühl über die eigene Existenz. Der Blickwinkel des Pferdes ist das effektivste Element des Films. Der Mensch wird als Zaungast eingeführt, der folgt, vermisst und das Pferd als Objekt aufnimmt.

On Hospitality ist ein nekromantischer Dokumentarfilm, in dem die irakische Künstlerin Layla Al-Attar von den Toten zurückkehrt, um die Geschichte zu erzählen, wie ein schwedisches Unternehmen in Bagdad ein luxuriöses Hotel baute, das von Saddam Hussein für das Gipfeltreffen der Bewegung der Blockfreien Staaten 1983 in Auftrag gegeben wurde. Der Krieg änderte alle Pläne. Layla Al-Attar schuf ein Mosaik mit dem Konterfei von George Bush für den Eingang des Hotels, und ihr Haus wurde von einer amerikanischen Rakete getroffen.

Ein Kurator, ein Archivar, eine Galeristin, eine Angehörige: Vier Menschen beschreiben in inszenierten Situationen ihr Verhältnis zu einer Künstlerin, die sich mit einer erfundenen Biografie als Holocaust-Opfer ausgegeben hat.

In einem ruhigen Dorf arbeitet ein Puppenspieler friedlich an einem neuen Projekt. Dieses gewinnt unerwartet an Fahrt, als er beschließt, Flüchtlinge aus der Ostukraine aufzunehmen. Łukasz' kühnes Projekt ermöglicht es der Familie, sich von der schwierigen Realität abzulenken. Er gewinnt Weggefährt*innen, die ihn bei seiner unkonventionellen Arbeit unterstützen wollen.

Quoi que zu dis begibt sich auf die Suche nach einem queeren Vokabular für Intimität. In halb gefrorenen Zeiten navigieren die Protagonist*innen zwischen Untergrund und Oberfläche. Die Heizung wird zum Hund, der Kiosk im Sperrengeschoss zum Wohnraum. Nähe verschwindet nicht. „Was auch immer du sagst.“

Angesichts der Seltenheit von nichtbinären Repräsentationen spricht Lou über sein_ihr Verhältnis zu Geschlecht, Kleidung und anderen Markern.

Sans histoire, ein epischer Gedankenfluss, konfrontiert zeitgenössische Ängste vor dem Ende der Zivilisation „ohne Geschichte“ im doppelten Sinne. Beunruhigende Nachtaufnahmen von Tieren, Visionen einer technologisierten Zukunft und Bilder von exzessiv tanzenden oder vor dem Krieg fliehenden Menschen erzeugen eine Endzeitstimmung.

Ein Musikvideo, dessen Bilder und Musik von den Werken der feministischen Autorin Angela Carter inspiriert wurden und das Thema Hybridität behandelt – menschliche Schnecken und schneckenartige Menschen, menschliche Pilze und Pilze mit menschlicher Haut, Hermaphroditen und Männer ohne Genitalien … Chimärenhafte Wesen, die nutzlose, sinnlose Sisyphusaufgaben durchführen. Eine Überlastung der KI, um diese zum Halluzinieren zu bringen und in eine Traummaschine zu verwandeln …

Ein junger Mann, der gerade die Beerdigung seiner Eltern hinter sich gebracht hat, versucht Feuerwerkskörper für das Frühlingsfest 2023 zu kaufen, bei dem Feuerwerk verboten ist.

Im Schatten der Nacht erobern Skater*innen die Straßen zurück.

Der Rahmen einer Fahrt mit den Wiener Linien wird zu einer besonderen Forschungsreise, denn der Filmemacher nähert sich den Trivialitäten des Alltags mit konzeptueller Lust. Ein amorphes Wesen ist sein Protagonist, sein Bildzentrum; in schmutzigem Weiß taucht es aus dem brüchigen Schwarz auf. Es sind Körperspuren, Schmierflecken, gefunden an Glasscheiben und anderen Oberflächen im öffentlichen Raum.

Ein fiktiver Videobriefwechsel zwischen einer Filmemacherin und einer Schriftstellerin über Zusammenhänge von Mutterschaft und künstlerischer Arbeit. Die eine steckt in der Krise, die andere hat eine hilfreiche Idee.

Streichholzschachteln sind in fantastische, symbolische Bildsprache verpackt, sie werden zu Miniportalen von Traumwelten. Der Film versucht, eine Schleife von Metaerzählungen zu schaffen, die vom Klebstoff der dokumentierten Geschichte zusammengehalten wird. Manchmal wird sie durchbrochen, um sich in die ursprüngliche Isolation und Absichtslosigkeit des Sammelns – vielleicht sogar des Erschaffens der Bilder – zurückzuziehen.

In vergangenen Zeiten trennte Zhuanxu den Weg zwischen Himmel und Erde und veränderte dadurch den Zustand der Koexistenz zwischen Menschen und Göttern. Dieses Ereignis wurde später als Juedi Tiantong bezeichnet. Nach einer unbestimmten Zeitspanne mehrerer Milliarden Jahre begann die Trennung, sich mit dem Erwachen des menschlichen Bewusstseins wieder zusammenzufügen und der Kommunikationskanal war wieder eingerichtet. Das Ergebnis wird entweder eine harmonische Integration des Lebens mit sich bringen oder zu einem katastrophalen Ereignis führen, das dem Turmbau zu Babel gleichkommt. Ende offen.

Lina und Inès kennen sich nicht. Von Dach zu Dach, über niedrige Mauern und Zäune hinweg beobachten die beiden Teenager sich gegenseitig aus der Ferne, mögen einander
und versuchen, sich anzunähern. Aber weil sie nicht gesehen werden wollen, werden sie ständig gestört

Vermessung der Tristesse ist ein Essayfilm. Erinnerungen, Archivaufnahmen, Träume, schmerzliche Realität stoßen aufeinander, berühren sich in eigener Bildsprache. Vermessen wird ein Zustand, ein Prozess, in dem sich Traurigkeit und Schönheit, Weite und Nähe, Wärme und Kälte gegensätzlich verbinden.

Wheels befasst sich mit kritischer Männlichkeit und ungesunden Interaktionsmustern in Beziehungen. Oft werden sie durch unser Handeln reproduziert und verfestigt. Wir sind zwar in der Lage, diese Muster zum Besseren zu verändern, aber dieser Prozess kann viel Zeit und Mühe kosten. Der Song regt an, unser Verhalten und unseren Umgang mit anderen Individuen zu reflektieren.

20-20 ist eine Zusammenstellung aus fünf kurzen Videotagebucheintragungen zum Jahr 2020. Ursprünglich handelt es sich dabei um Karen Trasks Beiträge zu einem Videoprojekt namens 2GatherApart, das nach der Cadavre-exquis-Methode von Künstler*innen aus Montreal organisiert wurde, um während der Pandemie in Verbindung und kreativ zu bleiben. 20-20 wirft einen persönlichen und humorvollen Blick auf ein ungewöhnliches Jahr.

Bei Tante Gladys´ Beerdigung hörte Archer Pechawis ein Klopfen am Fenster – es war ein Bär namens Jesus. Eine Allegorie für religiöse Einflussnahme mit einem schmerzhaften und gleichzeitig humorvollen Blick auf Entfremdung und Trauer um eine verlorene Person, die noch lebt.

Die Damen essen, die Herren schlagen.

Da ist ein braves Mädchen. Und da ist das Internet. Es mag einem seltsam vorkommen, aber es könnte wahr sein.

Mit einem experimentellen Ansatz für den Greenscreen schuf Maxim Franks einen kaleidoskopischen Film für den Song Almost Puppet. Video und Song untersuchen Themen wie Identität und das Ich aus der Perspektive der Katzenpuppe Puppet Ginger mit besonderem Augenmerk auf der Zerbrechlichkeit des Bewusstseins.

Ein alter Obstgarten im Wandel der Jahreszeiten, Orgelmusik, eine Pflanzenklassifizierung aus dem 17. Jahrhundert, Porzellan mit Blumenmotiven: Arbor, Cremium, Frutex, Herba versucht mittels verschiedener Darstellungen, ein landschaftliches Erbe zu vermitteln.

Park. Wohnzimmer. Sechskern-Prozessor. Mein Avatar lernt einen Rückwärtssalto.

„Blacktivist“ befasst sich mit Polizeigewalt, selektiver Strafverfolgung und dem Recht auf Notwehr. Szenen, die die Ästhetik konventioneller Musikvideos heraufbeschwören, treffen auf Found Footage, Dokumentaraufnahmen und 3D-Animationen.

Eine Frau schleudert Blitze, Gespenster scharen sich um sie und wollen sie zur Ordnung bringen.
Sie boxt sich weiter durch, bis die Gespenster schweigen.

Verachtet von seinen Kollegen – einem Haufen niveauloser Büromachos – gestaltet sich Lorenz kurzerhand seinen eigenen Abend. Frei von allen Zwängen und Beleidigungen gibt er sich dem Charme der Nacht, des Alkohols und der Karaokebars hin.

Als der Bürgermeister eines kleinen Dorfes beschließt, circa 40 Flüchtlinge aufzunehmen, schlägt ihm und seiner Familie eine Welle des Widerwillens und Hasses entgegen. Die Kurzanimation erzählt vom Kampf gegen die Angst und vom Mut, trotz Todesangst für seine Überzeugungen einzustehen.

Menschen verletzen sich gegenseitig und hinterlassen Wunden, die bleiben. In Familien ist das nicht anders.

Die kleinen Grausamkeiten eines unterbewussten Nebels ziehen auf. Eine Pandemie vereitelt Intimität. Von ihren jeweiligen kleinen Planeten aus stellen diese bunten Kreaturen ihre Zukunft infrage und setzen sich mit der Sehnsucht nach Verbundenheit auseinander. Dies ist die fünfte Zusammenarbeit zwischen Jessie Mott und Steve Reinke.

„Copyshop“ begleitet den Köpenicker Rapper Romano auf Entdeckungsreise nach Hongkong, wo er seine Vergangenheit als Copyshop-Mitarbeiter in Berlin Revue passieren lässt. Es geht um Megacitys, Stereotypen, kreative Freiräume, Rap-Musik, die Copyshop-Biographie von Romano und natürlich um die Kopie von der Kopie von der Kopie von der Kopie …

Der Song von Tall Juan ist all jenen gewidmet, die auf der Straße leben. Hergestellt mit
Acryl, Pastellstiften und Bleistift auf Papier.

„Angelegenheiten / haben oft zwei Seiten / Kann man sich jeweils hindrehn / Krieg heißt plötzlich Frieden / Granaten Leoniden / Mein Sofa hat mit mir ein Problem //“ Gummischlappe, Sichel und Hammer, Moskitospray, Fußmatte mit dem kleinen Maulwurf drauf, Eierschneider und einige andere vertreiben sich die Zeit auf planet earth um fünf nach zwölf. Mit Ausschnitten aus Koyaanisqatsi, Zabriskie Point, Terminator und anderem Found Footage.

Ein alternder Rockstar, den eigenen Zenit im Rückspiegel, isoliert lebend zwischen Ludwig II und Ludwig XIV, weniger Sonne, mehr Untergang. Rocko Schamoni als Rocko Schikano und die Frage, was hätte gewesen sein können.

Das ist die Toilette, ja? Und was soll hier gemacht werden? Diese Toilette ist doch schon voll designt. Was soll ich da noch machen? Fein Design sein oder was? Was kommt dann jetzt hier aus dieser Toilette raus? Das ist eine Kloschüssel. Daraus kommen drei verschiedene Gerüche oder kommen die da rein? Drei Komponenten.

Die Möglichkeit, Menschheitsgeschichte zu (re)konstruieren, verdankt sich nicht nur Archiven, sondern vielmehr Abfällen. Was, wenn nun aber in den zeitgenössischen Konzepten konsequenter Kreislaufwirtschaft keine Abfälle mehr vorkommen? Dann wird die Vergangenheit der Gegenwart in Zukunft nicht mehr auffindbar sein. Der Müll muss sich also alternative Rückzugsorte suchen, um zu überdauern ...

Petra will entspannen, Martha macht sich Sorgen und Maria steht einfach nicht mehr auf. Die Wellen rauschen und das Schoßhündchen ergibt sich. Es ist heiß und die Wunde klafft.

Im silbernen Catsuit und mit Zigarette spielt Sandra Hüller eine Superheldin, deren ruhmreiche Tage längst vorbei zu sein scheinen. Der persönliche Song handelt von Liebe, verpassten Gelegenheiten und schließlich vom Loslassen. Diese Themen tauchen auch im Video auf, wobei Kommunikation (oder ihr Fehlen) ebenfalls eine zentrale Rolle spielt.

Doors of Reception ist eine Collage aus Türgeräuschen verschiedener Science-Fiction-Filme, die ein abstraktes Klanggemälde aus sich öffnenden und schließenden Farbfeldern ergeben. Ein wiederkehrendes Thema des Genres ist das Passieren von Türen und das Eingesperrt- oder Ausgesperrtsein auf der einen oder anderen Seite – ein Zustand, der in Zeiten der Pandemie für viele schmerzhafte Realität geworden ist.

Dies ist mein zweites VR-Projekt, bei dem Bildsprache, Tanz und Installation miteinander kombiniert werden, um eine Art Dialog zu schaffen. Es ist der Versuch eines Regieansatzes, der irgendwo zwischen Film und Theater liegt. Alle Szenen sind Gemälden von Edward Hopper entnommen. Diese Version ist die Kinofassung.

Im Nest der Sonne treffen sich Xolotl, Huitzilin und Xochitl, um den Strahlentanz wiederaufzunehmen, dessen farbenprächtige Hitze das neue Feuer ihres kosmischen Tanzes entfacht.

Getarnt als einfaches Musikvideo wird ein ikonischer Auftritt eines messianischen Elvis Presley aus den 1970er-Jahren durch schnitt- und musiktechnische Bearbeitung in eine düstere Meditation über Abhängigkeit und die Leere des Starkults verwandelt. 

Großmutter wachsen Flügel und sie wird zu einem menschlichen Vogel. Sie tritt aus der Dunkelheit eines Tunnels in eine verwüstete, neblige Landschaft. Über den Wolken schwebt sie dort, wohin Vögel aufsteigen, über dem Boden als Körper im Schwebezustand. Das Video kitzelt unsere Sinne und Gefühle bis zum Verlust der Schwerkraft.

Die elektromagnetischen Landschaften von São Paulo und Rio de Janeiro werden unregelmäßig. Man kann nicht erkennen, was sich außerhalb des Frames befindet. Die Bildschnipsel werden mit dem Gedicht _E se Jesus fosse preto_ (Was, wenn Jesus Schwarz wäre) des brasilianischen Dichters Bruno Negrão unterlegt, der anregt, tief in uns verwurzelte Überzeugungen zu überdenken.

Marionetten raven, essen und fliegen.

Eine Afghanische Windhündin, irgendwo zwischen ursprünglicher Hunderasse und Instagram-Model, posiert in mysteriös erhabener Schönheit.

Die Leute im Video „Fragmants“ verehren ihre Konsumgüter wie religiöse Kultobjekte. Hier huldigt man dem Kapitalismus als Religion. Er erweist sich als oberflächlich und bedeutungslos. Die Anhänger dieser Religion sind nur entwurzelte Fragmente ihrer selbst.

Frau Michels ist auf dem Weg zu ihrem Physiotherapeuten, der das Herz der verheirateten Frau höher schlagen lässt. Doch von ihm fehlt jede Spur.

Ein Bild der Geschichte des Universums aus der Perspektive eines einsamen Menschen, der in einer Einzimmerwohnung lebt und einen Geburtstag damit verbringt, sich alte Diabilder von Filmen anzusehen.

Manchmal ist es ein Geruch | Eine Faser ein Lichtstrahl | Ein Buchenblatt, das dir zu Füßen fällt | Ein Regentropfen auf deinem Schuh | Eine Wimper auf deiner Wange | Schnappschüsse im Alltag | Details fallen dir ein | Fünf zehn zwanzig Jahre später | Die Sternschnuppen des Vergangenen | Im stillgelegten Tunnel des Bewussten |

Während der Text die europäische Abschottungspolitik gegenüber Immigranten der freien Zirkulation der Waren gegenüberstellt, zeigen die Bilder eine Welt der Erfolgreichen, in der alle Schlüsselpositionen von (vermeintlichen) Immigranten besetzt sind.

„Je älter ich werde, desto kleiner werden die Pixel. Es zieht mich hin, ich begiere, ich hebe ab, ich fliege.“

"Junkerhaus" wurde im Haus von Karl Junker (1850–1912) gedreht, der sein ganzes Leben dem Bau seines Hauses in Lemgo gewidmet hat. Reflexionen, Projektionen und Lichtveränderungen formen abstrakte Gebilde, die Oberflächen und Strukturen beleben und ein psychologisches Porträt entstehen lassen, das uns Junkers Architektur als mystische und visionäre Erfahrung wertschätzen lässt.

Ein Hochkantvideo von einem Handy, das eine Band filmt und sie dabei in Kunst verwandelt.

Beim Erkunden eines wildgemusterten Dschungels trifft ein Liebespaar auf tierische
Freunde.

Vier Freunde sitzen am Platz der Kulturen in Köln-Finkenberg und suchen die richtigen Worte und Satzzeichen für eine SMS, die nie abgeschickt werden soll.

Die Kamera fährt auf ein beunruhigend normales Wohnhaus zu, immer näher, die Tür öffnet sich wie von Geisterhand und die Kamera fliegt durch ein Labyrinth sich wiederholender Räume.

Der Anfang wird zum Ende und das Ende wird zum Anfang.

Ich treffe ständig Entscheidungen und werde aktiv. Aber manchmal werden mein Herz und mein Körper von etwas angezogen, bevor ich darüber nachdenke. Dann ändere ich meine Form und gelange an einen unbekannten Ort. Ich kann nicht kontrollieren, wohin ich gehe.

Trotz ihrer heftigen Winde und der gefährlichen Gewässer ist die Straße von Gibraltar zur bevorzugten Route für Migranten geworden, die über Marokko nach Europa wollen. Die Mündung des Mittelmeeres wird damit zu einem tragischen Schauplatz der Hoffnung und des Todes.

2017 hat China die zwei Riesenpandabären Meng Meng und Jiao Qing an den Berliner Zoo ausgeliehen. Leider verläuft diese auf Profit zielende Attraktion nicht wie geplant: Meng Meng, der weibliche Panda, läuft nur noch rückwärts. Kerstin Honeits Video stellt Meng Mengs Protest in eine Reihe mit anderen Performances protestierender Körper, in der Missstände über Bewegung in der Öffentlichkeit angeprangert werden.

Die Geschichte eines kleinen Pelztiers, das eine große Entdeckung macht, als es seine Angst vor dem Unbekannten überwindet.

Angesichts der Seltenheit von nichtbinären Repräsentationen spricht Lou über sein_ihr Verhältnis zu Geschlecht, Kleidung und anderen Markern.

Ein Mann geht in den Wald zum Beerensuchen. Statt dessen findet er eine leere Flasche Vinaigrette. Ein Dschinn kommt aus der Flasche und gewährt dem Mann drei Wünsche. Der Mann nutzt diese Wünsche auf die übliche Art, flucht dabei aber beständig, was dem Dschinn nicht gefällt. Dem Mann wird eine Lektion erteilt.

Girardets visuelle Umsetzung von „Second Chance Man“, „ein Song über das Risiko“ (Stuart Staples), ist Teil des „The Waiting Room Film Project“, in dem verschiedene Regisseure einzelne Stücke des aktuellen Tindersticks Albums (neu) interpretieren.

„Sento“ bezeichnet ein öffentliches  japanisches Badehaus. Dieses spezielle Badehaus zeichnet sich durch seine faszinierenden Details aus. Ein wandgroßer Druck mit Fuji-Motiv, knallgelbe Waschschüsseln, asymmetrische Spiegel und vieles mehr finden in einem Tanz zusammen.

Hinter dem Begriff „sensibler Inhalt“, hinter diesem Symbol der durchgestrichenen Augen, in diesem Deep Blur sind zwei echte Augen durch die Gewalt im Nahen Osten ausgelöscht worden.

Im Jahr 2021 gingen Hunderttausende von Menschen in Brasilien mitten in einer Pandemie auf die Straße, um gegen die Regierung Bolsonaro zu protestieren. Inspiriert von Joyce Wielands gleichnamigem Film aus dem Jahr 1973 porträtiert _Solidariedade_ diese Proteste, wobei hier anders als bei Wieland, die Füße in den Mittelpunkt rückte, die Ausdruckskraft menschlicher Hände im Fokus steht. Gesten der Zuneigung, des Widerstands, des Schutzes, der Freude oder der Unterdrückung werden in diesen auf Ektachrome Super 8 gedrehten Bildern sichtbar.

Als ich anfing, allein zu leben und mein Zimmer mit Blumen zu schmücken, war ich ganz aufgeregt. Draußen gibt es viele schöne Blumen, aber gehören sie jemand anderem? Selbst wenn sie wie Unkraut aussehen, könnten sie jemandem gefallen, der hier vorbeikommt, also kaufe ich schließlich Blumen beim Blumenhändler. Ich frage mich, ob Blumen etwas sind, das man kauft.

Ein pummeliger, rothaariger Minianarchist ist auf dem besten Weg, ein Idol zu werden. Im Trainingsanzug ist der verschwitzte, rundgesichtige Junge in einem verfallenen Bauwerk unterwegs; er raucht, er stopft sich voll und zieht ein paar ziemlich verrückte Nummern ab.

Willkommen in St. Mickeyland! In gemäldeartigen Tableaus wird ein von Cartoon und Medien-Ikonen bewohntes Reservat gezeigt. Die versammelten Figuren sind auf der Suche nach Lebenssinn und reflektieren dabei ihre Schöpfung im Honigtopf des Kapitals. Während Schneewittchen das Stand-Up-Paddling erlernt, gebärt Winnie Puh einen Nachfahren und verleiht der fiktiven Hülle eine Prise Menschlichkeit.

Eine alte Erzählung aus Utsjoki in Sápmi, dem „Land der Samen“, die in die Gegenwart versetzt wurde. Es handelt sich um die Legende eines Vorfahren der Filmemacherin, Ovllá-Ivvár Helander, und dessen Taten während der Spanischen Grippe 1918 in Utsjoki. Ovllá-Ivvár beschloss, dem Tod ein Schnippchen zu schlagen und sein Schicksal selbst in die Hand zu nehmen. Die Hauptfigur des Films tritt in Ovllá-Ivvárs Fußstapfen.

Der Rahmen einer Fahrt mit den Wiener Linien wird zu einer besonderen Forschungsreise, denn der Filmemacher nähert sich den Trivialitäten des Alltags mit konzeptueller Lust. Ein amorphes Wesen ist sein Protagonist, sein Bildzentrum; in schmutzigem Weiß taucht es aus dem brüchigen Schwarz auf. Es sind Körperspuren, Schmierflecken, gefunden an Glasscheiben und anderen Oberflächen im öffentlichen Raum.

Transparente, holografische Bestandteile kanadischer Dollarscheine werden per Kontaktabzug auf 16-mm-Film gedruckt. Ein kameraloser, schwindelerregender Blick auf die Monarchin, die Ahornblätter und die kolonialen Strukturen, die unser gesetzliches Zahlungsmittel sichern und validieren.

„Du kannst immer an zwei Orten gleichzeitig sein, wusstest du das? In der wirklichen Welt und in der Zauberwelt.“ Die Stimme am Telefon flüstert dir ins Ohr – es gibt einen Weg, die Wirklichkeit zu verändern. Eine Reise durch Friedhöfe, unbekannte Gewässer, Gedichte, Träume und Wünsche, die uns erzählt, dass das, wonach wir uns sehnen, auf uns wartet und wir in unserer eigenen Unterwelt darauf treffen können. Ein verliebter Film wie ein Gebet, der Versuch, etwas zurückzuerlangen, was verloren scheint, das Tor zu öffnen und die wirkliche Welt zu betreten.

Eine Zugfahrt offenbart seltsame Vorkommnisse.

Eine Frau will aufstehen und endlich mit allem anfangen. Doch die Sessel, zwischen denen sie sitzt, lassen sie nicht los. Das Zimmer wird zu ihrem Universum und der Ausweg daraus ausgerechnet die Sessel.

Das Video „Three Casualties“ ist eine Untersuchung dreier Filmszenen, die je einen Stunt zeigen, welcher zum Tod des ausführenden Stuntdoubles führte. In manchen Fällen wurden diese Szenen im Film belassen, wodurch ein breites Publikum gleichzeitig einen realen, wie auch fiktionalen Todesfall auf der Leinwand sah.

Mittelalterliche Zeitreisende auf Stippvisite in der Zukunft, der sogenannten Gegenwart und der gar nicht so grauen Vorzeit treffen auf Burger, SUVs, Esoteriker und ein Mammut, um danach (Spoiler) wieder in die Vergangenheit zurückzukehren.

Begleitet von einem vibrierenden Soundtrack durchstreifen verschiedene Personen Londons Betonwüste, während eine unbekannte weibliche Stimme über die aktuelle Situation der Stadt und ihre mögliche Zukunft nachdenkt.

Rufus Wainwright verwandelt sich in eine Kunstfigur, angelehnt an die Chefredakteurin der Vogue Anne Wintour. Ein Kommentar auf das Leben in einer künstlich wandelbaren Realität und auf den Preis des Ruhms.  

Mitten in der Nacht findet eine Enttäuschte Musik in den Armen schöner Fremder.

Ein Schauspiel-Tutorial zum Thema „Fake-Tränen“ vor der Kamera. Zehn Schauspielerinnen erklären nicht nur, wie das mit dem Weinen funktioniert, sondern geben alles, um es am Ende auch vorzumachen.

Wir sind nicht rasend schnell berühmt geworden.

Ein Referenzsystem bildet die Frage auf alle Antworten ab: die Filterblase, die Fake News, der Algorithmus und Henry Maske.

Das Video ist eine KI-gestützte Meditation über Selbsthilfe durch extreme Klangmanipulation in einer halberotischen Plastiktraumlandschaft verwässerter und gewinnorientierter Thanatotherapie, in der sich New-Age-Bilder in Cronenberg-artige Mutationen verwandeln. Sie stehen in völligem Kontrast zu den chaotischen und unvorhersehbaren Klangexperimenten, die für das eigene Streben nach der Optimierung des Wahren Selbst™ nützlich sein können – oder auch nicht.

Fast 80 Jahre nach Ende des Zweiten Weltkrieges steht Julia in Wehrmachtsuniform auf einem Feld in der Normandie. Sie verkörpert eine Ideologie, an die sie nicht glaubt, aus einer Welt, die sie nie erlebt hat. Julia, eine gebürtige Russin, sieht sich als deutsche Flakhelferin aus den 1940er-Jahren. Sie spielt eine Figur, die sie erfunden hat. Ein Film über die Frage, ob man wird, was man spielt.

Ein alter Obstgarten im Wandel der Jahreszeiten, Orgelmusik, eine Pflanzenklassifizierung aus dem 17. Jahrhundert, Porzellan mit Blumenmotiven: Arbor, Cremium, Frutex, Herba versucht mittels verschiedener Darstellungen, ein landschaftliches Erbe zu vermitteln.

Das ist die Toilette, ja? Und was soll hier gemacht werden? Diese Toilette ist doch schon voll designt. Was soll ich da noch machen? Fein Design sein oder was? Was kommt dann jetzt hier aus dieser Toilette raus? Das ist eine Kloschüssel. Daraus kommen drei verschiedene Gerüche oder kommen die da rein? Drei Komponenten.

In einer kleinen argentinischen Küstenstadt zwingen die wandernden Sanddünen die Einwohner*innen dazu, sich zu entscheiden, ob sie ihre Häuser verlassen oder Widerstand leisten wollen. Nadia, die am Rande der Dünen lebt, steht genau vor diesem Dilemma. Sie ist im Zwiespalt, ihr bisheriges Leben zurückzulassen oder zu bleiben und gegen das Unvermeidliche zu kämpfen.

Nachdem Frau Schröder auf einem Schulausflug den Schüler Benny anbrüllt, geht sie nicht mehr zum Unterricht. Als sie ein Gerücht um einen ausgebüxten Bären erreicht, geht sie der Sache auf den Grund. Zwischen einem Rendezvous mit Martin und einem weißen Pudel zieht Frau Schröder durch die Stadt. Ehe sie sich versieht, spielt sie Katz und Maus mit dem streunenden Bären.

Im Video sind 3D-Scans der Musikerin sowie ihres Wohnzimmers zu sehen. Es zeigt eine kaputte, brüchige, uncanny Welt, in der das Private digital bearbeitet, multipliziert und gesampelt wird. Eine Welt, in der die Musikerin in verschiedenen Variationen desselben Raums ihren Doppelgängerinnen begegnet, tanzt und im Quecksilber untergeht.

In einem symbolischen, selbstgemachten Greenscreen-Raum drängt ein überambitionierter, semiprofessioneller Regisseur eine Postpunk-Band mittleren Alters dazu, ein Dance-Video zu drehen. Als Choreografie schweben ihm Footlose, Footwork, Jumpstyle und Moshpits vor; er hofft, mithilfe künstlicher Intelligenz endlich seinen großen Durchbruch zu haben. Es entsteht eine sehr ideale, höchstens durchschnittliche und in Double Double Double Denim gekleidete Band, weiße Männer in Kaninchenkostümen schäkern ahnungslos in einem brennenden Wald, während multiethnische Gruppen von Feuerwehrfrauen versuchen, einen Job zu erledigen. Ein unscharfer rhythmisch-hypnotischer Schnitt vereint die Bilder mit der Musik.

Manchmal ist es ein Geruch | Eine Faser ein Lichtstrahl | Ein Buchenblatt, das dir zu Füßen fällt | Ein Regentropfen auf deinem Schuh | Eine Wimper auf deiner Wange | Schnappschüsse im Alltag | Details fallen dir ein | Fünf zehn zwanzig Jahre später | Die Sternschnuppen des Vergangenen | Im stillgelegten Tunnel des Bewussten |

les microbes basiert auf Geschichten, die Mitglieder der Filmcrew während der Entstehung des Films erzählt haben, und setzt sich auf experimentelle Weise mit ihrer Situation auseinander. Sie mussten aufgrund von Armut, Krieg und Strafverfolgung aus ihrer Heimat fliehen. Jetzt, nach ihrer langen Reise, müssen sie ausharren und warten. Warten, während sich die Welt immer schneller dreht.

Im japanischen Buddhismus glaubt man, dass jemand, der stirbt, einen von sechs Pfaden einschlägt, je nachdem, welches Karma er in seinem früheren Leben gesammelt hat. Das sich langsam teils als Alptraum, teils als zeitgenössische Geistergeschichte entwickelnde Video wirft einen dunklen Schatten auf die Realität des Lebens als menschliches oder tierisches Wesen und wirft die Frage auf, welchen der sechs Pfade wir gerade beschreiten und welcher uns im nächsten Leben erwarten könnte.

Lizzy ist in den Tagen nach dem Tod einer Nachbarin entstanden. Sie starb in dem Haus am Hillsborough River in Tampa in Florida, in dem sie bereits ihr ganzes Leben verbracht hatte, und hinterließ der Filmemacherin eine elektrische Orgel. Diese zu bekommen war ein ziemliches Rätsel.

Durch die gezielte Manipulation von 35-mm-Material entsteht eine einzigartige Collage aus zerkratzten, zerschnittenen, verbrannten Bildern, die mit ätzenden Flüssigkeiten bearbeitet, von Hand bemalt und manipuliert wurden. Im magischen Chaos erkundet und interpretiert partiell eine künstliche Intelligenz die Grenzen des Unvorhersehbaren und die zerstörerische Schönheit. Ein faszinierendes Spiel zwischen analoger Manipulation, dem geplanten Zufall und KI .

Middlesbrough ist unser Zuhause. Die während der Industriellen Revolution entstandene Stadt in der Metropolregion Teesside entwickelte sich zu einem weltweiten Zentrum für die Eisen- und Stahlindustrie. Das rasante Wachstum hatte jedoch Folgen. Boom und Pleite. Und noch mehr Pleite. Und ein einziger Pokalsieg für die Fußballmannschaft. Und wieder Pleite. Es ist immer noch ein Zuhause, und ja, es ist in Ordnung, auf früheren Ruhm zurückzublicken, aber es ist auch wichtig, in die Zukunft zu schauen.

Quoi que zu dis begibt sich auf die Suche nach einem queeren Vokabular für Intimität. In halb gefrorenen Zeiten navigieren die Protagonist*innen zwischen Untergrund und Oberfläche. Die Heizung wird zum Hund, der Kiosk im Sperrengeschoss zum Wohnraum. Nähe verschwindet nicht. „Was auch immer du sagst.“

Ein Musikvideo, dessen Bilder und Musik von den Werken der feministischen Autorin Angela Carter inspiriert wurden und das Thema Hybridität behandelt – menschliche Schnecken und schneckenartige Menschen, menschliche Pilze und Pilze mit menschlicher Haut, Hermaphroditen und Männer ohne Genitalien … Chimärenhafte Wesen, die nutzlose, sinnlose Sisyphusaufgaben durchführen. Eine Überlastung der KI, um diese zum Halluzinieren zu bringen und in eine Traummaschine zu verwandeln …

Der Rahmen einer Fahrt mit den Wiener Linien wird zu einer besonderen Forschungsreise, denn der Filmemacher nähert sich den Trivialitäten des Alltags mit konzeptueller Lust. Ein amorphes Wesen ist sein Protagonist, sein Bildzentrum; in schmutzigem Weiß taucht es aus dem brüchigen Schwarz auf. Es sind Körperspuren, Schmierflecken, gefunden an Glasscheiben und anderen Oberflächen im öffentlichen Raum.

In vergangenen Zeiten trennte Zhuanxu den Weg zwischen Himmel und Erde und veränderte dadurch den Zustand der Koexistenz zwischen Menschen und Göttern. Dieses Ereignis wurde später als Juedi Tiantong bezeichnet. Nach einer unbestimmten Zeitspanne mehrerer Milliarden Jahre begann die Trennung, sich mit dem Erwachen des menschlichen Bewusstseins wieder zusammenzufügen und der Kommunikationskanal war wieder eingerichtet. Das Ergebnis wird entweder eine harmonische Integration des Lebens mit sich bringen oder zu einem katastrophalen Ereignis führen, das dem Turmbau zu Babel gleichkommt. Ende offen.

Vermessung der Tristesse ist ein Essayfilm. Erinnerungen, Archivaufnahmen, Träume, schmerzliche Realität stoßen aufeinander, berühren sich in eigener Bildsprache. Vermessen wird ein Zustand, ein Prozess, in dem sich Traurigkeit und Schönheit, Weite und Nähe, Wärme und Kälte gegensätzlich verbinden.

Wheels befasst sich mit kritischer Männlichkeit und ungesunden Interaktionsmustern in Beziehungen. Oft werden sie durch unser Handeln reproduziert und verfestigt. Wir sind zwar in der Lage, diese Muster zum Besseren zu verändern, aber dieser Prozess kann viel Zeit und Mühe kosten. Der Song regt an, unser Verhalten und unseren Umgang mit anderen Individuen zu reflektieren.

Ein alter Obstgarten im Wandel der Jahreszeiten, Orgelmusik, eine Pflanzenklassifizierung aus dem 17. Jahrhundert, Porzellan mit Blumenmotiven: Arbor, Cremium, Frutex, Herba versucht mittels verschiedener Darstellungen, ein landschaftliches Erbe zu vermitteln.

In einem ruhigen Dorf arbeitet ein Puppenspieler friedlich an einem neuen Projekt. Dieses gewinnt unerwartet an Fahrt, als er beschließt, Flüchtlinge aus der Ostukraine aufzunehmen. Łukasz' kühnes Projekt ermöglicht es der Familie, sich von der schwierigen Realität abzulenken. Er gewinnt Weggefährt*innen, die ihn bei seiner unkonventionellen Arbeit unterstützen wollen.

Ein Blick auf die tägliche Praxis einer Pferd-Mensch-Beziehung durch die Augen der Stute auf der Reise durch ihre Welt, in der sie transportiert, betäubt, behandelt und geführt wird, durchzogen von einem unerwarteten Glücksgefühl über die eigene Existenz. Der Blickwinkel des Pferdes ist das effektivste Element des Films. Der Mensch wird als Zaungast eingeführt, der folgt, vermisst und das Pferd als Objekt aufnimmt.

In einer kleinen argentinischen Küstenstadt zwingen die wandernden Sanddünen die Einwohner*innen dazu, sich zu entscheiden, ob sie ihre Häuser verlassen oder Widerstand leisten wollen. Nadia, die am Rande der Dünen lebt, steht genau vor diesem Dilemma. Sie ist im Zwiespalt, ihr bisheriges Leben zurückzulassen oder zu bleiben und gegen das Unvermeidliche zu kämpfen.

In Meadows Wait, Mist Diffuses fängt Dzhovani Gospodinov die rätselhaften Energien von Hosbësch ein. Der Film, der über einen Zeitraum von vier Jahren mit Bewegungssensor-Kameras gedreht und mit Gospodinovs eigenen fragmentarischen Erinnerungen an die Topografie des Ortes verknüpft wurde, poetisiert die allmähliche Zerstörung einer Landschaft und stellt die Frage nach der Ethik unseres Eindringens in die Natur. Er bewegt sich zwischen Voyeurismus und Introspektion und ist zugleich ein Porträt von – und eine Elegie auf – Hosbësch.

les microbes basiert auf Geschichten, die Mitglieder der Filmcrew während der Entstehung des Films erzählt haben, und setzt sich auf experimentelle Weise mit ihrer Situation auseinander. Sie mussten aufgrund von Armut, Krieg und Strafverfolgung aus ihrer Heimat fliehen. Jetzt, nach ihrer langen Reise, müssen sie ausharren und warten. Warten, während sich die Welt immer schneller dreht.

Nachdem Frau Schröder auf einem Schulausflug den Schüler Benny anbrüllt, geht sie nicht mehr zum Unterricht. Als sie ein Gerücht um einen ausgebüxten Bären erreicht, geht sie der Sache auf den Grund. Zwischen einem Rendezvous mit Martin und einem weißen Pudel zieht Frau Schröder durch die Stadt. Ehe sie sich versieht, spielt sie Katz und Maus mit dem streunenden Bären.

Ein fiktiver Videobriefwechsel zwischen einer Filmemacherin und einer Schriftstellerin über Zusammenhänge von Mutterschaft und künstlerischer Arbeit. Die eine steckt in der Krise, die andere hat eine hilfreiche Idee.

Das ist die Toilette, ja? Und was soll hier gemacht werden? Diese Toilette ist doch schon voll designt. Was soll ich da noch machen? Fein Design sein oder was? Was kommt dann jetzt hier aus dieser Toilette raus? Das ist eine Kloschüssel. Daraus kommen drei verschiedene Gerüche oder kommen die da rein? Drei Komponenten.

Das Video ist eine KI-gestützte Meditation über Selbsthilfe durch extreme Klangmanipulation in einer halberotischen Plastiktraumlandschaft verwässerter und gewinnorientierter Thanatotherapie, in der sich New-Age-Bilder in Cronenberg-artige Mutationen verwandeln. Sie stehen in völligem Kontrast zu den chaotischen und unvorhersehbaren Klangexperimenten, die für das eigene Streben nach der Optimierung des Wahren Selbst™ nützlich sein können – oder auch nicht.

„Angelegenheiten / haben oft zwei Seiten / Kann man sich jeweils hindrehn / Krieg heißt plötzlich Frieden / Granaten Leoniden / Mein Sofa hat mit mir ein Problem //“ Gummischlappe, Sichel und Hammer, Moskitospray, Fußmatte mit dem kleinen Maulwurf drauf, Eierschneider und einige andere vertreiben sich die Zeit auf planet earth um fünf nach zwölf. Mit Ausschnitten aus Koyaanisqatsi, Zabriskie Point, Terminator und anderem Found Footage.

Im Video sind 3D-Scans der Musikerin sowie ihres Wohnzimmers zu sehen. Es zeigt eine kaputte, brüchige, uncanny Welt, in der das Private digital bearbeitet, multipliziert und gesampelt wird. Eine Welt, in der die Musikerin in verschiedenen Variationen desselben Raums ihren Doppelgängerinnen begegnet, tanzt und im Quecksilber untergeht.

In einem symbolischen, selbstgemachten Greenscreen-Raum drängt ein überambitionierter, semiprofessioneller Regisseur eine Postpunk-Band mittleren Alters dazu, ein Dance-Video zu drehen. Als Choreografie schweben ihm Footlose, Footwork, Jumpstyle und Moshpits vor; er hofft, mithilfe künstlicher Intelligenz endlich seinen großen Durchbruch zu haben. Es entsteht eine sehr ideale, höchstens durchschnittliche und in Double Double Double Denim gekleidete Band, weiße Männer in Kaninchenkostümen schäkern ahnungslos in einem brennenden Wald, während multiethnische Gruppen von Feuerwehrfrauen versuchen, einen Job zu erledigen. Ein unscharfer rhythmisch-hypnotischer Schnitt vereint die Bilder mit der Musik.

Die EÖE-Sängerin Anna Kasten sinniert in ihrem Text über die Kunstwelt, kommentiert populäre Künstler und sich selbst als Betrachterin von Kunst. Stephan Dybus hat versucht, dies in seinem Video mittels der Ästhetik von DIY-Videos und Work-in-Process-Videos über das Malen, wie sie überall in den sozialen Medien zu finden sind, wiederzugeben. Das Ergebnis ist ein komplett erfundener künstlerischer Prozess (Stephan Dybus verwendet physikalische Simulationen in einer 3D-Welt). Dinge werden geschichtet und immer wieder übereinandergelegt, bis alles total absurd ist.

Manchmal ist es ein Geruch | Eine Faser ein Lichtstrahl | Ein Buchenblatt, das dir zu Füßen fällt | Ein Regentropfen auf deinem Schuh | Eine Wimper auf deiner Wange | Schnappschüsse im Alltag | Details fallen dir ein | Fünf zehn zwanzig Jahre später | Die Sternschnuppen des Vergangenen | Im stillgelegten Tunnel des Bewussten |

Durch die gezielte Manipulation von 35-mm-Material entsteht eine einzigartige Collage aus zerkratzten, zerschnittenen, verbrannten Bildern, die mit ätzenden Flüssigkeiten bearbeitet, von Hand bemalt und manipuliert wurden. Im magischen Chaos erkundet und interpretiert partiell eine künstliche Intelligenz die Grenzen des Unvorhersehbaren und die zerstörerische Schönheit. Ein faszinierendes Spiel zwischen analoger Manipulation, dem geplanten Zufall und KI .

Quoi que zu dis begibt sich auf die Suche nach einem queeren Vokabular für Intimität. In halb gefrorenen Zeiten navigieren die Protagonist*innen zwischen Untergrund und Oberfläche. Die Heizung wird zum Hund, der Kiosk im Sperrengeschoss zum Wohnraum. Nähe verschwindet nicht. „Was auch immer du sagst.“

Ein Musikvideo, dessen Bilder und Musik von den Werken der feministischen Autorin Angela Carter inspiriert wurden und das Thema Hybridität behandelt – menschliche Schnecken und schneckenartige Menschen, menschliche Pilze und Pilze mit menschlicher Haut, Hermaphroditen und Männer ohne Genitalien … Chimärenhafte Wesen, die nutzlose, sinnlose Sisyphusaufgaben durchführen. Eine Überlastung der KI, um diese zum Halluzinieren zu bringen und in eine Traummaschine zu verwandeln …

Wheels befasst sich mit kritischer Männlichkeit und ungesunden Interaktionsmustern in Beziehungen. Oft werden sie durch unser Handeln reproduziert und verfestigt. Wir sind zwar in der Lage, diese Muster zum Besseren zu verändern, aber dieser Prozess kann viel Zeit und Mühe kosten. Der Song regt an, unser Verhalten und unseren Umgang mit anderen Individuen zu reflektieren.

Middlesbrough ist unser Zuhause. Die während der Industriellen Revolution entstandene Stadt in der Metropolregion Teesside entwickelte sich zu einem weltweiten Zentrum für die Eisen- und Stahlindustrie. Das rasante Wachstum hatte jedoch Folgen. Boom und Pleite. Und noch mehr Pleite. Und ein einziger Pokalsieg für die Fußballmannschaft. Und wieder Pleite. Es ist immer noch ein Zuhause, und ja, es ist in Ordnung, auf früheren Ruhm zurückzublicken, aber es ist auch wichtig, in die Zukunft zu schauen.

Computer Lady ist ein Song, mit dem die über 100 Millionen Amerikaner*innen, die ein Familienmitglied im Gefängnis haben, etwas anfangen können, denn bei der besagten Lady handelt es sich um die Roboterstimme, die Gefängnistelefonate unterbricht, um daran zu erinnern, dass der Anruf aufgezeichnet wird oder in 60 Sekunden endet. In diesem schrillen und witzigen Spoken-Word-Stück, das über Telefon aufgenommen und von Nicolas Snyder mit schweren Trommeln und einer faszinierenden Klanglandschaft unterlegt wurde, legt sich Künstler Spoon Jackson - seit 47 Jahren in Haft - direkt mit der Computer Lady an.

Im japanischen Buddhismus glaubt man, dass jemand, der stirbt, einen von sechs Pfaden einschlägt, je nachdem, welches Karma er in seinem früheren Leben gesammelt hat. Das sich langsam teils als Alptraum, teils als zeitgenössische Geistergeschichte entwickelnde Video wirft einen dunklen Schatten auf die Realität des Lebens als menschliches oder tierisches Wesen und wirft die Frage auf, welchen der sechs Pfade wir gerade beschreiten und welcher uns im nächsten Leben erwarten könnte.

Nachts im Wald sieht sich eine idealistische Frau kurze Bilder von Heimvideoaufnahmen an. Sie geht in den Wald und beginnt, Textpassagen aus der literarischen Bewegung der Generation 900 in Paraguay zu lesen. Am nächsten Morgen erklimmt sie in Begleitung eines Esels lesend einen Hügel.

Lizzy ist in den Tagen nach dem Tod einer Nachbarin entstanden. Sie starb in dem Haus am Hillsborough River in Tampa in Florida, in dem sie bereits ihr ganzes Leben verbracht hatte, und hinterließ der Filmemacherin eine elektrische Orgel. Diese zu bekommen war ein ziemliches Rätsel.

Der Rahmen einer Fahrt mit den Wiener Linien wird zu einer besonderen Forschungsreise, denn der Filmemacher nähert sich den Trivialitäten des Alltags mit konzeptueller Lust. Ein amorphes Wesen ist sein Protagonist, sein Bildzentrum; in schmutzigem Weiß taucht es aus dem brüchigen Schwarz auf. Es sind Körperspuren, Schmierflecken, gefunden an Glasscheiben und anderen Oberflächen im öffentlichen Raum.

In vergangenen Zeiten trennte Zhuanxu den Weg zwischen Himmel und Erde und veränderte dadurch den Zustand der Koexistenz zwischen Menschen und Göttern. Dieses Ereignis wurde später als Juedi Tiantong bezeichnet. Nach einer unbestimmten Zeitspanne mehrerer Milliarden Jahre begann die Trennung, sich mit dem Erwachen des menschlichen Bewusstseins wieder zusammenzufügen und der Kommunikationskanal war wieder eingerichtet. Das Ergebnis wird entweder eine harmonische Integration des Lebens mit sich bringen oder zu einem katastrophalen Ereignis führen, das dem Turmbau zu Babel gleichkommt. Ende offen.

Ein Kurator, ein Archivar, eine Galeristin, eine Angehörige: Vier Menschen beschreiben in inszenierten Situationen ihr Verhältnis zu einer Künstlerin, die sich mit einer erfundenen Biografie als Holocaust-Opfer ausgegeben hat.

Ein junger Mann, der gerade die Beerdigung seiner Eltern hinter sich gebracht hat, versucht Feuerwerkskörper für das Frühlingsfest 2023 zu kaufen, bei dem Feuerwerk verboten ist.

Streichholzschachteln sind in fantastische, symbolische Bildsprache verpackt, sie werden zu Miniportalen von Traumwelten. Der Film versucht, eine Schleife von Metaerzählungen zu schaffen, die vom Klebstoff der dokumentierten Geschichte zusammengehalten wird. Manchmal wird sie durchbrochen, um sich in die ursprüngliche Isolation und Absichtslosigkeit des Sammelns – vielleicht sogar des Erschaffens der Bilder – zurückzuziehen.

On Hospitality ist ein nekromantischer Dokumentarfilm, in dem die irakische Künstlerin Layla Al-Attar von den Toten zurückkehrt, um die Geschichte zu erzählen, wie ein schwedisches Unternehmen in Bagdad ein luxuriöses Hotel baute, das von Saddam Hussein für das Gipfeltreffen der Bewegung der Blockfreien Staaten 1983 in Auftrag gegeben wurde. Der Krieg änderte alle Pläne. Layla Al-Attar schuf ein Mosaik mit dem Konterfei von George Bush für den Eingang des Hotels, und ihr Haus wurde von einer amerikanischen Rakete getroffen.

Bei einem verzweifelten Versuch, eine letzte Ruhestätte für ihr einziges Kind zu finden, stellt Thomas überrascht fest, dass heute nicht der richtige Tag dafür ist.

Vermessung der Tristesse ist ein Essayfilm. Erinnerungen, Archivaufnahmen, Träume, schmerzliche Realität stoßen aufeinander, berühren sich in eigener Bildsprache. Vermessen wird ein Zustand, ein Prozess, in dem sich Traurigkeit und Schönheit, Weite und Nähe, Wärme und Kälte gegensätzlich verbinden.

Afibola ist afrofeministisch, queer, aus Kuba und leistet aktivistische Arbeit. Afibola versucht dem eigenen Sohn Olorun beizubringen, wie er trotz der sie umgebenden Hürden ein freier, afrokubanischer Mann sein kann. In der Intimität des eigenen Zuhauses reflektiert Afibola über die Schwierigkeit, ein schwarzes Kind in einer rassistischen und diskriminierenden Gesellschaft großzuziehen.

1982 wurden die Zoque durch den Ausbruch eines Vulkans namens Chichonal  gezwungen umzusiedeln. Gefilmt über einen Zeitraum von sechs Jahren erfasst (((((/*\))))) die einzigartige Atmosphäre in einem indigenen Dorf im mexikanischen Bundesstaat Chiapas. Nach und nach treten politische Themen an die Oberfläche.

Das Magische, das Traumhafte und das Performative koexistieren in der besonderen Welt von Las Traviesas, einer Gruppe Transfrauen vom indigenen Volk der Embera. Sie leben und arbeiten in der Kaffeeregion Kolumbiens. Ein ästhetisches und konzeptionelles Universum mit einem besonderen Touch, in dem Dokumentarfilm und Fiktion verschwommene Farbpaletten sind, mit denen der Kampf für das Bewahren der indigenen Identität nachgezeichnet wird.

Cornelia, Juri und Murat gehören zu den „working poor“. Doch außer dem niedrigen Lohn verbindet sie auf den ersten Blick scheinbar nichts. Jede:r kämpft für sich allein. Egal, ob als Klick-Arbeiterin, Paketzusteller oder Arbeiter in der insolventen Kartonfabrik, sie alle treiben gemeinsam durch ein verworrenes Treppenhaus auf dem Weg hinaus. Doch wohin?

Cutting Edges taucht ein in die Architektur von Co-Working-Spaces und Diskurse von Start-up-Gründern. Visionen, Prozesse, Möbelstücke und Glaubenssysteme werden durcheinandergewirbelt und herumgesponnen. Der Start-up-Traum gerät ins Wanken. Das Einhorn winkt und winkt und winkt.

Verschiedene elektronische Augen von Handys erzählen die Reise einer Gruppe junger Migrant*innen. Ohne Jobchancen in Deutschlands erstem Lockdown verlassen sie Berlin, um in einer abgelegenen Blumenfabrik zu arbeiten und zu leben. Wie ein Kaleidoskop fügt der Film eine Vielzahl intimer Bilder zusammen, die dazu bestimmt sind, vergessen zu werden.

Eine Post-Studio-Künstlerin ringt am Telefon mit einer Mitarbeiter*in des Jobcenters im Versuch, ihre Betriebsausgaben zu rechtfertigen. Das Skript wird in verschiedenen Kontexten performt: in einem Hotelzimmer, einem Fast-Fashion-Laden, einem Mietauto. Gelegentlich mischt sich die Stimme des Regisseurs ein und verwischt die Grenze zwischen der Szene und den realen Bedingungen ihrer Produktion.

Eine albanische Familie ringt darum, sich über Wasser zu halten und sich in der Schweiz zu integrieren. Damit der Faden nicht reißt, übernimmt die ältere Tochter jegliche Verantwortung.

Angesichts der Seltenheit von nichtbinären Repräsentationen spricht Lou über sein_ihr Verhältnis zu Geschlecht, Kleidung und anderen Markern.

Im Schatten der Nacht erobern Skater*innen die Straßen zurück.

Der Song von Tall Juan ist all jenen gewidmet, die auf der Straße leben. Hergestellt mit
Acryl, Pastellstiften und Bleistift auf Papier.

Lina und Inès kennen sich nicht. Von Dach zu Dach, über niedrige Mauern und Zäune hinweg beobachten die beiden Teenager sich gegenseitig aus der Ferne, mögen einander
und versuchen, sich anzunähern. Aber weil sie nicht gesehen werden wollen, werden sie ständig gestört

Park. Wohnzimmer. Sechskern-Prozessor. Mein Avatar lernt einen Rückwärtssalto.

Drei Rugbyspielerinnen hinterfragen ihre eigenen Vorurteile und die ihres sozialen Umfelds zu weiblichen und männlichen Merkmalen. Während des gesamten Films verfolgen wir ihre Gespräche in der Umkleidekabine und ihre Trainingseinheiten und sehen dabei, welche Kompromisse sie
zwischen Anflügen von Koketterie und dreckigen Knien eingehen. Ohne große Reden oder Theorien zeigen sie uns eindeutig eine andere Art, Mädchen zu sein.