Verleih

Ein introspektiver Dokumentarfilm, der den Kinoraum und das Ritual des Zuschauens mit Erinnerungen und Träumen verbindet.

Die Menschen sind in Aufruhr. Der Boden, aus dem ihr verwunschener Garten erwächst, zittert. Zwischen Büschen und Bäumen, Beeten und Brunnen hat sich hier jeder für sich allein verirrt. Ihre Blicke suchen nach Wegen, ihre Hände versuchen sich zu erinnern. Manchmal erspähen sie etwas. Manchmal horchen sie auf. Sie vernehmen ein Flüstern, ein leises Versprechen. Sie folgen den Blütenblättern flussabwärts. Weiter.

Himmel über Schweizer Berggipfeln, Wald, Wolken, durch die Luft wirbelnde, fallende, tänzelnde Sneaker, solo, in Gruppen, lodernd in Flammen, mit Blumen, Kissen, Goldtalern, schwerelose Supercars, jemand rast auf einem Fahrrad immer wieder an einem Hochaus runter dem urbanen Abgrund zu – Leicht, schwebend und dramatisch zugleich, wie Gigers Komposition, die die Filmbilder nicht dominieren, sondern mit ihr verschmelzen will.

In einer nicht allzu fernen, vom Klimawandel heimgesuchten Zukunft analysiert ein Team aus Wissenschaftler*innen Archivmaterial von Bäuer*innen aus der Vergangenheit, um herauszufinden, welche Beziehung sie zum Land hatten.

Zwei Schwestern begeben sich während der gemeinsamen Gartenarbeit auf eine aufwühlende Reise in ihre Kindheit, um Kontinuitäten nationalsozialistischer Erziehungsideale nachzuspüren. Inwiefern war auch ihre Erziehung durch den NS-Erziehungsratgeber Die deutsche Mutter und ihr erstes Kind, der noch bis 1987 mit verändertem Titel weiterverlegt wurde, geprägt?

Ein Rundgang in einem Universum, das durch eine Stimme geformt wird; wo es hoch und runter geht, wo du interagieren solltest, ohne alles zu sagen.

In Dream In Dream entfaltet sich eine fließende surreale Traumwelt. Orte und Figuren aus bunten Collagenschnipseln setzen sich immer wieder neu zusammen. Die Hauptfigur des Videos purzelt in Alice-im-Wunderland-Manier von Szene zu Szene, ihr begegnen Patchwork-Wesen wie ein Spiegel mit Beinen, sie wandert durch einen Wald und durchquert einen Apfel. Ein Traum in einem Traum in einem Traum.

Die Geschichte dreht sich um die Alexandersäule auf dem Palastplatz, als handele es sich dabei um eine verfluchte Zeitachse.

Ein fabelhaftes Biopic über den erfolgreichsten lebenden Maler. Der KI-Hybridfilm erforscht Malerei zwischen Kreativität, Kapital und Spiritualität in einer Ära künstlicher Reproduzierbarkeit. Gerhard Richters revolutionäre Rakel-Technik inspiriert weltweit, wird adaptiert und vermarktet, während der Mythos des „Genies“ sich in eine unkontrollierbare generische Schöpfungskette einschreibt.

Das Video vereint die dadaistische Kunst von Jonathan Meese mit der musikalischen Hommage von DJ Hell an Kraftwerk. Es zeigt, wie die Protagonisten durch den Diebstahl der größten Kommerzialisierung der Kunst eine Reinigung erfahren. Erst durch Maschinen werden wir schließlich vollständig gereinigt – bis hin zur ultimativen Reinigung bei der Verwandlung in Sternenstaub.

Langsam schiebt sich ein Schiffsbug ins Bild, gefilmt von oben, von der Brücke auf das Schiffsdeck. Eine Variation von Tubatönen. Groombridge 34, gespielt und komponiert von Carl Ludwig Hübsch, erklingt zu der sich kontinuierlich verändernden Decksituation eines Tankers, mit seinen Rohren, lackierten Flächen und weiteren Details, bis zu den ausklingenden Heckstrudeln der Schiffsschraube im Rhein.

Gusarapos ist ein auf Sprachaufnahmen meines schizophrenen Onkels basierendes Selbstgespräch. Eine audiovisuelle Übung für ein Mise en abyme, das einen sensorischen Flickenteppich aus Erinnerungen an meine Kindheit webt.

Die Erinnerung an einen Arbeitstag, Kapitalismus, die Schlange, die sich in den eigenen Schwanz beißt. Es war ein Traum. Wir treffen uns mit Freund*innen, die wie wir migriert sind, wir feiern und lachen. Sie teilt mit uns eine weitere Erinnerung, die auch ein Traum sein könnte. Menschen aus verschiedenen Orten unterhalten sich am Bahnhof, verschiedene Geschichten fließen wie ein Fluss.

Mithilfe von Found Footage einer Überwachungskamera und einer Soundcollage kreiert Duoni einen audiovisuellen Dialog, in dem Aufzeichnungen verschiedener Notrufe mit dem Kunstlied Lorelei verknüpft werden. Das Video geht dem seit Jahren bestehenden Problem der Geschlechterungleichheit nach.

K-BOB STAR verwandelt eine koreanische Großmutter in eine fiktive K-Pop-Ikone. Der Film verbindet Popkultur mit persönlichen Erzählungen und hinterfragt Konzepte von Alter, Arbeit und Weiblichkeit. Durch Performance und umgetextete sowie interpretierte Lieder bricht der Film Stereotype auf und eröffnet neue Perspektiven auf Generationen und Identität.

Die Stimmen, die wir hören, sind vollständig KI-generiert – ein bewusster Kunstgriff, durch den sich die Maschinen scheinbar selbst zur Übernahme der Weltherrschaft anbieten. Um diesem aktuellen Diskurs die Schwere zu nehmen und Kontraste zum Weiterdenken zu schaffen, haben wir der KI-Musik im Video eine handgefertigte, analoge Roboterwelt entgegengesetzt. Dabei war es uns wichtig, populäre Zukunftsvisionen aus der Vergangenheit zu zitieren: Bewegen wir uns in Richtung einer Utopie oder einer Dystopie?

Ein Freundesduo aus Kindertagen findet einander nach Jahren der Trennung in Phnom Penh wieder. Chay, der in Phnom Penh lebt, hilft Lyer, die vom Land kommt, in der Stadt einen Job als Filmvorführerin zu finden. Bei einer Filmvorführung beginnen die beiden, über ihre gemeinsame Zukunft nachzudenken.

Der Song und vor allem auch das dazugehörige Video entstanden 2024 während eines Residency Aufenthalts von Jeremias Heppeler in Tatsuno, Japan. In der Kleinstadt herrscht großer Leerstand, viele Biografien sind nur noch als Spuren hinterlegt. Dieser Umstand, aber auch der ausgeprägte (Natur-)Geisterglauben werden in looking @ ghosts durch abstrakten Tanz, Animation und Masken thematisiert.

In Mkoum geht es um eine Gemeinschaft, die sich durch gemeinsames Feiern und Tanzen bildet, die denen Respekt zollt, die gegangen sind, und neuen Raum schafft für diejenigen, die dazukommen. Es ist eine Gemeinschaft, die in jedem Moment neu aufgebaut werden muss. Es gibt keine Geheimnisse, aber viele Dinge müssen gelernt werden.

Eineinhalb Jahre, nachdem Filmemacher*in Maksim Avdeev aus Russland aufgrund der eigenen Queerness floh, bricht Maksim mit einem Anruf das Schweigen mit dem nationalistischen Vater. Durch diesen distanzierten Dialog begibt sich Maksim auf eine innere Reise, um die Distanz zwischen den beiden zu überbrücken, und stellt sich dabei den Komplexitäten der Liebe, der Akzeptanz und der unerbittlichen Anziehung gegensätzlicher Wahrheiten.

„The world will little note, nor long remember, what we say here.“ (A. L., 1863)

 Im Lincoln Memorial drehte 1939 eine Second Unit mit einem Double und Statisten Szenen für den Hollywoodklassiker Mr. Smith Goes to Washington. Die Abfolge der aussortierten Plansequenzen unterläuft die übliche filmische Narration: Handlung kommt hier nicht voran. Die neoklassizistische Architektur ist lediglich Schauplatz eines wiederkehrenden Rituals. Zwischen den Säulen in der Halle verliert sich die Aufwartung des unscheinbaren Protagonisten. 

Ein Märchen erzählt von Zwillingen: Der eine glaubt an Besitz, der andere lehnt ihn ab. Ihre Konflikte führen dazu, dass sie die Welt zweiteilen und so heftig streiten, dass es den einen in hundert Stücke zerreißt. Dokumentarische Aufnahmen verweben die fantastische Geschichte mit der Gegenwart und schaffen eine Brücke zur heutigen Zeit.

Prayer for Taiwan ist eine audiovisuelle Komposition. Die Melodie basiert auf Bądarzewskas Maidens Prayer, das in Taiwan als Erkennungsmelodie für die Müllabfuhr genutzt wird. In Folge der historischen Aufarbeitung der Militärdiktatur unter Chiang Kai-shek wurden viele seiner Skulpturen aus öffentlichen Räumen entfernt und im Cihu Memorial Sculpture Park neu ausgestellt.

Ein Musikvideo über Menschen mit verschiedenen Realitäten und Tauben.

Ein Filmstudent dreht seine ersten Kurzfilme auf Super 8 und beklagt sich darüber, dass er kein einziges Bewegtbild von seinen Eltern hat.

Wenn wir krank sind, ist alles, was wir wollen nur eins – nicht mehr krank sein. Die Filmemacher*in sieht einen Schwan im Ententeich und träumt mit Long Covid vom Reich der Gesunden. Ein Essay, der von verzauberten Kranken und träumenden Vögeln handelt.

Es war einmal geplant, in den Klippen ein Kino zu bauen – hier könnte es gewesen sein. Sinkhole ist eine poetische Antwort auf das Archiv und die mündlichen Überlieferungen des Tyneside Cinema, eines unabhängigen Kinos im Nordosten Englands, das viele Krisen erlebt hat. In imaginären Vignetten meditiert Sinkhole über große Visionen und drohendes Scheitern.

Entwurzelt und nachwachsend; sich durch die Adern eines Gebäudes windend. Eine Reinigungskraft und eine Studentin, zwei umherziehende Frauen, begegnen sich. Sie überschritt, sie überschritt, sie überschritten ... „Aber das Leben geht weiter“, sagte sie.

Philipp Guflers Kurzfilm besteht aus einer Performance des Künstlers und Filmszenen aus Archivmaterial zu queeren und transgender Inhalten. In dem 19-minütigen Werk erleben wir aufgeteilt auf zwei Seiten explizite, niederschwellige Ausdrucksformen von Sexualität, die mit der Norm brechen.

„Ich umarme fremde Leute, ich verliere meine Freunde.“ Abhängig, aber immer auf der Hut vor tausenden „Friends“. Ein Hin und Her von Nähe und Distanz, Teilung und Vervielfachung, Gleichschritt und Differenz. Das Ich zwischen Menschlichkeit und Trollarmee, algorithmischer Propaganda und Gemeinschaft als Ware in der Eskalations-Maschine Internet.

Das übergeordnete Thema von Vernacular Dreamscapes ist die Natur als Gebiet des Unbekannten und des Unheimlichen, ein fremdes und entfremdetes Territorium, ein verlassenes Gebiet. Dem wird die Erscheinung von traumartigen und absurden Phänomenen und eine undurchschaubare höhlenartige Architektur entgegengestellt. Eine zusammenhängende Handlung wird nie deutlich, die Wirklichkeit bleibt vage. Das Gebiet wird von Orten, Träumen, Stimmen, übernatürlichen Kreaturen und Artefakten bewohnt.

Die Geschichten der Charaktere Maria, Daniel und Jackpot lassen sich als ein experimenteller Coming-of-Age-Film verstehen, der autobiografische und fiktive Elemente zu einer dichten, poetischen Einheit verbindet und das Zusammenspiel von Persönlichkeitsentwicklung, Familieneinflüssen und gesellschaftlichen Zwängen zeigt. Welche Auswirkungen haben generationsübergreifende Traumata auf die Psyche, auf Sehnsüchte und auf unsere Identitätsbildung?

20-20 ist eine Zusammenstellung aus fünf kurzen Videotagebucheintragungen zum Jahr 2020. Ursprünglich handelt es sich dabei um Karen Trasks Beiträge zu einem Videoprojekt namens 2GatherApart, das nach der Cadavre-exquis-Methode von Künstler*innen aus Montreal organisiert wurde, um während der Pandemie in Verbindung und kreativ zu bleiben. 20-20 wirft einen persönlichen und humorvollen Blick auf ein ungewöhnliches Jahr.

Bei Tante Gladys´ Beerdigung hörte Archer Pechawis ein Klopfen am Fenster – es war ein Bär namens Jesus. Eine Allegorie für religiöse Einflussnahme mit einem schmerzhaften und gleichzeitig humorvollen Blick auf Entfremdung und Trauer um eine verlorene Person, die noch lebt.

Die Damen essen, die Herren schlagen.

Da ist ein braves Mädchen. Und da ist das Internet. Es mag einem seltsam vorkommen, aber es könnte wahr sein.

Mit einem experimentellen Ansatz für den Greenscreen schuf Maxim Franks einen kaleidoskopischen Film für den Song Almost Puppet. Video und Song untersuchen Themen wie Identität und das Ich aus der Perspektive der Katzenpuppe Puppet Ginger mit besonderem Augenmerk auf der Zerbrechlichkeit des Bewusstseins.

Ein alter Obstgarten im Wandel der Jahreszeiten, Orgelmusik, eine Pflanzenklassifizierung aus dem 17. Jahrhundert, Porzellan mit Blumenmotiven: Arbor, Cremium, Frutex, Herba versucht mittels verschiedener Darstellungen, ein landschaftliches Erbe zu vermitteln.

Die Menschen sind in Aufruhr. Der Boden, aus dem ihr verwunschener Garten erwächst, zittert. Zwischen Büschen und Bäumen, Beeten und Brunnen hat sich hier jeder für sich allein verirrt. Ihre Blicke suchen nach Wegen, ihre Hände versuchen sich zu erinnern. Manchmal erspähen sie etwas. Manchmal horchen sie auf. Sie vernehmen ein Flüstern, ein leises Versprechen. Sie folgen den Blütenblättern flussabwärts. Weiter.

Park. Wohnzimmer. Sechskern-Prozessor. Mein Avatar lernt einen Rückwärtssalto.

„Blacktivist“ befasst sich mit Polizeigewalt, selektiver Strafverfolgung und dem Recht auf Notwehr. Szenen, die die Ästhetik konventioneller Musikvideos heraufbeschwören, treffen auf Found Footage, Dokumentaraufnahmen und 3D-Animationen.

Eine Frau schleudert Blitze, Gespenster scharen sich um sie und wollen sie zur Ordnung bringen.
Sie boxt sich weiter durch, bis die Gespenster schweigen.

Verachtet von seinen Kollegen – einem Haufen niveauloser Büromachos – gestaltet sich Lorenz kurzerhand seinen eigenen Abend. Frei von allen Zwängen und Beleidigungen gibt er sich dem Charme der Nacht, des Alkohols und der Karaokebars hin.

Als der Bürgermeister eines kleinen Dorfes beschließt, circa 40 Flüchtlinge aufzunehmen, schlägt ihm und seiner Familie eine Welle des Widerwillens und Hasses entgegen. Die Kurzanimation erzählt vom Kampf gegen die Angst und vom Mut, trotz Todesangst für seine Überzeugungen einzustehen.

Menschen verletzen sich gegenseitig und hinterlassen Wunden, die bleiben. In Familien ist das nicht anders.

Die kleinen Grausamkeiten eines unterbewussten Nebels ziehen auf. Eine Pandemie vereitelt Intimität. Von ihren jeweiligen kleinen Planeten aus stellen diese bunten Kreaturen ihre Zukunft infrage und setzen sich mit der Sehnsucht nach Verbundenheit auseinander. Dies ist die fünfte Zusammenarbeit zwischen Jessie Mott und Steve Reinke.

„Copyshop“ begleitet den Köpenicker Rapper Romano auf Entdeckungsreise nach Hongkong, wo er seine Vergangenheit als Copyshop-Mitarbeiter in Berlin Revue passieren lässt. Es geht um Megacitys, Stereotypen, kreative Freiräume, Rap-Musik, die Copyshop-Biographie von Romano und natürlich um die Kopie von der Kopie von der Kopie von der Kopie …

Der Song von Tall Juan ist all jenen gewidmet, die auf der Straße leben. Hergestellt mit
Acryl, Pastellstiften und Bleistift auf Papier.

„Angelegenheiten / haben oft zwei Seiten / Kann man sich jeweils hindrehn / Krieg heißt plötzlich Frieden / Granaten Leoniden / Mein Sofa hat mit mir ein Problem //“ Gummischlappe, Sichel und Hammer, Moskitospray, Fußmatte mit dem kleinen Maulwurf drauf, Eierschneider und einige andere vertreiben sich die Zeit auf planet earth um fünf nach zwölf. Mit Ausschnitten aus Koyaanisqatsi, Zabriskie Point, Terminator und anderem Found Footage.

Ein alternder Rockstar, den eigenen Zenit im Rückspiegel, isoliert lebend zwischen Ludwig II und Ludwig XIV, weniger Sonne, mehr Untergang. Rocko Schamoni als Rocko Schikano und die Frage, was hätte gewesen sein können.

Das ist die Toilette, ja? Und was soll hier gemacht werden? Diese Toilette ist doch schon voll designt. Was soll ich da noch machen? Fein Design sein oder was? Was kommt dann jetzt hier aus dieser Toilette raus? Das ist eine Kloschüssel. Daraus kommen drei verschiedene Gerüche oder kommen die da rein? Drei Komponenten.

Die Möglichkeit, Menschheitsgeschichte zu (re)konstruieren, verdankt sich nicht nur Archiven, sondern vielmehr Abfällen. Was, wenn nun aber in den zeitgenössischen Konzepten konsequenter Kreislaufwirtschaft keine Abfälle mehr vorkommen? Dann wird die Vergangenheit der Gegenwart in Zukunft nicht mehr auffindbar sein. Der Müll muss sich also alternative Rückzugsorte suchen, um zu überdauern ...

Petra will entspannen, Martha macht sich Sorgen und Maria steht einfach nicht mehr auf. Die Wellen rauschen und das Schoßhündchen ergibt sich. Es ist heiß und die Wunde klafft.

Im silbernen Catsuit und mit Zigarette spielt Sandra Hüller eine Superheldin, deren ruhmreiche Tage längst vorbei zu sein scheinen. Der persönliche Song handelt von Liebe, verpassten Gelegenheiten und schließlich vom Loslassen. Diese Themen tauchen auch im Video auf, wobei Kommunikation (oder ihr Fehlen) ebenfalls eine zentrale Rolle spielt.

Doors of Reception ist eine Collage aus Türgeräuschen verschiedener Science-Fiction-Filme, die ein abstraktes Klanggemälde aus sich öffnenden und schließenden Farbfeldern ergeben. Ein wiederkehrendes Thema des Genres ist das Passieren von Türen und das Eingesperrt- oder Ausgesperrtsein auf der einen oder anderen Seite – ein Zustand, der in Zeiten der Pandemie für viele schmerzhafte Realität geworden ist.

Dies ist mein zweites VR-Projekt, bei dem Bildsprache, Tanz und Installation miteinander kombiniert werden, um eine Art Dialog zu schaffen. Es ist der Versuch eines Regieansatzes, der irgendwo zwischen Film und Theater liegt. Alle Szenen sind Gemälden von Edward Hopper entnommen. Diese Version ist die Kinofassung.

Im Nest der Sonne treffen sich Xolotl, Huitzilin und Xochitl, um den Strahlentanz wiederaufzunehmen, dessen farbenprächtige Hitze das neue Feuer ihres kosmischen Tanzes entfacht.

Getarnt als einfaches Musikvideo wird ein ikonischer Auftritt eines messianischen Elvis Presley aus den 1970er-Jahren durch schnitt- und musiktechnische Bearbeitung in eine düstere Meditation über Abhängigkeit und die Leere des Starkults verwandelt. 

Großmutter wachsen Flügel und sie wird zu einem menschlichen Vogel. Sie tritt aus der Dunkelheit eines Tunnels in eine verwüstete, neblige Landschaft. Über den Wolken schwebt sie dort, wohin Vögel aufsteigen, über dem Boden als Körper im Schwebezustand. Das Video kitzelt unsere Sinne und Gefühle bis zum Verlust der Schwerkraft.

Die elektromagnetischen Landschaften von São Paulo und Rio de Janeiro werden unregelmäßig. Man kann nicht erkennen, was sich außerhalb des Frames befindet. Die Bildschnipsel werden mit dem Gedicht _E se Jesus fosse preto_ (Was, wenn Jesus Schwarz wäre) des brasilianischen Dichters Bruno Negrão unterlegt, der anregt, tief in uns verwurzelte Überzeugungen zu überdenken.

Marionetten raven, essen und fliegen.

Eine Afghanische Windhündin, irgendwo zwischen ursprünglicher Hunderasse und Instagram-Model, posiert in mysteriös erhabener Schönheit.

Die Leute im Video „Fragmants“ verehren ihre Konsumgüter wie religiöse Kultobjekte. Hier huldigt man dem Kapitalismus als Religion. Er erweist sich als oberflächlich und bedeutungslos. Die Anhänger dieser Religion sind nur entwurzelte Fragmente ihrer selbst.

Frau Michels ist auf dem Weg zu ihrem Physiotherapeuten, der das Herz der verheirateten Frau höher schlagen lässt. Doch von ihm fehlt jede Spur.

Ein Bild der Geschichte des Universums aus der Perspektive eines einsamen Menschen, der in einer Einzimmerwohnung lebt und einen Geburtstag damit verbringt, sich alte Diabilder von Filmen anzusehen.

Manchmal ist es ein Geruch | Eine Faser ein Lichtstrahl | Ein Buchenblatt, das dir zu Füßen fällt | Ein Regentropfen auf deinem Schuh | Eine Wimper auf deiner Wange | Schnappschüsse im Alltag | Details fallen dir ein | Fünf zehn zwanzig Jahre später | Die Sternschnuppen des Vergangenen | Im stillgelegten Tunnel des Bewussten |

Während der Text die europäische Abschottungspolitik gegenüber Immigranten der freien Zirkulation der Waren gegenüberstellt, zeigen die Bilder eine Welt der Erfolgreichen, in der alle Schlüsselpositionen von (vermeintlichen) Immigranten besetzt sind.

„Je älter ich werde, desto kleiner werden die Pixel. Es zieht mich hin, ich begiere, ich hebe ab, ich fliege.“

"Junkerhaus" wurde im Haus von Karl Junker (1850–1912) gedreht, der sein ganzes Leben dem Bau seines Hauses in Lemgo gewidmet hat. Reflexionen, Projektionen und Lichtveränderungen formen abstrakte Gebilde, die Oberflächen und Strukturen beleben und ein psychologisches Porträt entstehen lassen, das uns Junkers Architektur als mystische und visionäre Erfahrung wertschätzen lässt.

Ein Hochkantvideo von einem Handy, das eine Band filmt und sie dabei in Kunst verwandelt.

Beim Erkunden eines wildgemusterten Dschungels trifft ein Liebespaar auf tierische
Freunde.

Vier Freunde sitzen am Platz der Kulturen in Köln-Finkenberg und suchen die richtigen Worte und Satzzeichen für eine SMS, die nie abgeschickt werden soll.

Die Kamera fährt auf ein beunruhigend normales Wohnhaus zu, immer näher, die Tür öffnet sich wie von Geisterhand und die Kamera fliegt durch ein Labyrinth sich wiederholender Räume.

Der Anfang wird zum Ende und das Ende wird zum Anfang.

Ich treffe ständig Entscheidungen und werde aktiv. Aber manchmal werden mein Herz und mein Körper von etwas angezogen, bevor ich darüber nachdenke. Dann ändere ich meine Form und gelange an einen unbekannten Ort. Ich kann nicht kontrollieren, wohin ich gehe.

Trotz ihrer heftigen Winde und der gefährlichen Gewässer ist die Straße von Gibraltar zur bevorzugten Route für Migranten geworden, die über Marokko nach Europa wollen. Die Mündung des Mittelmeeres wird damit zu einem tragischen Schauplatz der Hoffnung und des Todes.

2017 hat China die zwei Riesenpandabären Meng Meng und Jiao Qing an den Berliner Zoo ausgeliehen. Leider verläuft diese auf Profit zielende Attraktion nicht wie geplant: Meng Meng, der weibliche Panda, läuft nur noch rückwärts. Kerstin Honeits Video stellt Meng Mengs Protest in eine Reihe mit anderen Performances protestierender Körper, in der Missstände über Bewegung in der Öffentlichkeit angeprangert werden.

Prayer for Taiwan ist eine audiovisuelle Komposition. Die Melodie basiert auf Bądarzewskas Maidens Prayer, das in Taiwan als Erkennungsmelodie für die Müllabfuhr genutzt wird. In Folge der historischen Aufarbeitung der Militärdiktatur unter Chiang Kai-shek wurden viele seiner Skulpturen aus öffentlichen Räumen entfernt und im Cihu Memorial Sculpture Park neu ausgestellt.

Angesichts der Seltenheit von nichtbinären Repräsentationen spricht Lou über sein_ihr Verhältnis zu Geschlecht, Kleidung und anderen Markern.

Ein Mann geht in den Wald zum Beerensuchen. Statt dessen findet er eine leere Flasche Vinaigrette. Ein Dschinn kommt aus der Flasche und gewährt dem Mann drei Wünsche. Der Mann nutzt diese Wünsche auf die übliche Art, flucht dabei aber beständig, was dem Dschinn nicht gefällt. Dem Mann wird eine Lektion erteilt.

Wenn wir krank sind, ist alles, was wir wollen nur eins – nicht mehr krank sein. Die Filmemacher*in sieht einen Schwan im Ententeich und träumt mit Long Covid vom Reich der Gesunden. Ein Essay, der von verzauberten Kranken und träumenden Vögeln handelt.

Girardets visuelle Umsetzung von „Second Chance Man“, „ein Song über das Risiko“ (Stuart Staples), ist Teil des „The Waiting Room Film Project“, in dem verschiedene Regisseure einzelne Stücke des aktuellen Tindersticks Albums (neu) interpretieren.

„Sento“ bezeichnet ein öffentliches  japanisches Badehaus. Dieses spezielle Badehaus zeichnet sich durch seine faszinierenden Details aus. Ein wandgroßer Druck mit Fuji-Motiv, knallgelbe Waschschüsseln, asymmetrische Spiegel und vieles mehr finden in einem Tanz zusammen.

Hinter dem Begriff „sensibler Inhalt“, hinter diesem Symbol der durchgestrichenen Augen, in diesem Deep Blur sind zwei echte Augen durch die Gewalt im Nahen Osten ausgelöscht worden.

Im Jahr 2021 gingen Hunderttausende von Menschen in Brasilien mitten in einer Pandemie auf die Straße, um gegen die Regierung Bolsonaro zu protestieren. Inspiriert von Joyce Wielands gleichnamigem Film aus dem Jahr 1973 porträtiert _Solidariedade_ diese Proteste, wobei hier anders als bei Wieland, die Füße in den Mittelpunkt rückte, die Ausdruckskraft menschlicher Hände im Fokus steht. Gesten der Zuneigung, des Widerstands, des Schutzes, der Freude oder der Unterdrückung werden in diesen auf Ektachrome Super 8 gedrehten Bildern sichtbar.

Als ich anfing, allein zu leben und mein Zimmer mit Blumen zu schmücken, war ich ganz aufgeregt. Draußen gibt es viele schöne Blumen, aber gehören sie jemand anderem? Selbst wenn sie wie Unkraut aussehen, könnten sie jemandem gefallen, der hier vorbeikommt, also kaufe ich schließlich Blumen beim Blumenhändler. Ich frage mich, ob Blumen etwas sind, das man kauft.

Ein pummeliger, rothaariger Minianarchist ist auf dem besten Weg, ein Idol zu werden. Im Trainingsanzug ist der verschwitzte, rundgesichtige Junge in einem verfallenen Bauwerk unterwegs; er raucht, er stopft sich voll und zieht ein paar ziemlich verrückte Nummern ab.

Willkommen in St. Mickeyland! In gemäldeartigen Tableaus wird ein von Cartoon und Medien-Ikonen bewohntes Reservat gezeigt. Die versammelten Figuren sind auf der Suche nach Lebenssinn und reflektieren dabei ihre Schöpfung im Honigtopf des Kapitals. Während Schneewittchen das Stand-Up-Paddling erlernt, gebärt Winnie Puh einen Nachfahren und verleiht der fiktiven Hülle eine Prise Menschlichkeit.

Eine alte Erzählung aus Utsjoki in Sápmi, dem „Land der Samen“, die in die Gegenwart versetzt wurde. Es handelt sich um die Legende eines Vorfahren der Filmemacherin, Ovllá-Ivvár Helander, und dessen Taten während der Spanischen Grippe 1918 in Utsjoki. Ovllá-Ivvár beschloss, dem Tod ein Schnippchen zu schlagen und sein Schicksal selbst in die Hand zu nehmen. Die Hauptfigur des Films tritt in Ovllá-Ivvárs Fußstapfen.

Der Rahmen einer Fahrt mit den Wiener Linien wird zu einer besonderen Forschungsreise, denn der Filmemacher nähert sich den Trivialitäten des Alltags mit konzeptueller Lust. Ein amorphes Wesen ist sein Protagonist, sein Bildzentrum; in schmutzigem Weiß taucht es aus dem brüchigen Schwarz auf. Es sind Körperspuren, Schmierflecken, gefunden an Glasscheiben und anderen Oberflächen im öffentlichen Raum.

Transparente, holografische Bestandteile kanadischer Dollarscheine werden per Kontaktabzug auf 16-mm-Film gedruckt. Ein kameraloser, schwindelerregender Blick auf die Monarchin, die Ahornblätter und die kolonialen Strukturen, die unser gesetzliches Zahlungsmittel sichern und validieren.

„Du kannst immer an zwei Orten gleichzeitig sein, wusstest du das? In der wirklichen Welt und in der Zauberwelt.“ Die Stimme am Telefon flüstert dir ins Ohr – es gibt einen Weg, die Wirklichkeit zu verändern. Eine Reise durch Friedhöfe, unbekannte Gewässer, Gedichte, Träume und Wünsche, die uns erzählt, dass das, wonach wir uns sehnen, auf uns wartet und wir in unserer eigenen Unterwelt darauf treffen können. Ein verliebter Film wie ein Gebet, der Versuch, etwas zurückzuerlangen, was verloren scheint, das Tor zu öffnen und die wirkliche Welt zu betreten.

Eine Zugfahrt offenbart seltsame Vorkommnisse.

Eine Frau will aufstehen und endlich mit allem anfangen. Doch die Sessel, zwischen denen sie sitzt, lassen sie nicht los. Das Zimmer wird zu ihrem Universum und der Ausweg daraus ausgerechnet die Sessel.

Das Video „Three Casualties“ ist eine Untersuchung dreier Filmszenen, die je einen Stunt zeigen, welcher zum Tod des ausführenden Stuntdoubles führte. In manchen Fällen wurden diese Szenen im Film belassen, wodurch ein breites Publikum gleichzeitig einen realen, wie auch fiktionalen Todesfall auf der Leinwand sah.

Mittelalterliche Zeitreisende auf Stippvisite in der Zukunft, der sogenannten Gegenwart und der gar nicht so grauen Vorzeit treffen auf Burger, SUVs, Esoteriker und ein Mammut, um danach (Spoiler) wieder in die Vergangenheit zurückzukehren.

Begleitet von einem vibrierenden Soundtrack durchstreifen verschiedene Personen Londons Betonwüste, während eine unbekannte weibliche Stimme über die aktuelle Situation der Stadt und ihre mögliche Zukunft nachdenkt.

Rufus Wainwright verwandelt sich in eine Kunstfigur, angelehnt an die Chefredakteurin der Vogue Anne Wintour. Ein Kommentar auf das Leben in einer künstlich wandelbaren Realität und auf den Preis des Ruhms.  

Mitten in der Nacht findet eine Enttäuschte Musik in den Armen schöner Fremder.

Ein Schauspiel-Tutorial zum Thema „Fake-Tränen“ vor der Kamera. Zehn Schauspielerinnen erklären nicht nur, wie das mit dem Weinen funktioniert, sondern geben alles, um es am Ende auch vorzumachen.

Wir sind nicht rasend schnell berühmt geworden.

Ein Referenzsystem bildet die Frage auf alle Antworten ab: die Filterblase, die Fake News, der Algorithmus und Henry Maske.

Es war einmal geplant, in den Klippen ein Kino zu bauen – hier könnte es gewesen sein. Sinkhole ist eine poetische Antwort auf das Archiv und die mündlichen Überlieferungen des Tyneside Cinema, eines unabhängigen Kinos im Nordosten Englands, das viele Krisen erlebt hat. In imaginären Vignetten meditiert Sinkhole über große Visionen und drohendes Scheitern.

Ein introspektiver Dokumentarfilm, der den Kinoraum und das Ritual des Zuschauens mit Erinnerungen und Träumen verbindet.

Ein Freundesduo aus Kindertagen findet einander nach Jahren der Trennung in Phnom Penh wieder. Chay, der in Phnom Penh lebt, hilft Lyer, die vom Land kommt, in der Stadt einen Job als Filmvorführerin zu finden. Bei einer Filmvorführung beginnen die beiden, über ihre gemeinsame Zukunft nachzudenken.

In einer nicht allzu fernen, vom Klimawandel heimgesuchten Zukunft analysiert ein Team aus Wissenschaftler*innen Archivmaterial von Bäuer*innen aus der Vergangenheit, um herauszufinden, welche Beziehung sie zum Land hatten.

Ein Filmstudent dreht seine ersten Kurzfilme auf Super 8 und beklagt sich darüber, dass er kein einziges Bewegtbild von seinen Eltern hat.

Ein Märchen erzählt von Zwillingen: Der eine glaubt an Besitz, der andere lehnt ihn ab. Ihre Konflikte führen dazu, dass sie die Welt zweiteilen und so heftig streiten, dass es den einen in hundert Stücke zerreißt. Dokumentarische Aufnahmen verweben die fantastische Geschichte mit der Gegenwart und schaffen eine Brücke zur heutigen Zeit.

Die Geschichten der Charaktere Maria, Daniel und Jackpot lassen sich als ein experimenteller Coming-of-Age-Film verstehen, der autobiografische und fiktive Elemente zu einer dichten, poetischen Einheit verbindet und das Zusammenspiel von Persönlichkeitsentwicklung, Familieneinflüssen und gesellschaftlichen Zwängen zeigt. Welche Auswirkungen haben generationsübergreifende Traumata auf die Psyche, auf Sehnsüchte und auf unsere Identitätsbildung?

Wenn wir krank sind, ist alles, was wir wollen nur eins – nicht mehr krank sein. Die Filmemacher*in sieht einen Schwan im Ententeich und träumt mit Long Covid vom Reich der Gesunden. Ein Essay, der von verzauberten Kranken und träumenden Vögeln handelt.

Zwei Schwestern begeben sich während der gemeinsamen Gartenarbeit auf eine aufwühlende Reise in ihre Kindheit, um Kontinuitäten nationalsozialistischer Erziehungsideale nachzuspüren. Inwiefern war auch ihre Erziehung durch den NS-Erziehungsratgeber Die deutsche Mutter und ihr erstes Kind, der noch bis 1987 mit verändertem Titel weiterverlegt wurde, geprägt?

Die Menschen sind in Aufruhr. Der Boden, aus dem ihr verwunschener Garten erwächst, zittert. Zwischen Büschen und Bäumen, Beeten und Brunnen hat sich hier jeder für sich allein verirrt. Ihre Blicke suchen nach Wegen, ihre Hände versuchen sich zu erinnern. Manchmal erspähen sie etwas. Manchmal horchen sie auf. Sie vernehmen ein Flüstern, ein leises Versprechen. Sie folgen den Blütenblättern flussabwärts. Weiter.

Himmel über Schweizer Berggipfeln, Wald, Wolken, durch die Luft wirbelnde, fallende, tänzelnde Sneaker, solo, in Gruppen, lodernd in Flammen, mit Blumen, Kissen, Goldtalern, schwerelose Supercars, jemand rast auf einem Fahrrad immer wieder an einem Hochaus runter dem urbanen Abgrund zu – Leicht, schwebend und dramatisch zugleich, wie Gigers Komposition, die die Filmbilder nicht dominieren, sondern mit ihr verschmelzen will.

Ein Rundgang in einem Universum, das durch eine Stimme geformt wird; wo es hoch und runter geht, wo du interagieren solltest, ohne alles zu sagen.

In Dream In Dream entfaltet sich eine fließende surreale Traumwelt. Orte und Figuren aus bunten Collagenschnipseln setzen sich immer wieder neu zusammen. Die Hauptfigur des Videos purzelt in Alice-im-Wunderland-Manier von Szene zu Szene, ihr begegnen Patchwork-Wesen wie ein Spiegel mit Beinen, sie wandert durch einen Wald und durchquert einen Apfel. Ein Traum in einem Traum in einem Traum.

Das Video vereint die dadaistische Kunst von Jonathan Meese mit der musikalischen Hommage von DJ Hell an Kraftwerk. Es zeigt, wie die Protagonisten durch den Diebstahl der größten Kommerzialisierung der Kunst eine Reinigung erfahren. Erst durch Maschinen werden wir schließlich vollständig gereinigt – bis hin zur ultimativen Reinigung bei der Verwandlung in Sternenstaub.

Langsam schiebt sich ein Schiffsbug ins Bild, gefilmt von oben, von der Brücke auf das Schiffsdeck. Eine Variation von Tubatönen. Groombridge 34, gespielt und komponiert von Carl Ludwig Hübsch, erklingt zu der sich kontinuierlich verändernden Decksituation eines Tankers, mit seinen Rohren, lackierten Flächen und weiteren Details, bis zu den ausklingenden Heckstrudeln der Schiffsschraube im Rhein.

K-BOB STAR verwandelt eine koreanische Großmutter in eine fiktive K-Pop-Ikone. Der Film verbindet Popkultur mit persönlichen Erzählungen und hinterfragt Konzepte von Alter, Arbeit und Weiblichkeit. Durch Performance und umgetextete sowie interpretierte Lieder bricht der Film Stereotype auf und eröffnet neue Perspektiven auf Generationen und Identität.

Die Stimmen, die wir hören, sind vollständig KI-generiert – ein bewusster Kunstgriff, durch den sich die Maschinen scheinbar selbst zur Übernahme der Weltherrschaft anbieten. Um diesem aktuellen Diskurs die Schwere zu nehmen und Kontraste zum Weiterdenken zu schaffen, haben wir der KI-Musik im Video eine handgefertigte, analoge Roboterwelt entgegengesetzt. Dabei war es uns wichtig, populäre Zukunftsvisionen aus der Vergangenheit zu zitieren: Bewegen wir uns in Richtung einer Utopie oder einer Dystopie?

Der Song und vor allem auch das dazugehörige Video entstanden 2024 während eines Residency Aufenthalts von Jeremias Heppeler in Tatsuno, Japan. In der Kleinstadt herrscht großer Leerstand, viele Biografien sind nur noch als Spuren hinterlegt. Dieser Umstand, aber auch der ausgeprägte (Natur-)Geisterglauben werden in looking @ ghosts durch abstrakten Tanz, Animation und Masken thematisiert.

In Mkoum geht es um eine Gemeinschaft, die sich durch gemeinsames Feiern und Tanzen bildet, die denen Respekt zollt, die gegangen sind, und neuen Raum schafft für diejenigen, die dazukommen. Es ist eine Gemeinschaft, die in jedem Moment neu aufgebaut werden muss. Es gibt keine Geheimnisse, aber viele Dinge müssen gelernt werden.

Ein Musikvideo über Menschen mit verschiedenen Realitäten und Tauben.

„Ich umarme fremde Leute, ich verliere meine Freunde.“ Abhängig, aber immer auf der Hut vor tausenden „Friends“. Ein Hin und Her von Nähe und Distanz, Teilung und Vervielfachung, Gleichschritt und Differenz. Das Ich zwischen Menschlichkeit und Trollarmee, algorithmischer Propaganda und Gemeinschaft als Ware in der Eskalations-Maschine Internet.

Das übergeordnete Thema von Vernacular Dreamscapes ist die Natur als Gebiet des Unbekannten und des Unheimlichen, ein fremdes und entfremdetes Territorium, ein verlassenes Gebiet. Dem wird die Erscheinung von traumartigen und absurden Phänomenen und eine undurchschaubare höhlenartige Architektur entgegengestellt. Eine zusammenhängende Handlung wird nie deutlich, die Wirklichkeit bleibt vage. Das Gebiet wird von Orten, Träumen, Stimmen, übernatürlichen Kreaturen und Artefakten bewohnt.

Mithilfe von Found Footage einer Überwachungskamera und einer Soundcollage kreiert Duoni einen audiovisuellen Dialog, in dem Aufzeichnungen verschiedener Notrufe mit dem Kunstlied Lorelei verknüpft werden. Das Video geht dem seit Jahren bestehenden Problem der Geschlechterungleichheit nach.

Entwurzelt und nachwachsend; sich durch die Adern eines Gebäudes windend. Eine Reinigungskraft und eine Studentin, zwei umherziehende Frauen, begegnen sich. Sie überschritt, sie überschritt, sie überschritten ... „Aber das Leben geht weiter“, sagte sie.

Die Geschichte dreht sich um die Alexandersäule auf dem Palastplatz, als handele es sich dabei um eine verfluchte Zeitachse.

Die Erinnerung an einen Arbeitstag, Kapitalismus, die Schlange, die sich in den eigenen Schwanz beißt. Es war ein Traum. Wir treffen uns mit Freund*innen, die wie wir migriert sind, wir feiern und lachen. Sie teilt mit uns eine weitere Erinnerung, die auch ein Traum sein könnte. Menschen aus verschiedenen Orten unterhalten sich am Bahnhof, verschiedene Geschichten fließen wie ein Fluss.

Da ist ein braves Mädchen. Und da ist das Internet. Es mag einem seltsam vorkommen, aber es könnte wahr sein.

Verachtet von seinen Kollegen – einem Haufen niveauloser Büromachos – gestaltet sich Lorenz kurzerhand seinen eigenen Abend. Frei von allen Zwängen und Beleidigungen gibt er sich dem Charme der Nacht, des Alkohols und der Karaokebars hin.

Girardets visuelle Umsetzung von „Second Chance Man“, „ein Song über das Risiko“ (Stuart Staples), ist Teil des „The Waiting Room Film Project“, in dem verschiedene Regisseure einzelne Stücke des aktuellen Tindersticks Albums (neu) interpretieren.

Danny, Damian und Caroline kommen rückwärt, dennoch zielsicher mit der Tür ins Haus. Sie sagen, sie seien hier und dass ihnen Musik wichtig ist. Dass sie ihre Freundin ist. Dass sie mit ihr tanzen, sie und alle. Dass sie gerne Lilla Cola trinken und Ghostbusters mögen. Und im Sommer picknicken, singen, rasseln, stricken, schaukeln, schmusen, genießen sie gemeinsam mit ihren Mitbewohnern und Mitarbeitern unter Schatten spendenden Bäumen im idyllischen Garten, den sie Reitbrook rufen. Dass sie das als „Das Frühstück im Grünen“ betitelte Gemälde des impressionistischen Malers Édouard Manet von 1863 zitieren, ahnen sie nicht.

Das Video basiert auf Found Footage Material von duschenden Menschen beider Geschlechter.

„Copyshop“ begleitet den Köpenicker Rapper Romano auf Entdeckungsreise nach Hongkong, wo er seine Vergangenheit als Copyshop-Mitarbeiter in Berlin Revue passieren lässt. Es geht um Megacitys, Stereotypen, kreative Freiräume, Rap-Musik, die Copyshop-Biographie von Romano und natürlich um die Kopie von der Kopie von der Kopie von der Kopie …

Mitten in der Nacht findet eine Enttäuschte Musik in den Armen schöner Fremder.

Eine Frau schleudert Blitze, Gespenster scharen sich um sie und wollen sie zur Ordnung bringen.
Sie boxt sich weiter durch, bis die Gespenster schweigen.

BERGSTEIGER: “In uns: die letzten Bytes der Menschheit und Verpflichtung, sie lebendig zu halten für die, die nach uns kommen.” EURYDIKE: “Bergsteigen! Nicht umdrehen!” - “Bleib’ unten! Ich geh‘ raus, die Luft ist dünn...” – sie lacht: “...und grün, Farbe, die behauptet!“ - “Schwarze Unschärfe, Vogelschwarm” - “Realität, die wir im Studio beharrlich ersinnen.”

Ein Referenzsystem bildet die Frage auf alle Antworten ab: die Filterblase, die Fake News, der Algorithmus und Henry Maske.

Wie wäre es, einmal der reichste Mensch der Welt zu sein? Dazu benötigt man nur genug hochaufgelöste Fotos von Elon Musk und ein paar gute Moves. Den Rest erledigt der Deepfake-Algorithmus.

NOAH erforscht das Leben von drei echten Menschen in drei verschiedenen Städten: Montreal, London und Berlin. Anhand der in die Jahre gekommenen Telefonzellen der Städte erkundet das Video, wie die Werkzeuge, die wir zur Kommunikation nutzen, die Art und Weise prägen, wie wir miteinander in Verbindung treten. Wenn alte Werkzeuge verschwinden, sterben diese Formen der Verbindung mit ihnen.

Das Video untersucht das menschliche Ekelgefühl. Es taucht in Bilder ein, die wir oft meiden, und rekontextualisiert diejenigen, die wir gewöhnlich als angenehm empfinden. So werden ansprechende Bewegtbilder abstoßenden gegenübergestellt, um dem kostenlosen Archivmaterial aus dem Internet neues Leben einzuhauchen.

Die erste Single der Kooperation zwischen dem Künstler Jonathan Meese und DJ Hell mit dem Titel _Dr. No_. Ein collageartiges Video, das aus Behind-the-Scenes-Material aus dem Studio und anderen Elementen besteht.

Gravityvon Laima Adelaide. – Drehbuch von Laima Adelaide und Duc-Thi für ein Musikvideo, das das Musikvideo ist, designt von Marc Engenhart. Denn es geht um die Geschichte ... und die Musik!

„Clubs sind nicht scheiße, Männer machen Clubs scheiße“ – es gibt gewaltfreie Kommunikation, und es gibt MASCHINENBAUERGEMETZEL. Das Video ist ein leidenschaftlicher Ausbruch, ein blutiger Kommentar zum Patriarchat, ein Fest des Überreagierens: kompromisslos, brutal, lustvoll und ambivalent. Außergewöhnlich in einem One-Take gespielt von Amelie Kriss-Heinrich.

Ein Musikvideo, dessen Bilder und Musik von den Werken der feministischen Autorin Angela Carter inspiriert wurden und das Thema Hybridität behandelt – menschliche Schnecken und schneckenartige Menschen, menschliche Pilze und Pilze mit menschlicher Haut, Hermaphroditen und Männer ohne Genitalien … Chimärenhafte Wesen, die nutzlose, sinnlose Sisyphusaufgaben durchführen. Eine Überlastung der KI, um diese zum Halluzinieren zu bringen und in eine Traummaschine zu verwandeln …

„Angelegenheiten / haben oft zwei Seiten / Kann man sich jeweils hindrehn / Krieg heißt plötzlich Frieden / Granaten Leoniden / Mein Sofa hat mit mir ein Problem //“ Gummischlappe, Sichel und Hammer, Moskitospray, Fußmatte mit dem kleinen Maulwurf drauf, Eierschneider und einige andere vertreiben sich die Zeit auf planet earth um fünf nach zwölf. Mit Ausschnitten aus Koyaanisqatsi, Zabriskie Point, Terminator und anderem Found Footage.

1998 hatte die Filmemacherin Barbara Hammer eine Filmemacherresidenz ohne Wasser und Strom. 2018 begann Barbara Hammer mit ihrer Sterbevorbereitung. Sie übergab ihr Material aus der Residenz an Lynne Sachs, die Barbaras Erfahrung mit der Einsamkeit untersuchte. Lynne platziert Text als Kontrast zu einem somatischen Kino auf der Leinwand und bringt uns alle in verschiedenen Räumen und Zeiten zusammen.

Im Jahr 2020, als die Welt gezwungen war, sich zu „verändern“, wollte ich nachvollziehen, was sich in mir geändert hatte und was nicht. Die weiße Maske, die ich trug, wurde zur Projektionsfläche für meine Vergangenheit. Ich leide unter Schizophrenie; meine Familie ist manchmal verletzt, aber unterstützt mich. Unser Leben ist derzeit geprägt von der Frage: „Wer sind wir?“

Ein Ferienhaus in einer ländlichen schwedischen Waldlandschaft wird von mysteriösen Kräften heimgesucht, die sich in der Stadt in moderne Geister verwandeln und Formen annehmen, mit denen wir noch nicht umgehen können. Kaleidoskopische Bilder im ständigen Wechsel zwischen Mikro- und Makroperspektive machen Form und Narrativ dieses experimentellen hybriden Kunstfilms aus, der Film aus einer posthumanistischen Perspektive erkundet.

Während der russischen Besetzung der Sperrzone um Tschernobyl zu Beginn des Jahres 2022 filmt ein lokaler Informant heimlich die russischen Truppen. Die Angestellten des Kernkraftwerks Tschernobyl besprechen ihre Erlebnisse während der Übernahme ihres Arbeitsplatzes durch das russische Militär – ein nuklearer Terrorakt, mit dem eine weitere globale Katastrophe an diesem Ort riskiert wurde. Vergangene und aktuelle Katastrophenszenarien werden in diesem makaberen Kapitel der russischen Invasion der Ukraine miteinander verwoben.

Ein junger Mann, der gerade die Beerdigung seiner Eltern hinter sich gebracht hat, versucht Feuerwerkskörper für das Frühlingsfest 2023 zu kaufen, bei dem Feuerwerk verboten ist.

An einigen Tagen stellt sie sich vor, mit ihrer reinen Gedankenkraft Körperteile von Menschen, die ihr böse erscheinen, abfallen lassen zu können. An anderen Tagen sehen alle um sie herum schön aus. Und als sie klein war, hat sie sich gewünscht, dass aus ihren Fussspuren Blumen heraus wachsen.

Eine Frau will aufstehen und endlich mit allem anfangen. Doch die Sessel, zwischen denen sie sitzt, lassen sie nicht los. Das Zimmer wird zu ihrem Universum und der Ausweg daraus ausgerechnet die Sessel.

Das ist die Toilette, ja? Und was soll hier gemacht werden? Diese Toilette ist doch schon voll designt. Was soll ich da noch machen? Fein Design sein oder was? Was kommt dann jetzt hier aus dieser Toilette raus? Das ist eine Kloschüssel. Daraus kommen drei verschiedene Gerüche oder kommen die da rein? Drei Komponenten.

Ein fabelhaftes Biopic über den erfolgreichsten lebenden Maler. Der KI-Hybridfilm erforscht Malerei zwischen Kreativität, Kapital und Spiritualität in einer Ära künstlicher Reproduzierbarkeit. Gerhard Richters revolutionäre Rakel-Technik inspiriert weltweit, wird adaptiert und vermarktet, während der Mythos des „Genies“ sich in eine unkontrollierbare generische Schöpfungskette einschreibt.

Afibola ist afrofeministisch, queer, aus Kuba und leistet aktivistische Arbeit. Afibola versucht dem eigenen Sohn Olorun beizubringen, wie er trotz der sie umgebenden Hürden ein freier, afrokubanischer Mann sein kann. In der Intimität des eigenen Zuhauses reflektiert Afibola über die Schwierigkeit, ein schwarzes Kind in einer rassistischen und diskriminierenden Gesellschaft großzuziehen.

1982 wurden die Zoque durch den Ausbruch eines Vulkans namens Chichonal  gezwungen umzusiedeln. Gefilmt über einen Zeitraum von sechs Jahren erfasst (((((/*\))))) die einzigartige Atmosphäre in einem indigenen Dorf im mexikanischen Bundesstaat Chiapas. Nach und nach treten politische Themen an die Oberfläche.

Das Magische, das Traumhafte und das Performative koexistieren in der besonderen Welt von Las Traviesas, einer Gruppe Transfrauen vom indigenen Volk der Embera. Sie leben und arbeiten in der Kaffeeregion Kolumbiens. Ein ästhetisches und konzeptionelles Universum mit einem besonderen Touch, in dem Dokumentarfilm und Fiktion verschwommene Farbpaletten sind, mit denen der Kampf für das Bewahren der indigenen Identität nachgezeichnet wird.

Sechs durcheinanderfallende Körper auf Alpenhängen zwischen Himmel und Erde, Kühen und Dorfbewohnern.

Ein kurzer Tanzfilm über das Warten. Ein flüchtiger Blick auf drei junge Männer, die auf ihre Wäsche warten.

„Sento“ bezeichnet ein öffentliches  japanisches Badehaus. Dieses spezielle Badehaus zeichnet sich durch seine faszinierenden Details aus. Ein wandgroßer Druck mit Fuji-Motiv, knallgelbe Waschschüsseln, asymmetrische Spiegel und vieles mehr finden in einem Tanz zusammen.

Wir sind nicht rasend schnell berühmt geworden.

Was sagen wir, wenn wir nicht sprechen? "Dancen"betrachtet die flüchtigen Impulse, die zwischen einzelnen Momenten des Tages leben. Ihr wahrer Wert liegt zwischen ruhigen Gewohnheiten, die den Raum bilden, der von Verlangen, Tagträumen und Surrealismus eingenommen wird. Wie würde ein Tag aussehen, wenn er nur aus der Bedeutung dessen bestünde, was zwischen den Zeilen steht, aus den kurzen Momentaufnahmen der Wahrheit?