Verleih

Das Ruhrgebiet als fiktive Landschaft. Diese Landschaft ist – wie für die Landschaftsmalerei typisch – eine ideale Landschaft, hier ein anarchischer Raum, in dem die Menschen in Spontaneität und Kooperation frei von Hierarchien leben.

Eine der ältesten Sozialwohnungssiedlungen Singapurs verläuft entlang einer ehemaligen Bahntrasse, die bis 2011 Eigentum des malaysischen Staates war. 50 Jahre lang war diese zehn Meter breite Zone unbestimmter Zugehörigkeit im Herzen des Stadtstaates Schauplatz einer Fülle von mehr als nur menschlichen Aktivitäten. 105 Vogelarten leben auf diesem Fleck. Jetzt wird das Land umgewidmet, die ikonischen Wohnblöcke werden abgerissen und die Bewohner umgesiedelt.

20-20 ist eine Zusammenstellung aus fünf kurzen Videotagebucheintragungen zum Jahr 2020. Ursprünglich handelt es sich dabei um Karen Trasks Beiträge zu einem Videoprojekt namens 2GatherApart, das nach der Cadavre-exquis-Methode von Künstler*innen aus Montreal organisiert wurde, um während der Pandemie in Verbindung und kreativ zu bleiben. 20-20 wirft einen persönlichen und humorvollen Blick auf ein ungewöhnliches Jahr.

Am ersten Tag des coronabedingten Lockdowns wird der Vater der Regisseurin ins Krankenhaus eingeliefert und verstirbt. Mutter und Tochter trauern in der elterlichen Wohnung, Kontakt zur Außenwelt haben sie nur per Telefon. Mit ihrer schmerzlichen Innigkeit stehen die Anrufe beispielhaft für die Einsamkeit während der Pandemie. Was macht die Isolation mit uns, wenn wir auf Trost und Hilfe angewiesen sind?

Ein One-Shot-Film über Gewalt und Blut in einer turbulenten Welt, benannt nach seiner Länge. 8'28" kann jedoch kaum als Spiegel dieses pandemischen Zeitalters interpretiert werden, da Klangerzeugung und letzte Bearbeitung des Films bereits vor der Katastrophe abgeschlossen waren. Wie immer habe ich alles an dem Film selbst gemacht.

Eine dominante Frau dirigiert einige Männer rund um Renovierungsarbeiten an einer Villa in einer ungarischen Kleinstadt. Mittels der präzisen Abfolge der Bewegungen der Hauptdarstellerin in dieser örtlichen Einheit des Films entspinnt sich eine mögliche Erzählung, deren formale Wurzeln den Takt angeben.

Eine Kamera schwenkt über die Flächen eines UN-Militärgeländes in Srebrenica, 25 Jahre nach dem dortigen Genozid. Dasović stellt zeitgenössisches Filmmaterial neben Archivbilder der Vorbereitungsübungen des Militärs vor dem Truppeneinsatz Mitte der 1990er-Jahre. Was erzählen die Worte und Bilder, die die niederländischen Soldaten hinterlassen haben, den Betrachtern über die Militärdoktrin, von der diese Männer geleitet wurden?

Dadinho, ein älterer Sambamusiker, wird von seiner Enkelin auf die Beerdigung seines Bruders begleitet, der Sambamusiker bei einer konkurrierenden Sambaschule war. Auf der Reise kommt eine vergangene Geschichte über Rivalität, Samba und Verrat zutage.

Menschen verletzen sich gegenseitig und hinterlassen Wunden, die bleiben. In Familien ist das nicht anders.

Cutting Edges taucht ein in die Architektur von Co-Working-Spaces und Diskurse von Start-up-Gründern. Visionen, Prozesse, Möbelstücke und Glaubenssysteme werden durcheinandergewirbelt und herumgesponnen. Der Start-up-Traum gerät ins Wanken. Das Einhorn winkt und winkt und winkt.

Petra will entspannen, Martha macht sich Sorgen und Maria steht einfach nicht mehr auf. Die Wellen rauschen und das Schoßhündchen ergibt sich. Es ist heiß und die Wunde klafft.

Doors of Reception ist eine Collage aus Türgeräuschen verschiedener Science-Fiction-Filme, die ein abstraktes Klanggemälde aus sich öffnenden und schließenden Farbfeldern ergeben. Ein wiederkehrendes Thema des Genres ist das Passieren von Türen und das Eingesperrt- oder Ausgesperrtsein auf der einen oder anderen Seite – ein Zustand, der in Zeiten der Pandemie für viele schmerzhafte Realität geworden ist.

Ein Musikvideo – inspiriert vom Youtube-Phänomen Lyric Video und produziert mit GPT-2, einem KI-Computerprogramm, das natürliche Sprache vorhersagen kann – für die geheimnisvollen Fanuks, eine Roboterband, die von der gefeierten deutschen Band Der Plan für ihr Konzeptalbum Save Your Software erfunden wurde, aufgenommen im Jahr 1989, veröffentlicht 2021 von Bureau B.

Ein Cyberwesen setzt sich mit einem internationalen feministischen Netzwerk in Verbindung und hinterfragt die Zukunft des Internets. Yeva ist ein fiktionales Datenwesen und langweilt sich in seiner virtuellen Umgebung. Als „Internetkind“ der Neunzigerjahre, das von dem 1996 gegründeten wegbereitenden Mediennetzwerk FACES erschaffen wurde, beschließt Yeva, seine „Mütter“ in der echten Welt zu treffen.

Betty ist hungrig und allein und fischt nur Müll aus dem Fluss. Dann hat sie einen Geistesblitz und findet eine originelle Lösung. Doch der Weg zum Erfolg ist mit Fallen gespickt.

Eine Afghanische Windhündin, irgendwo zwischen ursprünglicher Hunderasse und Instagram-Model, posiert in mysteriös erhabener Schönheit.

Ein Berghang, ein Obstgarten, ein Haus. Idyllische Bilder im südlichen Serbien. Drei Generationen unter dem Dach des Hauses, das für seine Weitergabe vorbereitet wird. Jeder mit seinem eigenen Erbe, das aber alle gemeinsam tragen müssen – eine filmische Auseinandersetzung mit dem, was bleibt.

Hans Unstern spielt an der selbstgebauten Harfe Haare Zu Gold. Um Hans herum schwebt ein Schwarm Freund:innen, Kompliz:innen und Ghostwriter:innen, die mit ihren Telefonen die Bilder für diesen Film produziert haben.

„Je älter ich werde, desto kleiner werden die Pixel. Es zieht mich hin, ich begiere, ich hebe ab, ich fliege.“

Wie wäre es, einmal der reichste Mensch der Welt zu sein? Dazu benötigt man nur genug hochaufgelöste Fotos von Elon Musk und ein paar gute Moves. Den Rest erledigt der Deepfake-Algorithmus.

Die fünfjährige Junu hat Schwierigkeiten, links und rechts voneinander zu unterscheiden. Ständig wird sie von Älteren gebeten, ihre Schuhe richtig anzuziehen. Sie kann ihr Problem jedoch nicht lösen. Als sie hereingelegt wird und ihre Schuhe wieder falsch herum anzieht, erfindet sie eine neue Lernstrategie.

Ein ethnografischer Film über die Legende der Göttin Kalsu der Mahadeo Koli, deren Geschichte und Identität das Bewusstsein der Frauen dieses Volkes bis heute prägt. Der Film erzählt die Geschichte der Göttin und stellt dabei Ur- und Gegenwartsbilder kontrastierend gegenüber.

Der Kanarienvogel Kiki kennt nur seinen Käfig und die alte Dame, die ihn füttert. Er träumt davon, draußen mit den anderen Vögeln zu fliegen. Als die Tür des Käfigs eines Tages offen steht, entwischt er und entdeckt die große weite Welt, in der man fliegen können muss. Ein freier Vogel zu sein, ist ganz schön beängstigend.

Dies ist die Geschichte von mir und meinem Hund, in der wir hier waren und ich vor mich hin träumte.

Lana Kaiser erlangte 2002 in der ersten Staffel der Fernsehshow Deutschland sucht den Superstar große Bekanntheit. Sie polarisierte das Publikum mit ihrem androgynen Aussehen. Am 9. September 2018 verschwand Lana Kaiser von einem Kreuzfahrtschiff auf dem Weg nach Nordamerika. Der Kurzfilm von Philipp Gufler ist ein persönliches Porträt der Sängerin und Entertainerin.

Dann wacht er auf mit dem Gefühl, aus einem Traum erwacht zu sein, und denkt, dass er schläft ... Später wacht er auf, merkt, dass es schon dunkel ist, und fühlt sich sehr schläfrig.

Beim Erkunden eines wildgemusterten Dschungels trifft ein Liebespaar auf tierische
Freunde.

Anne Haugsgjerd (77), eine bekannte norwegische Filmemacherin, denkt auf poetische, provokante und emotionale Weise über den Übergang in das letzte Kapitel ihres Lebens nach. Eine ungeschönte Geschichte über das Älterwerden, Schwerkraft und Kiffen.

In 80 Postkarten um die Welt. Fundstücke vom Flohmarkt berichten von fernen Reisezielen und vergangenen Sehnsuchtsorten. Herzliche Urlaubsgrüße senden Kati & Timo.

Ein junger Nepalese, der gerade dabei ist, als Filmemacher in Europa durchzustarten, wird plötzlich in die Everest-Region zurückberufen. Sein Vater, ein Viehzüchter wie die meisten Sherpas, bevor sie als Bergführer bekannt wurden, ist krank. In seinem intimen Porträt erforscht der Filmemacher seine Beziehung zu seiner Heimat und seinen Eltern sowie die Welt der Traditionen und Rituale, die er hinter sich gelassen zu haben glaubte.

NOAH erforscht das Leben von drei echten Menschen in drei verschiedenen Städten: Montreal, London und Berlin. Anhand der in die Jahre gekommenen Telefonzellen der Städte erkundet das Video, wie die Werkzeuge, die wir zur Kommunikation nutzen, die Art und Weise prägen, wie wir miteinander in Verbindung treten. Wenn alte Werkzeuge verschwinden, sterben diese Formen der Verbindung mit ihnen.

Eine Zusammenarbeit zwischen der Künstlerin Stacie Ant und DJ Hell. Auf dem Höhepunkt der Quarantäne versuchten Hell und Stacie, eine surreale Version der Zukunft zu entwerfen, die nach der Pandemie auf sie wartet. Inspiriert von DJ Hells starker Präsenz in der Elektromusikszene über mehrere Jahrzehnte hinweg, sind das Video und der Sound eine Hommage an die Geschichte der elektronischen Musik und den damit einhergehenden Lifestyle.

Auf engem Raum überlagern sich Zeit- und Handlungsebenen, Ordnung und Chaos. Die Frage nach dem Sinn bleibt offen, aber alle wissen, was sie tun.

Dieser kritische Videoessay befasst sich mit der Entwicklung der nordböhmischen Landschaft und ihrem aktuellen Zustand. Fremde Videobeiträge zeigen die Bemühungen, Lösungen zu finden und spezifische utopische Ideen umzusetzen. In den meisten Fällen enthalten diese scharfe Kritik am aktuellen politischen und wirtschaftlichen System.

Cornelia, Juri und Murat gehören zu den „working poor“. Doch außer dem niedrigen Lohn verbindet sie auf den ersten Blick scheinbar nichts. Jede:r kämpft für sich allein. Egal, ob als Klick-Arbeiterin, Paketzusteller oder Arbeiter in der insolventen Kartonfabrik, sie alle treiben gemeinsam durch ein verworrenes Treppenhaus auf dem Weg hinaus. Doch wohin?

Das Video bedient sich der melancholischen Stimmung einer leeren Bühne. Die Existenz von Künstlern wird im Lockdown zum Boxkampf. Ein leerer Einkommensteuerordner wird zur Bühne. Die Musikerinnen bäumen sich auf. Der Film ist vergleichbar mit der menschlichen Haut. Was kann abgewehrt werden? Was wird aufgenommen? Eine freudige Tour de Force, die Widersprüche stets und gerne aufgreift.

Zwei Personen versuchen, in einem spanischen Marmorsteinbruch eine eingestürzte Hausfassade zu erklimmen. Gibt es keine Vier Jahreszeiten mehr und ist Vivaldi Immobilienmusik geworden?

Choreografie einer postindustriellen Region, die ihr eigenes Museum und Zukunftslandschaft, Abendland und Morgenland in einem ist. Letzter Satz: „Und so dreht sich die Erde“, gesprochen auf einer Freizeithalde.

Nach einem langen Tag im Bus sitzend, überlässt sich eine Mutter ihren existenziellen Gedanken. Zeit, Raum und Form verschwimmen. Sensory Overload ist ein audiovisuelles Stück, das erkundet, wie die Vorstellungskraft eine Flucht vor den Realitäten um uns herum sein kann.

„Wir haben gesagt, dass wir beide eine Reise nach Kirgisistan machen wollen. Das war nicht die ganze Wahrheit ...“ Drei Filmtrailer als eigenständiges Genre.

Quartet Diminished will musikalische Momente erschaffen auf der Basis der individuellen und kollektiven zeitgenössischen Sicht seiner Mitglieder auf Musik als allgemeines Gebilde. Dieses Musikvideo stammt von ihrem dritten Album Station Three und zeigt, wie die Vormachtstellung von Systemen funktioniert. Eine Mischung aus Stop-Motion-Techniken, angewendet auf Buntstiften, und 3-D-Zoetrop schafft eine eindringliche Atmosphäre, die den Kontrast zwischen Makellosigkeit und Macht veranschaulicht.

Eine alte Erzählung aus Utsjoki in Sápmi, dem „Land der Samen“, die in die Gegenwart versetzt wurde. Es handelt sich um die Legende eines Vorfahren der Filmemacherin, Ovllá-Ivvár Helander, und dessen Taten während der Spanischen Grippe 1918 in Utsjoki. Ovllá-Ivvár beschloss, dem Tod ein Schnippchen zu schlagen und sein Schicksal selbst in die Hand zu nehmen. Die Hauptfigur des Films tritt in Ovllá-Ivvárs Fußstapfen.

Inspiration für das Video war Alíz Mosonyis Kurzgeschichten-Gedicht Princess Beauty. Es geht um den Konflikt zwischen den eigenen Bewegungen und den zwangsläufigen Einschränkungen derselben. Der Film kombiniert Animation mit physikalisch-basierten Simulationen und schafft so ungewollte Ereignisse und Störeffekte.

Das Musikvideo basiert auf Found Footage und zeigt Schauspieler, die ihre Emotionen in und vor Autos ausleben. Im Split-Screen sehen wir männliche und weibliche Darsteller gleichzeitig.

Die Quelle des absoluten Wissens trifft auf die Macht von Photoshop.

Ein persönlicher Essay über die Entstehung und Lösung von Verbindungen in und durch unterschiedliche(n) Realitäten.

Top Down Memory beschäftigt sich mit Manipulationen der Geschichte im Kontext der Rekonstruktion des Berliner Schlosses. Ausgehend von den Verwirrungen um eine angebliche Ausrufung der sozialistischen Republik von einem seiner Balkone im Jahr 1918 werden weitere Balkon-Ereignisse untersucht, um Fragen nach Authentizität und Manipulation aufzuwerfen.

Im Jahr 2020, als die Welt gezwungen war, sich zu „verändern“, wollte ich nachvollziehen, was sich in mir geändert hatte und was nicht. Die weiße Maske, die ich trug, wurde zur Projektionsfläche für meine Vergangenheit. Ich leide unter Schizophrenie; meine Familie ist manchmal verletzt, aber unterstützt mich. Unser Leben ist derzeit geprägt von der Frage: „Wer sind wir?“

Für Traitors wollte ich das Gefühl extremer Isolation einfangen, das vielen von uns im Vereinigten Königreich vonseiten der Regierung vermittelt wird, und die Tatsache, dass wir zwar eine Stimme haben, die aber komplett ignoriert wird. Die Industrieruinen in meiner heruntergekommenen Heimatstadt liefern den Hintergrund für diese Performance, in der ich ins Nichts brülle.

„Geheiligt, zu, voll Feuer rein von Stoffen, ein Erdenstück erstauntem Lichte offen.“ (Paul Valéry, Der Meeresfriedhof)

Der Film hat seinen Namen von dem Ort, an dem er gedreht wurde, dem Triforium der Londoner Westminster Abbey, einer seit 700 Jahren vor den Blicken verborgenen Galerie, die in 16 Metern Höhe über dem Boden des Kirchenschiffs verläuft. Begleitet von der Musik von Laurence Crane fängt der Film die Stille und Ruhe des Triforiums ein, das seit Jahrhunderten die emporsteigenden Gebete auffängt.

Dieser Film ist eine Meditation über die jeweiligen Zeitlichkeiten der verschiedenen Bildtechnologien. Er untersucht die expliziten und unausgesprochenen Ideologien, die sich hinter der Technik verbergen, und wird zu einem Netz scheinbar unzusammenhängender Geschichten, die nach und nach Muster von durch Technologie herbeigeführter politischer Auslöschung enthüllen.

X ist ein filmisches Ahnenritual zu Ehren der Geister des Ruhrgebiets. Der Kurzfilm basiert auf Motiven des Crossroads-Mythos und ist inspiriert durch Leben und Arbeit des Vaters und des Großvaters der Filmemacherin, die auch die Hauptrollen spielen.

20-20 ist eine Zusammenstellung aus fünf kurzen Videotagebucheintragungen zum Jahr 2020. Ursprünglich handelt es sich dabei um Karen Trasks Beiträge zu einem Videoprojekt namens 2GatherApart, das nach der Cadavre-exquis-Methode von Künstler*innen aus Montreal organisiert wurde, um während der Pandemie in Verbindung und kreativ zu bleiben. 20-20 wirft einen persönlichen und humorvollen Blick auf ein ungewöhnliches Jahr.

Die Damen essen, die Herren schlagen.

Da ist ein braves Mädchen. Und da ist das Internet. Es mag einem seltsam vorkommen, aber es könnte wahr sein.

„Blacktivist“ befasst sich mit Polizeigewalt, selektiver Strafverfolgung und dem Recht auf Notwehr. Szenen, die die Ästhetik konventioneller Musikvideos heraufbeschwören, treffen auf Found Footage, Dokumentaraufnahmen und 3D-Animationen.

Eine Frau schleudert Blitze, Gespenster scharen sich um sie und wollen sie zur Ordnung bringen.
Sie boxt sich weiter durch, bis die Gespenster schweigen.

Verachtet von seinen Kollegen – einem Haufen niveauloser Büromachos – gestaltet sich Lorenz kurzerhand seinen eigenen Abend. Frei von allen Zwängen und Beleidigungen gibt er sich dem Charme der Nacht, des Alkohols und der Karaokebars hin.

Als der Bürgermeister eines kleinen Dorfes beschließt, circa 40 Flüchtlinge aufzunehmen, schlägt ihm und seiner Familie eine Welle des Widerwillens und Hasses entgegen. Die Kurzanimation erzählt vom Kampf gegen die Angst und vom Mut, trotz Todesangst für seine Überzeugungen einzustehen.

Menschen verletzen sich gegenseitig und hinterlassen Wunden, die bleiben. In Familien ist das nicht anders.

Es ist nicht klar, was ist oben und was unten. Die Erdanziehungskraft ist aufgehoben. Allein der Moment ermöglicht eine Orientierung - kurz, wir bleiben ratlos zurück.

Erste Risse im ansonsten geruhsamen Alltag der Chico Crew.

Ein bodenlanger Vorhang bewegt sich nur stellenweise und unmerklich, die Ursache hierfür bleibt unklar. Allein der Titel und die Geräusche des Films verweisen auf das, was sich dahinter verbirgt. Die spartanisch eingesetzten filmischen Stilmittel, die den Bezug zum Genre des Horrorfilms nahe legen, entfalten eine unheimliche Atmosphäre.

„Copyshop“ begleitet den Köpenicker Rapper Romano auf Entdeckungsreise nach Hongkong, wo er seine Vergangenheit als Copyshop-Mitarbeiter in Berlin Revue passieren lässt. Es geht um Megacitys, Stereotypen, kreative Freiräume, Rap-Musik, die Copyshop-Biographie von Romano und natürlich um die Kopie von der Kopie von der Kopie von der Kopie …

Der Song von Tall Juan ist all jenen gewidmet, die auf der Straße leben. Hergestellt mit
Acryl, Pastellstiften und Bleistift auf Papier.

Cutting Edges taucht ein in die Architektur von Co-Working-Spaces und Diskurse von Start-up-Gründern. Visionen, Prozesse, Möbelstücke und Glaubenssysteme werden durcheinandergewirbelt und herumgesponnen. Der Start-up-Traum gerät ins Wanken. Das Einhorn winkt und winkt und winkt.

"Hohe Bäume und eine beeindruckende Frau gehören zu den besten Sujets für vertikale Filmkunst" (Friedrich Liechtenstein). Der Zustand erster Verliebtheit im Spiel des Lebens wird gefeiert. 

Alles wird gut, egal, was ab jetzt passiert... 

Das Glücksrad kann nicht anders.

Petra will entspannen, Martha macht sich Sorgen und Maria steht einfach nicht mehr auf. Die Wellen rauschen und das Schoßhündchen ergibt sich. Es ist heiß und die Wunde klafft.

Im silbernen Catsuit und mit Zigarette spielt Sandra Hüller eine Superheldin, deren ruhmreiche Tage längst vorbei zu sein scheinen. Der persönliche Song handelt von Liebe, verpassten Gelegenheiten und schließlich vom Loslassen. Diese Themen tauchen auch im Video auf, wobei Kommunikation (oder ihr Fehlen) ebenfalls eine zentrale Rolle spielt.

Doors of Reception ist eine Collage aus Türgeräuschen verschiedener Science-Fiction-Filme, die ein abstraktes Klanggemälde aus sich öffnenden und schließenden Farbfeldern ergeben. Ein wiederkehrendes Thema des Genres ist das Passieren von Türen und das Eingesperrt- oder Ausgesperrtsein auf der einen oder anderen Seite – ein Zustand, der in Zeiten der Pandemie für viele schmerzhafte Realität geworden ist.

Getarnt als einfaches Musikvideo wird ein ikonischer Auftritt eines messianischen Elvis Presley aus den 1970er-Jahren durch schnitt- und musiktechnische Bearbeitung in eine düstere Meditation über Abhängigkeit und die Leere des Starkults verwandelt. 

Mithilfe seiner Fantasie macht sich Elzo im Hinterhof einen schönen Tag.

Basierend auf einem Flohmarktfund aus Super-8-Familienarchiven. Ein Vater, der sich vor der Kamera als selbstgefälliger Tyrann inszeniert, steht im Mittelpunkt des Bildes. Ein Voice-over verleiht den Bildern einen Kontext, indem es erzählt, was nicht sichtbar ist.

Marionetten

raven, essen und fliegen.

Eine Afghanische Windhündin, irgendwo zwischen ursprünglicher Hunderasse und Instagram-Model, posiert in mysteriös erhabener Schönheit.

Die Leute im Video „Fragmants“ verehren ihre Konsumgüter wie religiöse Kultobjekte. Hier huldigt man dem Kapitalismus als Religion. Er erweist sich als oberflächlich und bedeutungslos. Die Anhänger dieser Religion sind nur entwurzelte Fragmente ihrer selbst.

Während der Text die europäische Abschottungspolitik gegenüber Immigranten der freien Zirkulation der Waren gegenüberstellt, zeigen die Bilder eine Welt der Erfolgreichen, in der alle Schlüsselpositionen von (vermeintlichen) Immigranten besetzt sind.

„Je älter ich werde, desto kleiner werden die Pixel. Es zieht mich hin, ich begiere, ich hebe ab, ich fliege.“

Was wäre, wenn man den eisernen Konstrukt der gleichgemachten und monotonen Persönlichkeit, also das gesellschaftlich vorherrschende "Ich" auflöste? Die hier veröffentlichten Einzelansichten sind Versuche über das Absurde: Introspektion durch intuitive Überarbeitung des eigenen Fotos, Re-individualisierung der systemkonformen Persönlichkeit. 

"Junkerhaus" wurde im Haus von Karl Junker (1850–1912) gedreht, der sein ganzes Leben dem Bau seines Hauses in Lemgo gewidmet hat. Reflexionen, Projektionen und Lichtveränderungen formen abstrakte Gebilde, die Oberflächen und Strukturen beleben und ein psychologisches Porträt entstehen lassen, das uns Junkers Architektur als mystische und visionäre Erfahrung wertschätzen lässt.

Ein Hochkantvideo von einem Handy, das eine Band filmt und sie dabei in Kunst verwandelt.

Beim Erkunden eines wildgemusterten Dschungels trifft ein Liebespaar auf tierische
Freunde.

Die Kamera fährt auf ein beunruhigend normales Wohnhaus zu, immer näher, die Tür öffnet sich wie von Geisterhand und die Kamera fliegt durch ein Labyrinth sich wiederholender Räume.

Der Anfang wird zum Ende und das Ende wird zum Anfang.

Ich treffe ständig Entscheidungen und werde aktiv. Aber manchmal werden mein Herz und mein Körper von etwas angezogen, bevor ich darüber nachdenke. Dann ändere ich meine Form und gelange an einen unbekannten Ort. Ich kann nicht kontrollieren, wohin ich gehe.

Du gegen mich. Wir gegen den Rest der Welt. Wir verstehen uns nicht mehr und doch sehnen wir uns nacheinander.

2017 hat China die zwei Riesenpandabären Meng Meng und Jiao Qing an den Berliner Zoo ausgeliehen. Leider verläuft diese auf Profit zielende Attraktion nicht wie geplant: Meng Meng, der weibliche Panda, läuft nur noch rückwärts. Kerstin Honeits Video stellt Meng Mengs Protest in eine Reihe mit anderen Performances protestierender Körper, in der Missstände über Bewegung in der Öffentlichkeit angeprangert werden.

Die Geschichte eines kleinen Pelztiers, das eine große Entdeckung macht, als es seine Angst vor dem Unbekannten überwindet.

Ein Mann geht in den Wald zum Beerensuchen. Statt dessen findet er eine leere Flasche Vinaigrette. Ein Dschinn kommt aus der Flasche und gewährt dem Mann drei Wünsche. Der Mann nutzt diese Wünsche auf die übliche Art, flucht dabei aber beständig, was dem Dschinn nicht gefällt. Dem Mann wird eine Lektion erteilt.

Girardets visuelle Umsetzung von „Second Chance Man“, „ein Song über das Risiko“ (Stuart Staples), ist Teil des „The Waiting Room Film Project“, in dem verschiedene Regisseure einzelne Stücke des aktuellen Tindersticks Albums (neu) interpretieren.

„Sento“ bezeichnet ein öffentliches  japanisches Badehaus. Dieses spezielle Badehaus zeichnet sich durch seine faszinierenden Details aus. Ein wandgroßer Druck mit Fuji-Motiv, knallgelbe Waschschüsseln, asymmetrische Spiegel und vieles mehr finden in einem Tanz zusammen.

Ein pummeliger, rothaariger Minianarchist ist auf dem besten Weg, ein Idol zu werden. Im Trainingsanzug ist der verschwitzte, rundgesichtige Junge in einem verfallenen Bauwerk unterwegs; er raucht, er stopft sich voll und zieht ein paar ziemlich verrückte Nummern ab.

Eine alte Erzählung aus Utsjoki in Sápmi, dem „Land der Samen“, die in die Gegenwart versetzt wurde. Es handelt sich um die Legende eines Vorfahren der Filmemacherin, Ovllá-Ivvár Helander, und dessen Taten während der Spanischen Grippe 1918 in Utsjoki. Ovllá-Ivvár beschloss, dem Tod ein Schnippchen zu schlagen und sein Schicksal selbst in die Hand zu nehmen. Die Hauptfigur des Films tritt in Ovllá-Ivvárs Fußstapfen.

„Du kannst immer an zwei Orten gleichzeitig sein, wusstest du das? In der wirklichen Welt und in der Zauberwelt.“ Die Stimme am Telefon flüstert dir ins Ohr – es gibt einen Weg, die Wirklichkeit zu verändern. Eine Reise durch Friedhöfe, unbekannte Gewässer, Gedichte, Träume und Wünsche, die uns erzählt, dass das, wonach wir uns sehnen, auf uns wartet und wir in unserer eigenen Unterwelt darauf treffen können. Ein verliebter Film wie ein Gebet, der Versuch, etwas zurückzuerlangen, was verloren scheint, das Tor zu öffnen und die wirkliche Welt zu betreten.

Eine

Zugfahrt offenbart seltsame Vorkommnisse.

Das

Video „Three Casualties“ ist eine Untersuchung dreier Filmszenen,

die je einen Stunt zeigen, welcher zum Tod des ausführenden

Stuntdoubles führte. In manchen Fällen wurden diese Szenen im

Film belassen, wodurch ein breites Publikum gleichzeitig einen

realen, wie auch fiktionalen Todesfall auf der Leinwand sah.

Begleitet von einem vibrierenden Soundtrack durchstreifen verschiedene Personen Londons Betonwüste, während eine unbekannte weibliche Stimme über die aktuelle Situation der Stadt und ihre mögliche Zukunft nachdenkt.

Rufus Wainwright verwandelt sich in eine Kunstfigur, angelehnt an die Chefredakteurin der Vogue Anne Wintour. Ein Kommentar auf das Leben in einer künstlich wandelbaren Realität und auf den Preis des Ruhms.  

Mitten in der Nacht findet eine Enttäuschte Musik in den Armen schöner Fremder.

Ein Schauspiel-Tutorial zum Thema „Fake-Tränen“ vor der Kamera. Zehn Schauspielerinnen erklären nicht nur, wie das mit dem Weinen funktioniert, sondern geben alles, um es am Ende auch vorzumachen.

Wir sind nicht rasend schnell berühmt geworden.

Ein Referenzsystem bildet die Frage auf alle Antworten ab: die Filterblase, die Fake News, der Algorithmus und Henry Maske.

Das Ruhrgebiet als fiktive Landschaft. Diese Landschaft ist – wie für die Landschaftsmalerei typisch – eine ideale Landschaft, hier ein anarchischer Raum, in dem die Menschen in Spontaneität und Kooperation frei von Hierarchien leben.

Eine der ältesten Sozialwohnungssiedlungen Singapurs verläuft entlang einer ehemaligen Bahntrasse, die bis 2011 Eigentum des malaysischen Staates war. 50 Jahre lang war diese zehn Meter breite Zone unbestimmter Zugehörigkeit im Herzen des Stadtstaates Schauplatz einer Fülle von mehr als nur menschlichen Aktivitäten. 105 Vogelarten leben auf diesem Fleck. Jetzt wird das Land umgewidmet, die ikonischen Wohnblöcke werden abgerissen und die Bewohner umgesiedelt.

20-20 ist eine Zusammenstellung aus fünf kurzen Videotagebucheintragungen zum Jahr 2020. Ursprünglich handelt es sich dabei um Karen Trasks Beiträge zu einem Videoprojekt namens 2GatherApart, das nach der Cadavre-exquis-Methode von Künstler*innen aus Montreal organisiert wurde, um während der Pandemie in Verbindung und kreativ zu bleiben. 20-20 wirft einen persönlichen und humorvollen Blick auf ein ungewöhnliches Jahr.

Am ersten Tag des coronabedingten Lockdowns wird der Vater der Regisseurin ins Krankenhaus eingeliefert und verstirbt. Mutter und Tochter trauern in der elterlichen Wohnung, Kontakt zur Außenwelt haben sie nur per Telefon. Mit ihrer schmerzlichen Innigkeit stehen die Anrufe beispielhaft für die Einsamkeit während der Pandemie. Was macht die Isolation mit uns, wenn wir auf Trost und Hilfe angewiesen sind?

Ein One-Shot-Film über Gewalt und Blut in einer turbulenten Welt, benannt nach seiner Länge. 8'28" kann jedoch kaum als Spiegel dieses pandemischen Zeitalters interpretiert werden, da Klangerzeugung und letzte Bearbeitung des Films bereits vor der Katastrophe abgeschlossen waren. Wie immer habe ich alles an dem Film selbst gemacht.

Eine dominante Frau dirigiert einige Männer rund um Renovierungsarbeiten an einer Villa in einer ungarischen Kleinstadt. Mittels der präzisen Abfolge der Bewegungen der Hauptdarstellerin in dieser örtlichen Einheit des Films entspinnt sich eine mögliche Erzählung, deren formale Wurzeln den Takt angeben.

Dadinho, ein älterer Sambamusiker, wird von seiner Enkelin auf die Beerdigung seines Bruders begleitet, der Sambamusiker bei einer konkurrierenden Sambaschule war. Auf der Reise kommt eine vergangene Geschichte über Rivalität, Samba und Verrat zutage.

Menschen verletzen sich gegenseitig und hinterlassen Wunden, die bleiben. In Familien ist das nicht anders.

Doors of Reception ist eine Collage aus Türgeräuschen verschiedener Science-Fiction-Filme, die ein abstraktes Klanggemälde aus sich öffnenden und schließenden Farbfeldern ergeben. Ein wiederkehrendes Thema des Genres ist das Passieren von Türen und das Eingesperrt- oder Ausgesperrtsein auf der einen oder anderen Seite – ein Zustand, der in Zeiten der Pandemie für viele schmerzhafte Realität geworden ist.

Ein Musikvideo – inspiriert vom Youtube-Phänomen Lyric Video und produziert mit GPT-2, einem KI-Computerprogramm, das natürliche Sprache vorhersagen kann – für die geheimnisvollen Fanuks, eine Roboterband, die von der gefeierten deutschen Band Der Plan für ihr Konzeptalbum Save Your Software erfunden wurde, aufgenommen im Jahr 1989, veröffentlicht 2021 von Bureau B.

Ein Cyberwesen setzt sich mit einem internationalen feministischen Netzwerk in Verbindung und hinterfragt die Zukunft des Internets. Yeva ist ein fiktionales Datenwesen und langweilt sich in seiner virtuellen Umgebung. Als „Internetkind“ der Neunzigerjahre, das von dem 1996 gegründeten wegbereitenden Mediennetzwerk FACES erschaffen wurde, beschließt Yeva, seine „Mütter“ in der echten Welt zu treffen.

Betty ist hungrig und allein und fischt nur Müll aus dem Fluss. Dann hat sie einen Geistesblitz und findet eine originelle Lösung. Doch der Weg zum Erfolg ist mit Fallen gespickt.

Eine Afghanische Windhündin, irgendwo zwischen ursprünglicher Hunderasse und Instagram-Model, posiert in mysteriös erhabener Schönheit.

Hans Unstern spielt an der selbstgebauten Harfe Haare Zu Gold. Um Hans herum schwebt ein Schwarm Freund:innen, Kompliz:innen und Ghostwriter:innen, die mit ihren Telefonen die Bilder für diesen Film produziert haben.

„Je älter ich werde, desto kleiner werden die Pixel. Es zieht mich hin, ich begiere, ich hebe ab, ich fliege.“

Wie wäre es, einmal der reichste Mensch der Welt zu sein? Dazu benötigt man nur genug hochaufgelöste Fotos von Elon Musk und ein paar gute Moves. Den Rest erledigt der Deepfake-Algorithmus.

Die fünfjährige Junu hat Schwierigkeiten, links und rechts voneinander zu unterscheiden. Ständig wird sie von Älteren gebeten, ihre Schuhe richtig anzuziehen. Sie kann ihr Problem jedoch nicht lösen. Als sie hereingelegt wird und ihre Schuhe wieder falsch herum anzieht, erfindet sie eine neue Lernstrategie.

Der Kanarienvogel Kiki kennt nur seinen Käfig und die alte Dame, die ihn füttert. Er träumt davon, draußen mit den anderen Vögeln zu fliegen. Als die Tür des Käfigs eines Tages offen steht, entwischt er und entdeckt die große weite Welt, in der man fliegen können muss. Ein freier Vogel zu sein, ist ganz schön beängstigend.

Dies ist die Geschichte von mir und meinem Hund, in der wir hier waren und ich vor mich hin träumte.

Dann wacht er auf mit dem Gefühl, aus einem Traum erwacht zu sein, und denkt, dass er schläft ... Später wacht er auf, merkt, dass es schon dunkel ist, und fühlt sich sehr schläfrig.

Beim Erkunden eines wildgemusterten Dschungels trifft ein Liebespaar auf tierische
Freunde.

Anne Haugsgjerd (77), eine bekannte norwegische Filmemacherin, denkt auf poetische, provokante und emotionale Weise über den Übergang in das letzte Kapitel ihres Lebens nach. Eine ungeschönte Geschichte über das Älterwerden, Schwerkraft und Kiffen.

In 80 Postkarten um die Welt. Fundstücke vom Flohmarkt berichten von fernen Reisezielen und vergangenen Sehnsuchtsorten. Herzliche Urlaubsgrüße senden Kati & Timo.

NOAH erforscht das Leben von drei echten Menschen in drei verschiedenen Städten: Montreal, London und Berlin. Anhand der in die Jahre gekommenen Telefonzellen der Städte erkundet das Video, wie die Werkzeuge, die wir zur Kommunikation nutzen, die Art und Weise prägen, wie wir miteinander in Verbindung treten. Wenn alte Werkzeuge verschwinden, sterben diese Formen der Verbindung mit ihnen.

Eine Zusammenarbeit zwischen der Künstlerin Stacie Ant und DJ Hell. Auf dem Höhepunkt der Quarantäne versuchten Hell und Stacie, eine surreale Version der Zukunft zu entwerfen, die nach der Pandemie auf sie wartet. Inspiriert von DJ Hells starker Präsenz in der Elektromusikszene über mehrere Jahrzehnte hinweg, sind das Video und der Sound eine Hommage an die Geschichte der elektronischen Musik und den damit einhergehenden Lifestyle.

Auf engem Raum überlagern sich Zeit- und Handlungsebenen, Ordnung und Chaos. Die Frage nach dem Sinn bleibt offen, aber alle wissen, was sie tun.

Dieser kritische Videoessay befasst sich mit der Entwicklung der nordböhmischen Landschaft und ihrem aktuellen Zustand. Fremde Videobeiträge zeigen die Bemühungen, Lösungen zu finden und spezifische utopische Ideen umzusetzen. In den meisten Fällen enthalten diese scharfe Kritik am aktuellen politischen und wirtschaftlichen System.

Das Video bedient sich der melancholischen Stimmung einer leeren Bühne. Die Existenz von Künstlern wird im Lockdown zum Boxkampf. Ein leerer Einkommensteuerordner wird zur Bühne. Die Musikerinnen bäumen sich auf. Der Film ist vergleichbar mit der menschlichen Haut. Was kann abgewehrt werden? Was wird aufgenommen? Eine freudige Tour de Force, die Widersprüche stets und gerne aufgreift.

Zwei Personen versuchen, in einem spanischen Marmorsteinbruch eine eingestürzte Hausfassade zu erklimmen. Gibt es keine Vier Jahreszeiten mehr und ist Vivaldi Immobilienmusik geworden?

Nach einem langen Tag im Bus sitzend, überlässt sich eine Mutter ihren existenziellen Gedanken. Zeit, Raum und Form verschwimmen. Sensory Overload ist ein audiovisuelles Stück, das erkundet, wie die Vorstellungskraft eine Flucht vor den Realitäten um uns herum sein kann.

„Wir haben gesagt, dass wir beide eine Reise nach Kirgisistan machen wollen. Das war nicht die ganze Wahrheit ...“ Drei Filmtrailer als eigenständiges Genre.

Quartet Diminished will musikalische Momente erschaffen auf der Basis der individuellen und kollektiven zeitgenössischen Sicht seiner Mitglieder auf Musik als allgemeines Gebilde. Dieses Musikvideo stammt von ihrem dritten Album Station Three und zeigt, wie die Vormachtstellung von Systemen funktioniert. Eine Mischung aus Stop-Motion-Techniken, angewendet auf Buntstiften, und 3-D-Zoetrop schafft eine eindringliche Atmosphäre, die den Kontrast zwischen Makellosigkeit und Macht veranschaulicht.

Eine alte Erzählung aus Utsjoki in Sápmi, dem „Land der Samen“, die in die Gegenwart versetzt wurde. Es handelt sich um die Legende eines Vorfahren der Filmemacherin, Ovllá-Ivvár Helander, und dessen Taten während der Spanischen Grippe 1918 in Utsjoki. Ovllá-Ivvár beschloss, dem Tod ein Schnippchen zu schlagen und sein Schicksal selbst in die Hand zu nehmen. Die Hauptfigur des Films tritt in Ovllá-Ivvárs Fußstapfen.

Inspiration für das Video war Alíz Mosonyis Kurzgeschichten-Gedicht Princess Beauty. Es geht um den Konflikt zwischen den eigenen Bewegungen und den zwangsläufigen Einschränkungen derselben. Der Film kombiniert Animation mit physikalisch-basierten Simulationen und schafft so ungewollte Ereignisse und Störeffekte.

Das Musikvideo basiert auf Found Footage und zeigt Schauspieler, die ihre Emotionen in und vor Autos ausleben. Im Split-Screen sehen wir männliche und weibliche Darsteller gleichzeitig.

Die Quelle des absoluten Wissens trifft auf die Macht von Photoshop.

Ein persönlicher Essay über die Entstehung und Lösung von Verbindungen in und durch unterschiedliche(n) Realitäten.

Top Down Memory beschäftigt sich mit Manipulationen der Geschichte im Kontext der Rekonstruktion des Berliner Schlosses. Ausgehend von den Verwirrungen um eine angebliche Ausrufung der sozialistischen Republik von einem seiner Balkone im Jahr 1918 werden weitere Balkon-Ereignisse untersucht, um Fragen nach Authentizität und Manipulation aufzuwerfen.

Für Traitors wollte ich das Gefühl extremer Isolation einfangen, das vielen von uns im Vereinigten Königreich vonseiten der Regierung vermittelt wird, und die Tatsache, dass wir zwar eine Stimme haben, die aber komplett ignoriert wird. Die Industrieruinen in meiner heruntergekommenen Heimatstadt liefern den Hintergrund für diese Performance, in der ich ins Nichts brülle.

„Geheiligt, zu, voll Feuer rein von Stoffen, ein Erdenstück erstauntem Lichte offen.“ (Paul Valéry, Der Meeresfriedhof)

Der Film hat seinen Namen von dem Ort, an dem er gedreht wurde, dem Triforium der Londoner Westminster Abbey, einer seit 700 Jahren vor den Blicken verborgenen Galerie, die in 16 Metern Höhe über dem Boden des Kirchenschiffs verläuft. Begleitet von der Musik von Laurence Crane fängt der Film die Stille und Ruhe des Triforiums ein, das seit Jahrhunderten die emporsteigenden Gebete auffängt.

Dieser Film ist eine Meditation über die jeweiligen Zeitlichkeiten der verschiedenen Bildtechnologien. Er untersucht die expliziten und unausgesprochenen Ideologien, die sich hinter der Technik verbergen, und wird zu einem Netz scheinbar unzusammenhängender Geschichten, die nach und nach Muster von durch Technologie herbeigeführter politischer Auslöschung enthüllen.

X ist ein filmisches Ahnenritual zu Ehren der Geister des Ruhrgebiets. Der Kurzfilm basiert auf Motiven des Crossroads-Mythos und ist inspiriert durch Leben und Arbeit des Vaters und des Großvaters der Filmemacherin, die auch die Hauptrollen spielen.

Im Jahr 2020, als die Welt gezwungen war, sich zu „verändern“, wollte ich nachvollziehen, was sich in mir geändert hatte und was nicht. Die weiße Maske, die ich trug, wurde zur Projektionsfläche für meine Vergangenheit. Ich leide unter Schizophrenie; meine Familie ist manchmal verletzt, aber unterstützt mich. Unser Leben ist derzeit geprägt von der Frage: „Wer sind wir?“

Dietrich Brüggemann, 1976 geboren, ist ein deutscher Filmregisseur, Drehbuchautor und Musiker. Zahlreiche Musikvideos in Oberhausen, in diesem Jahr mit "Kunst" im MuVi-Preis.

Alex Gerbaulet, *1977, lebt und arbeitet als Künstlerin, Filmemacherin und Kuratorin in Berlin. Letzte Arbeit in Oberhausen: "Tiefenschärfe" (2017).

Kerstin Honeit studierte bildende Kunst und Bühnenbild an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee. Seit 2014 unterrichtet sie an der Kunsthochschule Kassel. Letzte Arbeit in Oberhausen: "PANDA MOONWALK or WHY MENG MENG WALKS BACKWARDS" (2018).

Judith Hopf (* 1969 in Karlsruhe) ist eine deutsche Künstlerin. Sie lehrt als Professorin für Freie Kunst an der Frankfurter Städelschule. Letzter Film in Oberhausen: "Out" (2018).

Kristina Kilian studiert derzeit an der Hochschule für Fernsehen und Film München und gewann 2019 in Oberhausen den 3sat-Förderpreis für ihren Kurzfilm "Which Way to The West".

Korpys/Löffler ist das deutsche Künstlerduo Andree Korpys (* 1966 in Bremen) und Markus Löffler (* 1963 in Bremen). Die Filmemacher sind Dozenten an der Hochschule für Künste Bremen. Letzter Film in Oberhausen: "Gesang der Jünglinge" (2010).

Brenda Lien (* 1995) arbeitet als unabhängige Filmemacherin und Komponistin. Ihre Werke wurden auf renommierten Filmfestivals weltweit gezeigt. Letzter Film in Oberhausen: "Call of Comfort" (2018).

Franz Müller (* 1965 in Mosbach) ist ein deutscher Regisseur und Drehbuchautor, außerdem arbeitet er als Mitherausgeber des Filmmagazins "Revolver". Zuletzt zeigte er in Oberhausen seinen Kurzfilm "Leichtmatrosen" (2010).

Jens Pecho (* 1978 in Frankfurt am Main) ist ein zeitgenössischer deutscher Künstler. Letzter Film in Oberhausen: "RGB" (2019).

Andreas Reihse ist Künstler und Musiker und eines der Gründungsmitglieder der Musikgruppe Kreidler. Er tritt auch als Autor in Erscheinung und in wechselnden Rollen bei Film, Performance- und Theaterprojekten.

Zaza Rusadze ist ein in Berlin lebender Filmemacher. Er arbeitet auch als Videokünstler für Theaterproduktionen, zuletzt in Hamburg und Wien, und steht kurz vor der Fertigstellung seines ersten Romans.

Jovana Reisinger (* 1989 in München) ist eine deutsche Autorin und Filmemacherin. Letzter Film in Oberhausen: "sad boyz get high" (2018).

Ein junger Nepalese, der gerade dabei ist, als Filmemacher in Europa durchzustarten, wird plötzlich in die Everest-Region zurückberufen. Sein Vater, ein Viehzüchter wie die meisten Sherpas, bevor sie als Bergführer bekannt wurden, ist krank. In seinem intimen Porträt erforscht der Filmemacher seine Beziehung zu seiner Heimat und seinen Eltern sowie die Welt der Traditionen und Rituale, die er hinter sich gelassen zu haben glaubte.

Menschen verletzen sich gegenseitig und hinterlassen Wunden, die bleiben. In Familien ist das nicht anders.

Eine alte Erzählung aus Utsjoki in Sápmi, dem „Land der Samen“, die in die Gegenwart versetzt wurde. Es handelt sich um die Legende eines Vorfahren der Filmemacherin, Ovllá-Ivvár Helander, und dessen Taten während der Spanischen Grippe 1918 in Utsjoki. Ovllá-Ivvár beschloss, dem Tod ein Schnippchen zu schlagen und sein Schicksal selbst in die Hand zu nehmen. Die Hauptfigur des Films tritt in Ovllá-Ivvárs Fußstapfen.

Eine dominante Frau dirigiert einige Männer rund um Renovierungsarbeiten an einer Villa in einer ungarischen Kleinstadt. Mittels der präzisen Abfolge der Bewegungen der Hauptdarstellerin in dieser örtlichen Einheit des Films entspinnt sich eine mögliche Erzählung, deren formale Wurzeln den Takt angeben.

Nach einem langen Tag im Bus sitzend, überlässt sich eine Mutter ihren existenziellen Gedanken. Zeit, Raum und Form verschwimmen. Sensory Overload ist ein audiovisuelles Stück, das erkundet, wie die Vorstellungskraft eine Flucht vor den Realitäten um uns herum sein kann.

Anne Haugsgjerd (77), eine bekannte norwegische Filmemacherin, denkt auf poetische, provokante und emotionale Weise über den Übergang in das letzte Kapitel ihres Lebens nach. Eine ungeschönte Geschichte über das Älterwerden, Schwerkraft und Kiffen.

Der Film hat seinen Namen von dem Ort, an dem er gedreht wurde, dem Triforium der Londoner Westminster Abbey, einer seit 700 Jahren vor den Blicken verborgenen Galerie, die in 16 Metern Höhe über dem Boden des Kirchenschiffs verläuft. Begleitet von der Musik von Laurence Crane fängt der Film die Stille und Ruhe des Triforiums ein, das seit Jahrhunderten die emporsteigenden Gebete auffängt.

Top Down Memory beschäftigt sich mit Manipulationen der Geschichte im Kontext der Rekonstruktion des Berliner Schlosses. Ausgehend von den Verwirrungen um eine angebliche Ausrufung der sozialistischen Republik von einem seiner Balkone im Jahr 1918 werden weitere Balkon-Ereignisse untersucht, um Fragen nach Authentizität und Manipulation aufzuwerfen.

Dann wacht er auf mit dem Gefühl, aus einem Traum erwacht zu sein, und denkt, dass er schläft ... Später wacht er auf, merkt, dass es schon dunkel ist, und fühlt sich sehr schläfrig.

„Je älter ich werde, desto kleiner werden die Pixel. Es zieht mich hin, ich begiere, ich hebe ab, ich fliege.“

Ein Cyberwesen setzt sich mit einem internationalen feministischen Netzwerk in Verbindung und hinterfragt die Zukunft des Internets. Yeva ist ein fiktionales Datenwesen und langweilt sich in seiner virtuellen Umgebung. Als „Internetkind“ der Neunzigerjahre, das von dem 1996 gegründeten wegbereitenden Mediennetzwerk FACES erschaffen wurde, beschließt Yeva, seine „Mütter“ in der echten Welt zu treffen.

Das Ruhrgebiet als fiktive Landschaft. Diese Landschaft ist – wie für die Landschaftsmalerei typisch – eine ideale Landschaft, hier ein anarchischer Raum, in dem die Menschen in Spontaneität und Kooperation frei von Hierarchien leben.

X ist ein filmisches Ahnenritual zu Ehren der Geister des Ruhrgebiets. Der Kurzfilm basiert auf Motiven des Crossroads-Mythos und ist inspiriert durch Leben und Arbeit des Vaters und des Großvaters der Filmemacherin, die auch die Hauptrollen spielen.

Ein Musikvideo – inspiriert vom Youtube-Phänomen Lyric Video und produziert mit GPT-2, einem KI-Computerprogramm, das natürliche Sprache vorhersagen kann – für die geheimnisvollen Fanuks, eine Roboterband, die von der gefeierten deutschen Band Der Plan für ihr Konzeptalbum Save Your Software erfunden wurde, aufgenommen im Jahr 1989, veröffentlicht 2021 von Bureau B.

Eine Afghanische Windhündin, irgendwo zwischen ursprünglicher Hunderasse und Instagram-Model, posiert in mysteriös erhabener Schönheit.

Hans Unstern spielt an der selbstgebauten Harfe Haare Zu Gold. Um Hans herum schwebt ein Schwarm Freund:innen, Kompliz:innen und Ghostwriter:innen, die mit ihren Telefonen die Bilder für diesen Film produziert haben.

Wie wäre es, einmal der reichste Mensch der Welt zu sein? Dazu benötigt man nur genug hochaufgelöste Fotos von Elon Musk und ein paar gute Moves. Den Rest erledigt der Deepfake-Algorithmus.

In 80 Postkarten um die Welt. Fundstücke vom Flohmarkt berichten von fernen Reisezielen und vergangenen Sehnsuchtsorten. Herzliche Urlaubsgrüße senden Kati & Timo.

NOAH erforscht das Leben von drei echten Menschen in drei verschiedenen Städten: Montreal, London und Berlin. Anhand der in die Jahre gekommenen Telefonzellen der Städte erkundet das Video, wie die Werkzeuge, die wir zur Kommunikation nutzen, die Art und Weise prägen, wie wir miteinander in Verbindung treten. Wenn alte Werkzeuge verschwinden, sterben diese Formen der Verbindung mit ihnen.

Eine Zusammenarbeit zwischen der Künstlerin Stacie Ant und DJ Hell. Auf dem Höhepunkt der Quarantäne versuchten Hell und Stacie, eine surreale Version der Zukunft zu entwerfen, die nach der Pandemie auf sie wartet. Inspiriert von DJ Hells starker Präsenz in der Elektromusikszene über mehrere Jahrzehnte hinweg, sind das Video und der Sound eine Hommage an die Geschichte der elektronischen Musik und den damit einhergehenden Lifestyle.

Auf engem Raum überlagern sich Zeit- und Handlungsebenen, Ordnung und Chaos. Die Frage nach dem Sinn bleibt offen, aber alle wissen, was sie tun.

Das Video bedient sich der melancholischen Stimmung einer leeren Bühne. Die Existenz von Künstlern wird im Lockdown zum Boxkampf. Ein leerer Einkommensteuerordner wird zur Bühne. Die Musikerinnen bäumen sich auf. Der Film ist vergleichbar mit der menschlichen Haut. Was kann abgewehrt werden? Was wird aufgenommen? Eine freudige Tour de Force, die Widersprüche stets und gerne aufgreift.

Zwei Personen versuchen, in einem spanischen Marmorsteinbruch eine eingestürzte Hausfassade zu erklimmen. Gibt es keine Vier Jahreszeiten mehr und ist Vivaldi Immobilienmusik geworden?

Das Musikvideo basiert auf Found Footage und zeigt Schauspieler, die ihre Emotionen in und vor Autos ausleben. Im Split-Screen sehen wir männliche und weibliche Darsteller gleichzeitig.

Die Quelle des absoluten Wissens trifft auf die Macht von Photoshop.

Quartet Diminished will musikalische Momente erschaffen auf der Basis der individuellen und kollektiven zeitgenössischen Sicht seiner Mitglieder auf Musik als allgemeines Gebilde. Dieses Musikvideo stammt von ihrem dritten Album Station Three und zeigt, wie die Vormachtstellung von Systemen funktioniert. Eine Mischung aus Stop-Motion-Techniken, angewendet auf Buntstiften, und 3-D-Zoetrop schafft eine eindringliche Atmosphäre, die den Kontrast zwischen Makellosigkeit und Macht veranschaulicht.

Für Traitors wollte ich das Gefühl extremer Isolation einfangen, das vielen von uns im Vereinigten Königreich vonseiten der Regierung vermittelt wird, und die Tatsache, dass wir zwar eine Stimme haben, die aber komplett ignoriert wird. Die Industrieruinen in meiner heruntergekommenen Heimatstadt liefern den Hintergrund für diese Performance, in der ich ins Nichts brülle.

Dieser kritische Videoessay befasst sich mit der Entwicklung der nordböhmischen Landschaft und ihrem aktuellen Zustand. Fremde Videobeiträge zeigen die Bemühungen, Lösungen zu finden und spezifische utopische Ideen umzusetzen. In den meisten Fällen enthalten diese scharfe Kritik am aktuellen politischen und wirtschaftlichen System.

Eine der ältesten Sozialwohnungssiedlungen Singapurs verläuft entlang einer ehemaligen Bahntrasse, die bis 2011 Eigentum des malaysischen Staates war. 50 Jahre lang war diese zehn Meter breite Zone unbestimmter Zugehörigkeit im Herzen des Stadtstaates Schauplatz einer Fülle von mehr als nur menschlichen Aktivitäten. 105 Vogelarten leben auf diesem Fleck. Jetzt wird das Land umgewidmet, die ikonischen Wohnblöcke werden abgerissen und die Bewohner umgesiedelt.

Inspiration für das Video war Alíz Mosonyis Kurzgeschichten-Gedicht Princess Beauty. Es geht um den Konflikt zwischen den eigenen Bewegungen und den zwangsläufigen Einschränkungen derselben. Der Film kombiniert Animation mit physikalisch-basierten Simulationen und schafft so ungewollte Ereignisse und Störeffekte.

Dieser Film ist eine Meditation über die jeweiligen Zeitlichkeiten der verschiedenen Bildtechnologien. Er untersucht die expliziten und unausgesprochenen Ideologien, die sich hinter der Technik verbergen, und wird zu einem Netz scheinbar unzusammenhängender Geschichten, die nach und nach Muster von durch Technologie herbeigeführter politischer Auslöschung enthüllen.

Doors of Reception ist eine Collage aus Türgeräuschen verschiedener Science-Fiction-Filme, die ein abstraktes Klanggemälde aus sich öffnenden und schließenden Farbfeldern ergeben. Ein wiederkehrendes Thema des Genres ist das Passieren von Türen und das Eingesperrt- oder Ausgesperrtsein auf der einen oder anderen Seite – ein Zustand, der in Zeiten der Pandemie für viele schmerzhafte Realität geworden ist.

Eine Kamera schwenkt über die Flächen eines UN-Militärgeländes in Srebrenica, 25 Jahre nach dem dortigen Genozid. Dasović stellt zeitgenössisches Filmmaterial neben Archivbilder der Vorbereitungsübungen des Militärs vor dem Truppeneinsatz Mitte der 1990er-Jahre. Was erzählen die Worte und Bilder, die die niederländischen Soldaten hinterlassen haben, den Betrachtern über die Militärdoktrin, von der diese Männer geleitet wurden?

Im Jahr 2020, als die Welt gezwungen war, sich zu „verändern“, wollte ich nachvollziehen, was sich in mir geändert hatte und was nicht. Die weiße Maske, die ich trug, wurde zur Projektionsfläche für meine Vergangenheit. Ich leide unter Schizophrenie; meine Familie ist manchmal verletzt, aber unterstützt mich. Unser Leben ist derzeit geprägt von der Frage: „Wer sind wir?“

„Geheiligt, zu, voll Feuer rein von Stoffen, ein Erdenstück erstauntem Lichte offen.“ (Paul Valéry, Der Meeresfriedhof)

Ein ethnografischer Film über die Legende der Göttin Kalsu der Mahadeo Koli, deren Geschichte und Identität das Bewusstsein der Frauen dieses Volkes bis heute prägt. Der Film erzählt die Geschichte der Göttin und stellt dabei Ur- und Gegenwartsbilder kontrastierend gegenüber.

Cornelia, Juri und Murat gehören zu den „working poor“. Doch außer dem niedrigen Lohn verbindet sie auf den ersten Blick scheinbar nichts. Jede:r kämpft für sich allein. Egal, ob als Klick-Arbeiterin, Paketzusteller oder Arbeiter in der insolventen Kartonfabrik, sie alle treiben gemeinsam durch ein verworrenes Treppenhaus auf dem Weg hinaus. Doch wohin?

Ein One-Shot-Film über Gewalt und Blut in einer turbulenten Welt, benannt nach seiner Länge. 8'28" kann jedoch kaum als Spiegel dieses pandemischen Zeitalters interpretiert werden, da Klangerzeugung und letzte Bearbeitung des Films bereits vor der Katastrophe abgeschlossen waren. Wie immer habe ich alles an dem Film selbst gemacht.

Im August 1984 brannte in Duisburg ein von Gastarbeiter*innen bewohntes Haus. Sieben Menschen kamen ums Leben. Die Polizei schloss zwar sofort Rassismus als Motiv aus, aber die Überlebenden fragen sich noch heute, ob es Zufall war, dass gerade ihr Haus angezündet wurde.

Als der Bürgermeister eines kleinen Dorfes beschließt, circa 40 Flüchtlinge aufzunehmen, schlägt ihm und seiner Familie eine Welle des Widerwillens und Hasses entgegen. Die Kurzanimation erzählt vom Kampf gegen die Angst und vom Mut, trotz Todesangst für seine Überzeugungen einzustehen.

Als Abou aus Mali endlich in Europa angekommen war, war es, als hätte ein neues Leben für ihn begonnen. Ein Leben mit einer Zukunft. Aber während sein Film über seine Reise nach Europa überall auf der Welt gezeigt wird, lebt er isoliert in einem deutschen Flüchtlingsheim. Eine essayistische Reflexion über Europas unsichtbare Grenzen und über das Filmemachen als Akt der Selbstermächtigung.

Zwanzig Bilder aus meiner frühen Kindheit sind geblieben - einziger Beweis für eine fast vergessene Heimat. Wenn ich diese Bilder betrachte, kommt es mir so vor, als würden sie nicht zu meinem Leben gehören, als wären sie Teil der Geschichte eines Anderen...

Der introvertierte Hakan and der lebenslustige Murat sind unzertrennlich. Sie treffen sich täglich, hängen gemeinsam in ihrer Ecke im Kreuzberger Kiez ab, kiffen, philosophieren und streiten. Die Tage wiederholen sich, die Zeit vergeht. Plötzlich keimt Hoffnung auf Veränderung auf.

„Tiefenschärfe“ untersucht Orte in Nürnberg, an denen der sogenannte Nationalsozialistische Untergrund (NSU) zwischen 2000 und 2005 drei Morde verübt hat. Es ist eine beobachtende Umkreisung, welche die Tatorte über ihre Umgebung kontextualisiert, in ihren Markierungen liest und ihre heutige Be- und Umnutzung zeigt.