Die transzendentale Verheißung psychedelischer Drogen versus eine konkrete und gewalttätige Erfahrung des Großstadtlebens. Diese beiden gegensätzlichen Realitäten bilden den Hintergrund für eine Jugendbegegnung, die durch Standbilder und schriftliche Erzählung erzählt wird.

Das Seitenverhältnis ist 4:3, wenn also Vorhänge oder Abdeckungen für eine Vorführung vorhanden sind, könnten diese verwendet werden. Vor der Vorführung sollte ein Probescreening mit Toncheck durchgeführt werden. Die Tonpegel sollten so eingestellt werden, dass es möglich ist, Details in der Tonmischung ohne Verzerrung der Stimme in gesprochenen Abschnitten zu hören.

Die Arbeit untersucht die sich zersetzenden Lagerstätten des Empire mit einer forensischen Linse. Mit einer Mischung aus Filmmaterial, das im Laufe des letzten Jahres in zwei verschiedenen kolonialen Archivgebäuden - eines in Lagos, Nigeria, und das andere in Bristol, Großbritannien - aufgenommen wurde, betrachtet dieses Doppelporträt die „akustischen Schatten“, die koloniale Bilder trotz des Zerfalls ihrer Erinnerung und ihrer Materialien weiterhin erzeugen.

Durch die Reduzierung der großspurigen Vorstellung eines Managers zu Beginn einer frühen Performance einer New-Romantic-Gruppe und die Hinzufügung von Bildmaterial, das durch die fast redundante Technologie eines E-Readers wiedergegeben wird, versucht dieses Video, die ursprünglichen Absichten des Darstellers durch Parodie sowohl zu erneuern als auch neu zu verwenden.

It Was a Lover and His Lasss, eine Ein-Kanal-Videocollage von Stephen Sutcliffe, bezieht ihren Titel und ihre Tonspur aus einem Lied in Akt 5, Szene 3 von William Shakespeares Stück As You like It (1599). Eine Frau singt zu einer Aufnahme des Liedes mit, während sie ein Messer schleift.

Happy Thuggish Paki ist eine audiovisuelle Collage, die Praktiken des assoziativen Denkens und des elliptischen Wortspiels erforscht, die mit der Rap-Produktion vergleichbar sind, und ist durchsetzt mit trügerisch-dämonischen Stichworten. Ausgangspunkt ist die historische Verwendung des Wortes „Thug“, das seinen Ursprung in Britisch-Indien hat, um einen sogenannten religiösen Kult von Mördern zu benennen.

„Ein Pop-Video-Verschnitt, in dem nichts begonnen oder beendet wird und nichts einen Sinn ergibt - eine typische Clip-Erzählung eben! - bestehend aus Schieferplatten, Fehlern und Out-Takes, die auf den treibenden Rhythmus von Axel F von Harold Faltermeyer (das Thema von Beverly Hills Cop - daher der Titel) abgestimmt sind.“ - Richard Philpott „Die leerste Promo, die je gemacht wurde - ein Triumph“ - Julien Temple.

Eine Fahrt durch die Schumanngasse, von ihrem Anfang bis zu ihrem Ende, in einer einzigen Einstellung aufgenommen. Die scheinbare Übereinstimmung von Straßenlänge und Filmlänge, von Fahrtzeit und Kinozeit ist trügerisch, sagt sie doch letztlich nichts über die „wirkliche“ Länge der Straße. — Hans Scheugl

1967 realisierte Hans Scheugl seine erste unabhängige Arbeit: ein knapp dreiminütiger Phantom Ride, wobei Anfang und Ende der Straße auch Anfang und Ende des Films sind. Im Januar 2020 stellte Karl Wratschko ein „Remake“ her: die gleiche Straße, die gleiche Dauer und das gleiche Format, 16mm, Schwarzweiß, kein Ton.  — Michael Omasta

Eine kurze Folge von Splitscreens versammelt Frauen in Ausnahmezuständen: emotionale Extremmomente, gesucht und gefunden in Stummfilmen der 1920er-Jahre. — Madeleine Bernstorff

Der Film ist Teil des umfangreichen Rechercheprojekts Of Haunted Spaces. Der Vierminüter widersetzt sich den Logiken der Repräsentation, er wird selbst zu einer Simulation eines Architekturfilms, einer Kapitalismuskritik, einer Geistergeschichte. — Esther Buss

Vernichten, schlagen, ertränken, hängen, verbrennen. Femizid. Der Ausgangspunkt: wie die Bilder der Frauen geschichtlich marginalisiert sind in den Archiven oder auch wie sie abgebildet wurden. — Jyoti Mistry

Eine junge Frau ist im Drama ihrer Erinnerung gefangen, deren Erfahrung darin besteht, die mit Covid-19 auftretende Situation zu überwinden. Etwas hat sie vom Leben getrennt und sie muss es mit allen Mitteln zurückbekommen. — Nigel Gavus

Rätselhaft stehen zwei Kuben übereinander im graunebeligen Himmel, als mit dem Auftauchen eines Mannes die obere der beiden Boxen zu einer Zahnstangenzündmaschine umfunktioniert wird. Der Titel ist Programm. — Melanie Letschnig

Ein aus zwei Teilen bestehender abstrakter musikalischer Kurzfilm, der sich um die Frage von Materialität und Digitalität dreht. — Tina Frank

Der Regisseur Daniel Moshel choreografiert blanken Irrsinn. Der Witz seiner MeTube-Serie liegt im scheinbaren Größenwahn, mit dem er völlig sinnentleerte Fantasien, die aus fingiertem Videodilettantismus erwachsen, wuchern lässt und diese dabei erstaunlich planvoll und präzise umsetzt. — Stefan Grissemann

Eine der radikalsten Performances des Wiener Aktionismus. Bauer trinkt, kotzt, isst, pisst, wühlt sich in seinen Ergüssen – erbarmungslos mit sich selbst und dem Publikum. — Dietmar Schwärzler

I like this queer scene… deutet die filmischen Tropen des Coming-of-Age-Films an, nur um nach 90 Sekunden abrupt zu enden, in seiner verkürzten Länge gleicht er der Begrenztheit der dargestellten „queeren Kleinstadtszene“.

Eine visuell geprägte, psychologische Momentaufnahme des Lebens dreier unterschiedlicher Menschen und ihrer Sehnsüchte.

Ein lebendes Porträt, das über Einsamkeit und Sehnsucht nachdenkt.

Gedreht zwischen Piha, Auckland, und Mullaghmore, Irland, setzt sich Deepwater Currents mit der Entstehung und dem Verlauf von Meeresströmungen sowie mit territorialen Ansprüchen im Bereich der Ozeane auseinander.

The Pacific Century versucht, einen menschlichen Maßstab für das bleibende Erbe des Atommülls und der Atomtests im Südpazifik zu entwerfen.

Die Idee des New Man entstand in den 1970er-Jahren und ist von Zeit zu Zeit wieder aufgetaucht. Den nya mannen visualisiert Ideen eines kommenden neuen Menschen, den ungeschützten, verletzlichen Menschen, den neugeborenen Menschen und den Menschen als Natur.

Ein Film, der auf der Titelmelodie der TV-Serie The Incredible Hulk basiert. Die Klaviermusik wird während des gesamten Films gespielt, während der Künstler ein Klavier mit einem Vorschlaghammer zertrümmert.

Dieser Film basiert auf rhythmischen Anordnungen in Bild und Ton, formgebenden und organischen Mustern. Die Musik wird auf Fahrradspeichen gespielt.

Elements enthält einen Totentanz, bei dem sich mit Organen ausgestattete Skelette wie ein großes lebendes Katastrophenkarussell mechanisch und vergnügt im Kreis bewegen.

Das Video erforscht die Idee des körperlichen Habitus, Auftretens und der Abfolge der Generationen anhand einer alltäglichen Szene mit zwei Strandaufseherinnen unterschiedlichen Alters.

Der Film ist aus der Begegnung der Künstlerin mit den Straßenmusikern Pardal da Saudade und Verde Lins entstanden, zwei „Folklore-Rappern“, die sich der altehrwürdigen Tradition der Repente verschrieben haben.

Dieses Werk ist gewissermaßen das Porträt einer aussterbenden Rasse – des Entertainers amerikanischer Prägung mit einem ewig strahlenden Lächeln im Gesicht, der nicht mehr im Einklang mit seiner Zeit ist.

Ein 8-minütiger Kurzfilm, der klassischen Streichen Tribut zollt und dabei infrage stellt, ob sie überhaupt lustig sind.

Die alltägliche Leistung häuslicher Arbeit wird in eine surreale Spielwelt teleportiert, in der ein emotional reagierender KI-Chatbot keine Antworten gibt. Was geschieht mit Bewegung, losgelösten von Gefühlen?

Ein Kindheitserlebnis wird auf eine schattige Wand eines ehemaligen Kinos projiziert. Ein Essay darüber, wie Vergangenheit und Gegenwart sich gegenseitig unterbrechen, wie Filme, die fortwährend geschnitten werden.

Last Man wurde während des Lockdowns im Frühjahr 2020 gedreht und zeigt Rohmaterial von Sicherheitskameras, das online gestreamt wurde, aus Stadtzentren, Flughäfen, Stränden, Universitäten, Restaurants und Zoos auf der ganzen Welt.

Eine rasante experimentelle Animation, die die Pandemie und die Black-Lives-Matter-Proteste dokumentiert, wie sie sich im frühlingshaften Brooklyn überschneiden, zusammen mit einem unsichtbaren Virus und unsichtbaren Todesfällen.

Brenda und Glennda besuchen das Empire State Building, das anlässlich der Gay Pride fliederfarben beleuchtet ist. Am Ende fragen sie sich, ob diese Geste ausreicht oder ob es noch ein weiter Weg ist, bis die Gleichberechtigung erreicht ist.

Kleine, vom Aussterben bedrohte Amphibien führen ihr Leben in von Forschern geschaffenen Gehegen. Das Wilde und das Künstliche, die Vergangenheit und die Zukunft sind gleichzeitig präsent.

Mysteriöse sprechende Objekte führen ein Gespräch in feindseligem Ton - scheinbar über den Klimawandel. Eine Frau begibt sich auf eine traumhafte Reise durch Zeit und Raum und erlebt eine Verwandlung.

Liquidity untersucht die Metastrukturen und die Sprache der Ökonomie. Im Mittelpunkt stehen Redewendungen und Redensarten rund um den Begriff der Fluidität, die zur Verinnerlichung ökonomischer Phänomene verwendet werden.

Das Konzept des Monitor Man zielt darauf ab, nationale und physische Grenzen zu überschreiten, indem es eine neue Form der Interaktion über virtuelle Treffpunkte mit sechs Teilnehmern aus drei Kontinenten ermöglicht.

Das formale Thema von Reel ist die Gedächtnisstörung. In dieser Arbeit findet die beobachtete Realität des an Gedächtnisstörungen Erkrankten Parallelen zu Grundfragen der bildenden Kunst - Bild, Betrachtung und Beobachtung.

In dem Video hört die Künstlerin eine C-Kassette ab, die sie im Nachlass ihrer verstorbenen Eltern gefunden hat. Sie hört das Band zum ersten Mal vor der Kamera, ohne dessen Inhalt vorher zu kennen.

Ausgehend von einem Gedicht des Künstlers, erforscht ICELAND (Nightime) die kollektive Geisteshaltung von Angst und Hoffnung in epischen, postkatastrophalen Landschaften. Das Video beschäftigt sich mit den grundlegendsten menschlichen Erfahrungen: Liebe, Hoffnung, Angst, Einsamkeit und Zusammengehörigkeit. In den romantischen und doch unwirtlichen Landschaften Islands verhandelt ICELAND (Nightime) das Gefühl, dass wir kurz vor dem Ende der Welt, wie wir sie kennen, stehen.

Slut Nation: Anatomy of a Protest lässt den weltweit ersten Slutwalk-Protest Revue passieren. Der spontane Protest aus dem Jahr 2011 war eine wichtige Gegenreaktion auf die Äußerungen eines Polizeibeamten der Polizei von Toronto bei einer Veranstaltung zum Thema Sicherheit an der York University und machte auf die Art und Weise aufmerksam, wie Geschlechterklischees den Fokus von den Gewalttätern ablenken und stattdessen Überlebende sexueller Übergriffe beschuldigen. Die Kritik des Protests an der fortbestehenden Rape Culture inspirierte unzählige Satellitenproteste auf der ganzen Welt. Coburns Rekonstruktion des Protests von 2011 zeigt die Bewegung einer organisierten Gruppe von Provokateuren, einschließlich ihrer Darstellung in den Medien, während ihres Marsches um drei Blocks vom Queen's Park zum Polizeipräsidium von Toronto. Indem sie Filmmaterial und Fotografien von Bürgerjournalisten, den Medien und Freunden des Künstlers zusammenbringt, zieht Coburns Arbeit Parallelen zur eindringlichen Geschichte der Unterwanderung von Protesten in Toronto, unter anderem denen nach den Razzien im Gay Bath House 1981 bis hin zu den größten Massenverhaftungen von Bürgern in Kanada beim G20-Gipfel 2010.

Wash Day ist eine intime Erkundung, wie private, häusliche Handlungen zu einer bedeutsamen Wiederannäherung an den Körper werden, bevor und nachdem man sich mit der Politik des eigenen Äußeren auseinandersetzt.

Eine andere Art von Knochenbrühe. Eine kochende Brühe, die aus Science-Fiction, kompetitiven Kochshows und den erotischen Niederungen der Fantasie gedünstet wurde, Broth of Vigour ist ein Stärkungsmittel für Körper und Geist.

Ruhig erzählt von der Großmutter des Regisseurs, vermittelt The Fourfold eine indigene Weltsicht und Weisheit, die auf den alten schamanischen Ritualen und animistischen Glaubensvorstellungen in der Mongolei und Sibirien beruhen.

Anhand von Archivmaterial und dem Melodrama, das in einer E-Mail aus einem Junk-Postfach skizziert wird, prallen Welten der Isolation und Verzweiflung in einem ultrakurzen Film aufeinander, der eine Geschichte zum Leben erweckt, die darauf ausgelegt ist, jemanden zu überlisten.

Ein minimalistischer Film und eine Studie über Zeit, Unendlichkeit und den Lebenszyklus, entstanden im Geiste von William Blake.

Unbearbeitetes, original 16mm-Material, das sie während des Mr. Olympia Bodybuilding-Wettbewerbs in den 1970er Jahren aufgenommen hat. VanLoo filmte Arnold Schwarzenegger, damals Mister Universum, etwa 1975/1976. In diesem neuen Film sehen wir Aufnahmen eines Interviews mit Arnold Schwarzenegger von Raymond Mondini, aufgenommen kurz nach dem Mr. Olympia Wettbewerb 1976, kombiniert mit Aufnahmen vom Wettbewerb selbst. 

Erinnerungen sind Erfahrungen, die sich im Gesicht, im Blick oder in der Körperhaltung eines Menschen widerspiegeln. Sie sind Signale, als flüchtige Spuren im Körper: manifest oder unterdrückt. Ich untersuche die Sprache des Körpers in Verbindung zu seiner Umgebung. In dieser Videoarbeit zeige ich Szenen der menschlichen Fähigkeit und Unfähigkeit, mit seiner eigenen Geschichte umzugehen. Verlust, Trauer, Abschied nehmen, sich neu entdecken und Verbundenheit sind wiederkehrende Themen. — Miloushka Bokma

Ein Kurzfilm, der aus einer einzigen 35-mm-Fotografie entstanden ist. Aufgenommen aus einem Zugfenster zwischen Dordrecht und Rotterdam, hat der Künstler den Film manuell in einer Kamera ohne Verschluss gezogen. Die Bewegung des Films und der kontinuierliche Lichteinfall lösten sowohl das Zentrum der Perspektive als auch die Räume zwischen den Bildern auf. In dem Versuch, ohne Teilung aufzuzeichnen, verlieren Bäume und Häuser ihre Solidität und oszillieren zwischen Abstraktion und Figuration. 

Eine abwärts gerichtete Erkundung des manchmal zerstörerischen Wunsches des Einzelnen, die Mittelmäßigkeit herauszufordern und sich von ihr zu befreien. Es basiert auf Fotografien, die der Großvater des Künstlers machte, als er 1935-36 als freiwilliges Mitglied der faschistischen Miliz in Äthiopien kämpfte. Eine Darstellung der delirierenden Erinnerungen eines todkranken Mannes in seinem gescheiterten Versuch, einen unerfüllten Durst nach Transzendenz zu rationalisieren.

Eine visuelle Erkundung der Ästhetik der Vergnügungsindustrie. Ein Video, das versucht, vertraute Bilder von Verführung und Begehren zu „knicken“ - zu verbiegen, zu verzerren, zu krümmen und zu verdrehen. In Kinked werden pornografische Tropen imitiert, rekontextualisiert und liebevoll gebrochen. Das Video ist als eine Mixtur aus Found Footage, computergenerierten Bildern, traditioneller Animation und Aufnahmen der Regisseurin ausgeführt. Ein visuelles Vokabular, das sich in Richtung einer neuen sinnlichen Semantik bewegt.

Ein Raum-Zeit-Reisender durchquert Dimensionen von Materie und Energie, kreuzt parallele, einzigartige Realitäten. Eine Traumreise durch ihre Erinnerungen, Albträume und Fantasien. Fantasie oder Realität? Nichts ist statisch, nichts ist dauerhaft. Oder doch? Super-8-Film, von Hand gemalt und gekratzt, analog montiert.

Ein märchenhafter Film, in dem fünf niederländische Mädchen die Zuschauer auf eine fantasievolle Reise durch die Erinnerungen und Bilder mitnehmen, die sie von den Erlebnissen ihrer Eltern im Krieg im ehemaligen Jugoslawien haben. Die Erzählungen sind eine Kombination aus Fakten und Imaginationen, vagen Erinnerungen und detaillierten Eindrücken. Daraus ergibt sich ein verstreutes Bild eines Konflikts, der am Horizont des eigenen Lebens präsent ist.

The Remembered Film beobachtet junge Soldaten aus zurückliegenden Kriegen beim Durchstreifen der Wälder. Sie tragen die Uniformen der sowjetischen Truppen, der Wehrmacht oder der amerikanischen Streitkräfte während des Vietnamkrieges.

a ROLE to PLAY trägt die gelebten Erfahrungen und Träume der Bewohner von Bolsover zusammen, einer der am meisten von Armut betroffenen Städte in der Mitte Englands.

Ein Tag, der auch ein Leben sein könnte. Ein junger Mann, der auch eine ältere Frau sein könnte.  Ein Albtraum, der auch ein Traum sein könnte. In Tunesien, während es auch irgendwo anders sein könnte. 

In diesem Video geht es um Sprache, Erinnerung und kulturelles Erbe. Gesprochen wird auf Assyrisch, einer neuaramäischen Sprache. Die Künstlerin lud ihre assyrischstämmige Mutter ein, alle Wörter zu nennen, an die sie sich in ihrer Heimatsprache noch erinnert.

Ein Tonbandgerät spielt ein Lied im alten Noh-Stil, einer traditionellen japanischen Theaterform. Das Lied erzählt der wachsenden Zahl verlassener Häuser und Gebäude im heutigen Japan.

Der Akt des Sprechens und die Vorbereitung eines Films ist Thema der Probeaufnahmen zu Farockis Film Vor deinen Augen – Vietnam (1982), die im Nachlass des Filmemachers gefunden wurden.

Der Film vereint zwei Perspektiven auf den Filmemacher Harun Farocki. Farocki diskutiert die kompositorischen Muster seiner Filme, das Verhältnis von Bild und Text. In Harun Farocki - Zweimal kommentieren und ergänzen sich Diskurs und Beobachtung gegenseitig.

Musikalische Darbietung von Felix Kubin am Klavier, aber nicht irgendeinem Klavier… einem LUFT KLAVIER!

Memory Also Die beschäftigt sich mit dem kollektiven Trauma, das für den Tod der Erinnerung in Nigeria verantwortlich ist: Biafra. Woran liegt es, dass wir heute nicht bereit sind, die Vergangenheit loszulassen?

Träume: jenes Kino des Geistes, in dem wir Zuschauer und Protagonist zugleich sind, in dem alles immer nahtlos möglich ist, in dem die unwahrscheinlichsten Begegnungen alltäglich sind.

Eine Verschiebung im Licht des Parkplatzes, wo geparkte Autos zu Behältern für eine kollektive Entfremdung werden.

Der Rabe träumt von der Natur, er träumt von einer Welt der Pflanzen und Insekten. Er reist, fliegt in die Natur. Er ist die Natur selbst. Die Natur selbst träumt sich in Trance.

Im Museum wird alles verwandelt, Besucher und Kunstwerke gleichermaßen! Animierter Film mit Spezialeffekten.

Dieser Film wird ohne Kamera gedreht, das Bild wird direkt per Computer in zwei lichtundurchlässige 16mm-Streifen perforiert. Die beiden Streifen (in A+B gedruckt) werden gefiltert, jeweils mit einer Farbe.

Eine Sammlung von biologischen Objets trouvés demonstriert, wie die Natur vielfältige kreative Lösungen hervorbringt. Die ausgewählten Blätter, Blütenblätter und Stängel haben ihre eigenen Bilder auf die Emulsion des Films gedruckt.

Auf der Grundlage der Untersuchungen, die der tschechische Physiologe J.E. Purkyně durchgeführt hat. Der von ihm 1825 beschriebene visuelle Effekt bestimmt, dass unsere Farbwahrnehmung vom Beleuchtungsgrad abhängig ist.

Ein Fossil wird in der Nähe des Gipfels des Mount Everest ausgegraben, ein britischer Bergsteiger verschwindet und ein sowjetischer Führer stirbt. Diese Gleichzeitigkeit ist der Ausgangspunkt einer Erzählung über die Verwandlung der Materie.

X ist ein filmisches Ahnenritual zu Ehren der Geister des Ruhrgebiets. Der Kurzfilm basiert auf Motiven des Crossroads-Mythos und ist inspiriert durch Leben und Arbeit des Vaters und des Großvaters der Filmemacherin, die auch die Hauptrollen spielen.

Es beginnt im Dunklen, in einem Korridor, es fließt Wasser … In diesen Abwasserkanälen hallen Stimmen wider, es ist der Abgrund Münchens unter der Isar. Die Stimmen erzählen Fragmente von Geschichten: über verschwundene Menschen, Gewalt, Gedächtnisverlust – während sich die Kamera nun oberhalb des Erdbodens befindet und die Fassaden der Stadt abtastet, auch solche des Dritten Reiches.

Aykan Safoğlu blickt zurück auf seine Teenagerzeit an einem öffentlichen deutsch-türkischen Gymnasium in Istanbul. Über seinen persönlichen Bildungsweg und die Geschichte der Schule nachdenkend, berührt Safoğlu auch verdrängte familiäre Ereignisse und deutsche Kolonialinteressen in Kleinasien an der Wende zum 20. Jahrhundert, die irgendwie perfekt miteinander verwoben scheinen.

Inspiriert von den Parabeln der 2006 verstorbenen afro-amerikanischen Science-Fiction-Autorin Octavia E. Butler verwebt OCTAVIA’S VISIONS durch eine poetische Bildsprache Butlers Zukunftswelten mit zeitgenössischen Themen wie Umweltzerstörung und rechte Gewalt und drückt eine queere utopische Vorstellung aus, alte Strukturen in etwas Neues zu verwandeln.

Christian Diaz Orejarena nimmt eine Künstlerresidenz in Cartagena de Indias (Kolumbien) als Ausgangspunkt, um die Rolle des westlichen Künstlers als Produzent von Kultur in wirtschaftlich benachteiligten Kontexten zu hinterfragen. In Form eines Videotagebuchs reflektiert der Film über den Kontext und die Bedingungen, unter denen das Musikvideo Fronteras Visibles produziert wurde.

Der Film erzählt von Rita und Marlene. Die in die Jahre gekommenen Kreativen halten an ihren jugendlichen Wünschen und Sehnsüchten fest und finden Sicherheit im Scheitern. Ihr Leben scheint in Schieflage zu geraten.

Ein Cyberwesen setzt sich mit einem internationalen feministischen Netzwerk in Verbindung und hinterfragt die Zukunft des Internets. Yeva ist ein fiktionales Datenwesen und langweilt sich in seiner virtuellen Umgebung. Als „Internetkind“ der Neunzigerjahre, das von dem 1996 gegründeten wegbereitenden Mediennetzwerk FACES erschaffen wurde, beschließt Yeva, seine „Mütter“ in der echten Welt zu treffen.

Das Porträt eines selbsternannten Aktivisten, der den Bezug zur Realität verloren hat. In seinem Bedürfnis, moralisch richtig zu handeln, macht er sich daran, im Kolonialen Bildarchiv Frankfurt etwas Unentdecktes zu finden – und scheitert. Statt die Vergeblichkeit seines Unterfangens einzusehen, steigert er sich in eine wahnhafte Fixierung auf die abstraktesten Bilder des Archivs.

Am ersten Tag des coronabedingten Lockdowns wird der Vater der Regisseurin ins Krankenhaus eingeliefert und verstirbt. Mutter und Tochter trauern in der elterlichen Wohnung, Kontakt zur Außenwelt haben sie nur per Telefon. Mit ihrer schmerzlichen Innigkeit stehen die Anrufe beispielhaft für die Einsamkeit während der Pandemie. Was macht die Isolation mit uns, wenn wir auf Trost und Hilfe angewiesen sind?

„Je älter ich werde, desto kleiner werden die Pixel. Es zieht mich hin, ich begiere, ich hebe ab, ich fliege.“

Nach vier Wochen Lockdown beginnt André Martins, die Straße in Berlin, in der er lebt, digital nachzustellen. Mit der Frage, ob eine Cyber-Gesellschaft möglich ist, begibt er sich nach längerer Zeit wieder in die virtuelle Onlinewelt von Second Life, um das zu suchen, was ihm als Kind versprochen wurde.

Doors of Reception ist eine Collage aus Türgeräuschen verschiedener Science-Fiction-Filme, die ein abstraktes Klanggemälde aus sich öffnenden und schließenden Farbfeldern ergeben. Ein wiederkehrendes Thema des Genres ist das Passieren von Türen und das Eingesperrt- oder Ausgesperrtsein auf der einen oder anderen Seite – ein Zustand, der in Zeiten der Pandemie für viele schmerzhafte Realität geworden ist.

Cutting Edges taucht ein in die Architektur von Co-Working-Spaces und Diskurse von Start-up-Gründern. Visionen, Prozesse, Möbelstücke und Glaubenssysteme werden durcheinandergewirbelt und herumgesponnen. Der Start-up-Traum gerät ins Wanken. Das Einhorn winkt und winkt und winkt.

Cornelia, Juri und Murat gehören zu den „working poor“. Doch außer dem niedrigen Lohn verbindet sie auf den ersten Blick scheinbar nichts. Jede:r kämpft für sich allein. Egal, ob als Klick-Arbeiterin, Paketzusteller oder Arbeiter in der insolventen Kartonfabrik, sie alle treiben gemeinsam durch ein verworrenes Treppenhaus auf dem Weg hinaus. Doch wohin?

Ein Berghang, ein Obstgarten, ein Haus. Idyllische Bilder im südlichen Serbien. Drei Generationen unter dem Dach des Hauses, das für seine Weitergabe vorbereitet wird. Jeder mit seinem eigenen Erbe, das aber alle gemeinsam tragen müssen – eine filmische Auseinandersetzung mit dem, was bleibt.

Petra will entspannen, Martha macht sich Sorgen und Maria steht einfach nicht mehr auf. Die Wellen rauschen und das Schoßhündchen ergibt sich. Es ist heiß und die Wunde klafft.

„Wir haben gesagt, dass wir beide eine Reise nach Kirgisistan machen wollen. Das war nicht die ganze Wahrheit ...“ Drei Filmtrailer als eigenständiges Genre.

Lana Kaiser erlangte 2002 in der ersten Staffel der Fernsehshow Deutschland sucht den Superstar große Bekanntheit. Sie polarisierte das Publikum mit ihrem androgynen Aussehen. Am 9. September 2018 verschwand Lana Kaiser von einem Kreuzfahrtschiff auf dem Weg nach Nordamerika. Der Kurzfilm von Philipp Gufler ist ein persönliches Porträt der Sängerin und Entertainerin.

Die Essenz der Zeit, Stränge der Gegenwart, im ständigen Werden und Verschwinden. Eine Rolle für jede Jahreszeit, belichtet zwischen 2016 und 2017. Florale Leitmotive, die innerhalb jedes Abschnitts eine gewisse Einheit bilden, als Spiegelung der Atmosphäre und der vergehenden Gegenwart.

Den Fernsehbildern vom Einsturz des World Trade Center sind vielgestaltige filmische Inszenierungen des Gebäudes vorausgegangen, sei es als symbolträchtiges Zeichen, als spekulative Zerstörungsphantasie oder allein als spektakuläre Kulisse. In Misty Picture werden Stadtsinfonie, Katastrophenfilm und mediale Traumatherapie eins.

Top Down Memory beschäftigt sich mit Manipulationen der Geschichte im Kontext der Rekonstruktion des Berliner Schlosses. Ausgehend von den Verwirrungen um eine angebliche Ausrufung der sozialistischen Republik von einem seiner Balkone im Jahr 1918 werden weitere Balkon-Ereignisse untersucht, um Fragen nach Authentizität und Manipulation aufzuwerfen.

Dann wacht er auf mit dem Gefühl, aus einem Traum erwacht zu sein, und denkt, dass er schläft ... Später wacht er auf, merkt, dass es schon dunkel ist, und fühlt sich sehr schläfrig.

disjointed erzählt von den Erfahrungen zweier Fleischindustriearbeiter. Wo Worte an ihre Grenzen stoßen, werden Erlebnisse und Traumata performativ aufgearbeitet. Der Film führt die Krise einer patriarchalisch geprägten Industrie auf einer subjektiven und persönlichen Ebene vor und stellt die Nachhaltigkeit dieser Branche für alle Akteure grundsätzlich infrage.

Salidas (span. Aufbrüche) ist ein fiktionaler Tanzfilm, der die Geschichte von Giralda erzählt, einer Bestatterin, die Verstorbene ins Jenseits begleitet. Interpretiert mit den Mitteln des spanischen Flamenco und der dazugehörigen Musik und angesiedelt in einem alten ostdeutschen Schiffshebewerk, schafft der Film eine assoziative Verschmelzung zwischen Nord- und Südeuropa, Bewegung und Stille, Abschieden und Ewigkeit.

Das Jahr 2003, Aufnahmen aus TV-Archiven, der zukünftige türkische Präsident spricht zu seinem Volk. Geschlecht – eine persönliche Erinnerung, zweite Klasse, der Schulhof in Üsküdar unter blauem Himmel. Eine ewig ohrwurmverdächtige Melodie aus einer Werbung für Saft. In einem Augenblick der Erinnerung versetzt einen das eigene Gedächtnis in freien Fall durch Raum und Zeit. Wie viele Pixel braucht man da?

Verwundene Fäden zeigt die Geschichte von Fallschirmen – von nationalsozialistischer Seidenproduktion in Deutschland bis hin zur Operation Merkur auf Kreta. Wo selten Flugzeuge flogen, landeten 10.000 Fallschirmjäger im Mai 1941 auf der griechischen Insel. Einheimische Frauen erinnern sich an die Gräueltaten der Deutschen während der Besatzung. Sie zerschneiden die Fallschirme und recyceln sie als Taschentücher.

Annäherung ist ein Film, der sich mit Fundstücken einer archäologischen Grabung auf dem Tempelhofer Feld in Berlin auseinandersetzt. 13.000 Nägel von Baracken, die zur Unterbringung von Zwangsarbeitern errichtet wurden, kamen dabei zutage. Indem sie sich diese Objekte genauer anschaut und sie archiviert, versucht die Filmemacherin, die Gräueltaten aus der Zeit des Zweiten Weltkriegs wortwörtlich unter die Lupe zu nehmen.

Leder, Metall, Pelz. Zwischen 1981 und 1996 war der berüchtigte, von Lesben geführte Subkulturtreff Pelze Multimedia in Westberlin ein Ort für Kunstausstellungen, experimentelle Musik und Sexpartys. In Interviews mit drei Showrunnerinnen gewährt Subjekträume dem Publikum einen intimen Einblick in diesen ganz besonderen Ort.

Das Ruhrgebiet als fiktive Landschaft. Diese Landschaft ist – wie für die Landschaftsmalerei typisch – eine ideale Landschaft, hier ein anarchischer Raum, in dem die Menschen in Spontaneität und Kooperation frei von Hierarchien leben.

Fünf Leute, ein Wohnzimmer. Draußen auf der Straße werden Autos angezündet, aus der Küche kommt kein schöner Geruch. Erst nachdem der Wein verschüttet und das Problem mit der dunklen Materie gelöst ist, wird die Musik aufgedreht. Eine Operation am offenen Mund.

Safe Space besteht aus zahlreichen Youtube-Videos von Ballroom-Veranstaltungen aus den frühen Neunzigern. Ballroom Culture ist die Antwort von Trans- und queeren Menschen auf eine Gesellschaft, die sie ausgrenzt. Das Video wird mithilfe von KI-generierten Stimmen kommentiert, die im Internet gefundene Aussagen von LGBTQ+-Geflüchteten zitieren.

Mein Großvater war einer der allerersten Arbeitsmigranten des Anwerbeabkommens zwischen Deutschland und Griechenland. Ein kurzer poetischer Dokumentarfilm über Sehnsucht, Familie und das Dasein als sogenannter Gastarbeiter.

In den Außenbezirken Tokios, weit entfernt vom Chaos und Lärm der Großstadt, befindet sich das Café de Kinema. Menschen finden Zuflucht in ihrer eigenen Stille, als wären sie in einem Kino, jenseits von Zeit und Raum, während die Melodien von Nino Rota sich im Rauch ihrer Zigaretten verlieren.

Mai 2019: Zwei Brasilianerinnen reisen während der Demonstrationen von Hirak, einer Protestbewegung für Demokratie, nach Algiers. Mitten in der Menge treffen sie ein junges Mädchen. Das Meer, das sie trennt, ist dasselbe, das sie miteinander verbinden kann.

Kansanradio – Runonlaulajien maa ist ein karnevaleskes Porträt der finnischen Seelen- und Wohnlandschaft. Der Kurzfilm basiert auf dem beliebten YLE-Programm Kansanradio. Das visuelle Material ist mittels der Roadmovie-Methode auf einer Fahrt durch das sommerliche Finnland entstanden. Gezeigt wird ein Panorama des heutigen Finnlands. Die Erzählung wechselt von Humor zu bürgerlicher Anarchie und letztendlich auch zu der Sehnsucht nach menschlicher Nähe.

Ein schrecklicher Virus legt schließlich das Internet lahm und die Menschen blicken nach dem Desaster auf die Folgen. Fünf melden sich mit persönlichen Erinnerungen zu Wort: nachdenklich, ungläubig, trauernd, philosophisch. Früher hatten wir Filmstars und berühmte Musiker. Jetzt haben wir uns gegenseitig.

Was, wenn diese Welt auch nur eine Hölle ist? Dann wäre diese Erde eine Welt ohne Wiederkehr.

Eine Kamera schwenkt über die Flächen eines UN-Militärgeländes in Srebrenica, 25 Jahre nach dem dortigen Genozid. Dasović stellt zeitgenössisches Filmmaterial neben Archivbilder der Vorbereitungsübungen des Militärs vor dem Truppeneinsatz Mitte der 1990er-Jahre. Was erzählen die Worte und Bilder, die die niederländischen Soldaten hinterlassen haben, den Betrachtern über die Militärdoktrin, von der diese Männer geleitet wurden?

Ein junger Nepalese, der gerade dabei ist, als Filmemacher in Europa durchzustarten, wird plötzlich in die Everest-Region zurückberufen. Sein Vater, ein Viehzüchter wie die meisten Sherpas, bevor sie als Bergführer bekannt wurden, ist krank. In seinem intimen Porträt erforscht der Filmemacher seine Beziehung zu seiner Heimat und seinen Eltern sowie die Welt der Traditionen und Rituale, die er hinter sich gelassen zu haben glaubte.

Wir sehen Leute, die das Stadion reinigen, nachdem Aufregung und Jubel vorbei sind. Sie räumen in allen Sitzrängen den Müll weg, mit unterschiedlicher Kompetenz und Geschwindigkeit. Sobald dieser Unterschied erkennbar wird, hat es den Anschein, als würde auf den Rängen ein Sport- oder Laufwettbewerb ausgetragen. Während diese Bilder zu sehen sind, werden die gesammelten Gespräche vorgelesen.

In Zeiten von Social Distancing gewähren zehn Paare aus der Heimatstadt des Filmemachers Kameras Zutritt zu ihrem Zuhause, wo sie nicht stören, sondern jeden zarten Austausch festhalten sollen.

Eine der ältesten Sozialwohnungssiedlungen Singapurs verläuft entlang einer ehemaligen Bahntrasse, die bis 2011 Eigentum des malaysischen Staates war. 50 Jahre lang war diese zehn Meter breite Zone unbestimmter Zugehörigkeit im Herzen des Stadtstaates Schauplatz einer Fülle von mehr als nur menschlichen Aktivitäten. 105 Vogelarten leben auf diesem Fleck. Jetzt wird das Land umgewidmet, die ikonischen Wohnblöcke werden abgerissen und die Bewohner umgesiedelt.

Für die Arbeit The Spirit is Willing, but the Flesh is Furry tauchte Valentina Gal in die Online-Subkultur der Furry-Fangemeinde ein, deren Mitglieder Gefallen daran finden, comicartige Tierkostüme zu tragen und ein physisches oder virtuelles Alter Ego (eine „Fursona“) in Form eines anthropomorphen Tieres anzunehmen.

Der Film besteht aus aufgezeichneten Telefongesprächen zwischen einer Mutter und ihrem Sohn: Sie lebt nach astrologischen Vorhersagen, während er sich über Probleme mit seinem Freund beklagt; sie singt Karaoke, während er die Welt bereist; sie ist krank, und er schweigt. Doch das Jahr des weißen Mondes wird ihnen den Weg des Lichts und der Gnade weisen.

Ein One-Shot-Film über Gewalt und Blut in einer turbulenten Welt, benannt nach seiner Länge. 8'28" kann jedoch kaum als Spiegel dieses pandemischen Zeitalters interpretiert werden, da Klangerzeugung und letzte Bearbeitung des Films bereits vor der Katastrophe abgeschlossen waren. Wie immer habe ich alles an dem Film selbst gemacht.

Nach einem langen Tag im Bus sitzend, überlässt sich eine Mutter ihren existenziellen Gedanken. Zeit, Raum und Form verschwimmen. Sensory Overload ist ein audiovisuelles Stück, das erkundet, wie die Vorstellungskraft eine Flucht vor den Realitäten um uns herum sein kann.

Über ein freizügiges, ehrliches Aktvideo werden wir mit dem Körper der Frau als Welt voller Schönheit und Schmerz konfrontiert. Die Protagonistinnen des Films, Frauen, die mit Essstörungen und einem negativen Körperbild zu kämpfen hatten, erscheinen vor uns wie Bilder aus der klassischen Kunst und laden uns ein, unsere persönliche Wahrnehmung von Schönheit zu überdenken.

Über Zoom (oder Skype) teilen Zirkusartisten aus der ganzen Welt während der Corona-Krise ihr Können und ihren Alltag.

Diese Gruppe von Menschen, dieses Kollektiv, hat immer existiert, es kommt und geht, wächst und schwindet, manchmal vage und undeutlich, manchmal klar definiert. Manchmal stellte ich fest, dass „ich“ zu „du“ wurde und „du“ zu „ich“. Manchmal stellte ich fest, dass ich nicht ich selbst war und du auch nicht. Manchmal war ich „wir“ und gleichzeitig der Plural „ihr“ oder vielleicht sogar „sie“.

In dieser Pandemie mussten Performance-Künstler sich neu erfinden, um sich an unsere neue virtuelle Existenz anzupassen. Wie können wir für ein Publikum aus Avataren online mitreißende Stücke umsetzen? Ich wurde gebeten, ein Stück zu schaffen, das live auf Instagram gezeigt werden sollte. Ich entschied mich, mir die Plattform vollkommen zunutze zu machen. Diese Arbeit ist Teil einer Reise, die ergründet, wie wir als Menschen mit der virtuellen Welt interagieren und wie mitreißende Gefühle nachempfunden werden können, indem man ihre Codes an sich reißt oder ihnen folgt.

Das Video Slavnostní problém präsentiert die der Roma angehörende Politikwissenschaftlerin und Menschenrechtsaktivistin Edita Stejskalová in Form eines inszenierten Besuchs in der Villa Müller in Prag, in der die Filmemacherin einen Dialog zwischen der Protagonistin und dem berühmten modernistischen Haus von Adolf Loos – heute ein nationales Kulturdenkmal – herstellt.

Stop-Motion – ein Tänzer als Filmemacher sieht ab von überflüssigen Bewegungen und überlässt sich in einer Villa in der Bretagne jenem (individuellen wie gesellschaftlichen) Zustand, den der französische Philosoph Paul Virilio als „rasenden Stillstand“ umschrieben hat. Einzelbild für Einzelbild für Einzelbild durchmisst Paul Wenninger „stehend“ Runden in einem anfangs völlig entleerten Raum.

20-20 ist eine Zusammenstellung aus fünf kurzen Videotagebucheintragungen zum Jahr 2020. Ursprünglich handelt es sich dabei um Karen Trasks Beiträge zu einem Videoprojekt namens 2GatherApart, das nach der Cadavre-exquis-Methode von Künstler*innen aus Montreal organisiert wurde, um während der Pandemie in Verbindung und kreativ zu bleiben. 20-20 wirft einen persönlichen und humorvollen Blick auf ein ungewöhnliches Jahr.

Basierend auf den Pressekonferenzen von Premierminister Boris Johnson zu Covid-19 konzentriert sich Covid Messages auf die Versuche der britischen Regierung, dem Virus durch den Einsatz von Zaubersprüchen und Ritualen ein Ende zu bereiten.

Divided by Law wurde kurz vor und während des Ausbruchs des Coronavirus und im Vorfeld des Brexit aufgenommen und gibt Zeugnis von binationalen Familien und Paaren, die versuchen, mit den feindseligen Einwanderungsbedingungen in Großbritannien zurechtzukommen. Aus verschiedenen Orten weltweit hören wir in persönlichen Berichten, wie die Interviewten sich durch die britischen Einwanderungsbestimmungen für Familien kämpfen und dabei mit langen Trennungszeiten von ihren Partnern und Familien konfrontiert werden – mit schmerzlichen Folgen.

Der Protagonist ist ein Glasmacher, dem ein in einem Tierkörper gezüchtetes Organ transplantiert wurde. Während seines Krankenhausaufenthalts wird er von seinem Freund A gebeten, „ein Gefäß aus Fensterglas aus [As] altem Haus“ zu machen. Nach der erfolgreichen Transplantation gehen dem Protagonisten bei der Durchführung des Auftrags verschiedene Dinge durch den Kopf. https://slkanyukuips.tumblr.co...

Das Grün am Straßenrand ist Niemandsland. Es wurde geschaffen, um daran vorbeizufahren, nicht, um darin zu sein. Geometrisch und künstlich und doch von Unkraut überwuchert –- gehört es den Menschen oder der Natur?

Eine poetische Antwort auf die Bedrohung des Lebens dunkelhäutiger Menschen in urbanen Gegenden im Südpazifik, die Ausdehnung der kosmologischen Zeit und das sich entwickelnde Bewusstsein einer drohenden ökologischen Gefährdung.

Wie akzeptieren wir unseren Körper, unsere Haar- und Hautfarbe, Gestalt, Muskeln und unser Fett, das, was wir nicht immer ändern können? Diese Frage stellte sich mir basierend auf meiner Erfahrung im klassischen Ballett während eines Auslandsstudiums in den USA vor vier Jahren.

Ein Mann befindet sich in einem Raum.

Ein Mann bereitet in seiner Küche sein Lunchpaket vor. Er hat beschlossen, den Tomba Brion zu besuchen, eine monumentale Grabstätte, die von dem venezianischen Architekten Carlo Scarpa im Auftrag von Onorina Brion Tomasin entworfen und gebaut wurde, um das Andenken an den verstorbenen und geliebten Verwandten Giuseppe Brion zu ehren, den Gründer und Besitzer der Firma Brionvega. Die Grabstätte befindet sich auf dem kleinen Friedhof von San Vito, im Weiler Altivole in der Provinz Treviso.

Eine dominante Frau dirigiert einige Männer rund um Renovierungsarbeiten an einer Villa in einer ungarischen Kleinstadt. Mittels der präzisen Abfolge der Bewegungen der Hauptdarstellerin in dieser örtlichen Einheit des Films entspinnt sich eine mögliche Erzählung, deren formale Wurzeln den Takt angeben.

Der Film hat seinen Namen von dem Ort, an dem er gedreht wurde, dem Triforium der Londoner Westminster Abbey, einer seit 700 Jahren vor den Blicken verborgenen Galerie, die in 16 Metern Höhe über dem Boden des Kirchenschiffs verläuft. Begleitet von der Musik von Laurence Crane fängt der Film die Stille und Ruhe des Triforiums ein, das seit Jahrhunderten die emporsteigenden Gebete auffängt.

Den Fernsehbildern vom Einsturz des World Trade Center sind vielgestaltige filmische Inszenierungen des Gebäudes vorausgegangen, sei es als symbolträchtiges Zeichen, als spekulative Zerstörungsphantasie oder allein als spektakuläre Kulisse. In Misty Picture werden Stadtsinfonie, Katastrophenfilm und mediale Traumatherapie eins.

Joanna arbeitet an sechs Abenden in der Woche als Sängerin in der Bar eines Hotels, in dem sie ein paar Etagen tiefer auch wohnt. Ihre Stimme begleitet uns durch die Räume und ihren Arbeitsalltag. Dabei unterbricht sich der Film ständig selbst, um dem Betrachter seine Konstruktion und sein technisches Material vor Augen zu führen.

Phantasmagoria, 1945 ist die Geschichte, die der Nazi-Propagandaminister Joseph Goebbels seinen sechs kleinen Kindern erzählte, während er nach dem Essen eine Diaprojektion mit einer Laterna magica und Glasdias präsentierte. Es handelt sich um eine Geistergeschichte für Kinder über Propaganda und die Medien, eine Meditation über die Vergangenheit als Warnung an die Gegenwart. Der Film war Teil einer 4-Kanal-Videoinstallation in Schloss Rheydt – dem Schloss, das Goebbels 1942 von der Stadt Mönchengladbach erhielt. In dieser Stadt wurde auch der Vater des Filmemachers geboren, der 1939 floh. Die Anfangssequenzen wurden vor Ort auf dem Schloss gedreht.

Anne Haugsgjerd (77), eine bekannte norwegische Filmemacherin, denkt auf poetische, provokante und emotionale Weise über den Übergang in das letzte Kapitel ihres Lebens nach. Eine ungeschönte Geschichte über das Älterwerden, Schwerkraft und Kiffen.

Im Jahr 2020, als die Welt gezwungen war, sich zu „verändern“, wollte ich nachvollziehen, was sich in mir geändert hatte und was nicht. Die weiße Maske, die ich trug, wurde zur Projektionsfläche für meine Vergangenheit. Ich leide unter Schizophrenie; meine Familie ist manchmal verletzt, aber unterstützt mich. Unser Leben ist derzeit geprägt von der Frage: „Wer sind wir?“

Ein ungewöhnlicher Tangana-Pächter beobachtet in seinem geheimnisvollen Restaurant das endlose Ballett der Wesen, die die Stadt Dakar bevölkern. Zwischen saftigen Omeletts und dampfenden Spießen, Suppen und Kondensmilch besänftigt Onfaaya die Rastlosen, heilt die Wunden und nimmt das Leben, wie es kommt, was es auch kosten möge.

Count ist ein kurzer Videoessay, der eine verinnerlichte historische Schieflage untersucht, eine formale Befragung zu dieser unbemerkten, über die Jahrhunderte exponentiell gewachsenen Diskrepanz. Es beginnt mit den Söhnen der Filmemacherin, die ihren Online-Distanzunterricht während einer Pandemie beginnen, die inmitten eines mörderischen Drogenkriegs wütet – beides Tragödien mit falsch gezählten und nicht gezählten Todesopfern.

Eine Klima-Erzählung, die eine queere Liebesgeschichte mit der Trauerarbeit um eine durch den Klimawandel veränderte Landschaft verwebt.

Mit Hilfe von schwarzer Magie und der zeitgenössischen Philosophie des Spekulativen Realismus entdeckt ein Mädchen plötzlich eine ganz neue Welt, in der die Lacan’sche Metapher, nach der alle Dinge uns anblicken und wir sie deshalb sehen, eine sehr wörtliche Bedeutung annimmt. Der Regisseur gibt den Zuschauern die Möglichkeit, über neuartige objektorientierte Wege der Kommunikation mit der Welt und sich selbst nachzudenken.

Ein junger Tänzer möchte aus dem Iran auswandern, weil die Gesetze seines Landes ihn daran hindern, seinen Beruf frei auszuüben. Sein enger Freund, mit dem er auch das Zimmer teilt, will jedoch nicht, dass er geht.

See What I See ist ein experimentelles dokumentarisches Porträt des norwegischen Künstlers, Pädagogen und Sammlers Guttorm Guttormsgaard und seines eklektischen Archivs aus Kunst, Handwerk, Büchern und Ephemera. Guttormsgaard erzählt von seinen Gedanken über das Sammeln, die Vision, die Kunst und den Ort. Mittels Dialogschnipseln und übereinander geschichteter Bilder wird der Film zu einer Unterhaltung zwischen Williams, Guttormsgaard und den unzähligen Objekten in der Sammlung.

Der Film ist eine intime Geschichte über eine Scheidung in Split, der Stadt, aus der die Autorin stammt. Es wird eine Analogie zwischen der Stadt Split (im Englischen „to split – teilen, trennen") und der Trennung von zwei Menschen hergestellt.

Die siebenjährige Lesedi verbringt ihre Tage mit Warten und Hoffen, dass etwas passiert. Sie beginnt ihren Morgen wie viele andere Morgen auch: mit Steinen nach Autos jagend, die durch das Zentrum ihrer abgelegenen Stadt fahren. Während Marta – eine Ladenbesitzerin mittleren Alters und ihre beste Freundin -, ans Warten gewöhnt, mit hart erkämpfter Zufriedenheit ihrer täglichen Routine nachgeht, ist Lesedi unruhig, erwartungsvoll und sehnt sich nach Bewegung.

Seit 20 Jahren steht das einstige Zuhause des Filmemachers in den kolumbianischen Anden leer und verlassen. La Cumbre ist ein sehr persönliches Porträt dieses Orts, erzählt durch die Erinnerungen und die Präsenz der Großeltern, die an die Zeit zurückdenken, als sie dort mit ihrer Familie lebten.

La Promenade sous le arbres folgt den miteinander verflochtenen Wegen von fünf Menschen im Frühling in der Provence.

Ein Paar im Streit; ein tödlicher Twist aus Vergangenheit und Zukunft in einem gewöhnlichen Leben. Eine Adaption von Arthur Rimbauds rätselhaften Gedichten Guerre und Phrases et Fragments du feuillet 12, welche die Gedichte neu interpretiert und eine deutliche Warnung angesichts eines Zeitalters ausspricht, in dem Zeit – zerfallen, dekontextualisiert und gespeichert als optische und akustische Daten – sich ansammelt, während die Erinnerung verblasst.

Chantal Akerman und die Cellistin Sonia Wieder-Atherton haben im Laufe der Jahre mehr als 20 Filme zusammen gemacht. Eine Filmsequenz, in der beide zu sehen sind, brachte mich dazu, den Ton in ihren Filmen zu untersuchen. Und das war erst der Anfang.

In einem Labor entsteht ein Roboter. Wie ein neugeborenes Baby analysiert er seine Umgebung mit primitiven Sinneswahrnehmungen und beschränktem Wissen. Ein Test soll zeigen, wie ein Hund und ein humanoider Roboter aufeinander reagieren. Eine weniger intelligente Lebensform urteilt vielleicht weniger kritisch darüber, was als lebendig gelten kann.

Minnen ist eine persönliche Dokumentation, in der die Filmemacherin auf ihre psychische Erkrankung zurückblickt. In Gesprächen, während derer sie sich alte Fotos und Animationen anschaut, werden Erinnerungen an Einsamkeit, Furcht und seltsame Gedanken miteinander verwoben.

In einer alternativen Welt, in der queere Indigenität nie ausgelöscht wurde/verloren ging, werden wir Zeuge des Alltags zweier Leitis, deren Eigenständigkeit in einer sich schnell verändernden, modernen Welt voll zur Geltung kommt. Vor der Kulisse eines alternativen Tongas, unberührt vom westlichen Einfluss und mit einem Reichtum an Bodenschätzen, begegnen wir einer leicht und doch offensichtlich anderen, modernen Welt.

Dadinho, ein älterer Sambamusiker, wird von seiner Enkelin auf die Beerdigung seines Bruders begleitet, der Sambamusiker bei einer konkurrierenden Sambaschule war. Auf der Reise kommt eine vergangene Geschichte über Rivalität, Samba und Verrat zutage.

Menschen verletzen sich gegenseitig und hinterlassen Wunden, die bleiben. In Familien ist das nicht anders.

Ein Bruder und eine Schwester stoßen zufällig auf ein himmlisches Geheimnis, das ihr Leben verändert und sie zu Reggaeton-Stars macht. Doch bald finden sie heraus, dass ihr neu erlangter Ruhm einen hohen Preis hat.

Dieser Film ist eine Meditation über die jeweiligen Zeitlichkeiten der verschiedenen Bildtechnologien. Er untersucht die expliziten und unausgesprochenen Ideologien, die sich hinter der Technik verbergen, und wird zu einem Netz scheinbar unzusammenhängender Geschichten, die nach und nach Muster von durch Technologie herbeigeführter politischer Auslöschung enthüllen.

In einem Haus mitten im Urwald bekommt eine Hellseherin Besuch von drei Fremden, die sie um eine Séance bitten, bei der sie den Geist eines Vorfahren heraufbeschwören soll. Doch die ungewollte Begegnung wird bald zum Albtraum.

Eine alte Erzählung aus Utsjoki in Sápmi, dem „Land der Samen“, die in die Gegenwart versetzt wurde. Es handelt sich um die Legende eines Vorfahren der Filmemacherin, Ovllá-Ivvár Helander, und dessen Taten während der Spanischen Grippe 1918 in Utsjoki. Ovllá-Ivvár beschloss, dem Tod ein Schnippchen zu schlagen und sein Schicksal selbst in die Hand zu nehmen. Die Hauptfigur des Films tritt in Ovllá-Ivvárs Fußstapfen.

Ein ethnografischer Film über die Legende der Göttin Kalsu der Mahadeo Koli, deren Geschichte und Identität das Bewusstsein der Frauen dieses Volkes bis heute prägt. Der Film erzählt die Geschichte der Göttin und stellt dabei Ur- und Gegenwartsbilder kontrastierend gegenüber.

Ein persönlicher Essay über die Entstehung und Lösung von Verbindungen in und durch unterschiedliche(n) Realitäten.

Die Filmemacherin kehrt zum Ort ihrer Kindheit, in den arktischen Norden Norwegens, zurück. Über einen Zeitraum von zwei Jahren erforscht sie mit ihrer Kamera, wie die Landschaft ihre Verbundenheit zu ihrer Heimat und ihr Denken geprägt hat. Bei dem Versuch, ihre subjektive Perspektive zu verlassen, stellt sie ihre Beziehung zu dem Ort auf den Prüfstand. Die Kamera, ein Algorithmus und die Subjektivität anderer Geschöpfe helfen ihr dabei.

Während des Erdbebenschwarms im Januar 2020 in Puerto Rico bewahren zwei Brüder Mitte sechzig im verfallenden Familienwohnsitz, wo sie leben, Erinnerungsstücke von früher auf. Sie finden eine Videokassette und tauchen in die Bilder der glorreichen Vergangenheit ihrer Familie ein.

Bitor und Mikel lernen sich während eines Straßenfestes in Bilbao kennen. Der erste Blick ist für beide etwas ganz Besonderes, aber jeder erinnert sich auf andere Weise daran.

In dieser handgemachten gesellschaftspolitischen Satire zeigt eine imaginäre und skurrile Reise das Unmögliche. Pentadaktylos, der legendäre Berg, will zu seinem Volk und befreit sich. Als er auf der griechisch-zypriotischen Seite der Insel spazieren geht, wird er von den hässlichen Hochhäusern, die vor ihm erscheinen, erdrückt und in die Unendlichkeit geschleudert.

Während der weltweiten Pandemie haben Sachs und Selcer getrennt voneinander an Girl Is Presence gearbeitet, einem rhythmischen visuellen Gedicht, geprägt durch Gender und Gewalt. Vor dem Hintergrund der unsicheren und angsteinflößenden Atmosphäre innerhalb des häuslichen Raums sortiert ein „Mädchen“ eine Sammlung kleiner, geheimnisvoller Gegenstände immer wieder um. Wörter entstehen, die Anspannung steigt und die Szene bekommt etwas Okkultes, Ritualistisches und Alchemistisches.

Dies ist die Reise von Juan, der auch Pedro oder María heißen könnte. Ein Mann, der auf einem Fluss in Argentinien lebt und arbeitet. Dann sehen wir die Reise von Johannes, der auch Claus oder Franz sein könnte, der in Deutschland lebt und dessen Leben sich nicht sehr von Juans Leben zu unterscheiden scheint. Doch das tut es.

Was ist Geburt? Es heißt, in diese Welt geboren zu werden, sei der Anfang vom Leiden: dukkha.

Liebevolle Gespräche zwischen Jeanette Iljon und Anne Bean, die schon ihr ganzes Leben lang befreundet sind. Beide wurden 1950, nur elf Tage auseinander, in Sambia geboren und wurden später Künstlerinnen in England. The Light of Day ist eine behutsame Nachstellung von Iljons experimentellen und feministischen Filmarbeiten als sozialistische Aktivistin, entstanden in den 1970er- und 80er-Jahren. Der Film kombiniert sie mit einem unvollständigen Interview, das Anne Bean 2000 drehte, und neuem Performance-Material, das 2019 in Zusammenarbeit mit Alex Eisenberg entstand, kurz nachdem bei Iljon Demenz diagnostiziert worden war.

Noch in der letzten Woche ihres Lebens glaubte meine Mutter an die Kraft des positiven Denkens. Sie sagte ihrer Pflegerin: „+x+=+“. Ich trauerte um sie, indem ich Aufnahmen von ihrer Stimme, vom Geräusch der Erde, die auf ihren Sarg fiel, und alte Super-8-Familienfilme zusammenschnitt und mir immer wieder ansah. Ein filmischer Trauerprozess.

Filme zu schauen war in meinem Leben schon immer mehr als reine Wirklichkeitsflucht. Ich bin in einer Kleinstadt im streng katholischen, toxisch heteronormativen Polen aufgewachsen und fand in Filmen eine Quelle für Wissen, politische Ambivalenz und Unterhaltung. Die Reise in die Vergangenheit und das Erzählen einer bruchstückhaften, autobiografischen Geschichte ist die Antwort auf die aktuelle soziopolitische Lage in Polen mit seinen „LGBT-freien Zonen“, Verstößen gegen die Demokratie, Polizeigewalt und staatlicher Zensur.

Inspiration für das Video war Alíz Mosonyis Kurzgeschichten-Gedicht Princess Beauty. Es geht um den Konflikt zwischen den eigenen Bewegungen und den zwangsläufigen Einschränkungen derselben. Der Film kombiniert Animation mit physikalisch-basierten Simulationen und schafft so ungewollte Ereignisse und Störeffekte.

Tracing Utopia ist eine Reise in die Träume einiger queerer Jugendlicher in New York und deren Vorstellung von einer besseren Welt. Der kurze Dokumentarfilm erdenkt eine mögliche Queer-Community über zeitliche Grenzen hinweg, indem er den Hauch einer Utopie zeigt, die sich auf der Straße, in gemeinsamen Räumen und online manifestiert. Ein kollaboratives Manifest verwebt die Vergangenheiten mit den Zukünften – mit dem Ruf nach Veränderung, nach der queere junge Menschen heute streben.

In China sind die meisten jungen Leute vom Land in die Städte gezogen, um bessere Jobmöglichkeiten zu haben. Nur Kinder und alte Leute bleiben zurück. Sie leben an diesem Fluss und dieser Brücke. Die gefährliche Brücke wurde seit 20 Jahren nicht mehr repariert. Es scheint, als hätte man alle Probleme, Menschen und Dinge auf dem Land komplett vergessen.

Tirta (27) gehört zum Personal einer inländischen Fähre und hat Geldprobleme. Außerdem läuft sein Arbeitsvertrag bald aus und sein Versuch, den Vertrag bei der Transportgesellschaft zu verlängern, wurde durch die Existenz eines Regierungssystems untergraben. Diese Situation lässt ihn an seiner Zukunft als Seemann zweifeln.

Adversarial Infrastructure erforscht die volumetrische Geschichte der Krim-Annexion und bedient sich zu Recherchezwecken der Deepfake-Technologie. Indem er die Krim-Brücke seziert, das vergegenständlichte Sinnbild russischer kolonialer Gewalt, die sich vom Cyberraum bis zu Offlinelandschaften erstreckt, versucht dieser Film, das neue Image logistischer Infrastruktur als eine Art hybride Kriegsführung darzustellen.

Azkorri árnyéka alatt ist ein visueller Essay, der die Räume von Bildern untersucht und auf einem Foto beruht, das am Strand von Azkorri (im Baskenland) aufgenommen wurde. Das Video stellt die Frage, wie ein Perspektivwechsel die Empfänglichkeit für ein Bild ändern kann, und entfaltet sich aus der Positionierung einer Geste aus dem Film Még kér a nép (Roter Psalm, 1972).

Dear Aki ist ein experimenteller visuell-narrativer Essay, präsentiert in Form einer Reihe fiktiver Briefe von Nina Kurtela an Aki Kaurismäki vor dem Hintergrund atmosphärischer Außenaufnahmen, der das Wesen von Identität, Nationalität und Zugehörigkeit in der globalisierten Welt beleuchtet.

Genau / Jetzt bin ich ein Affe / Ein hundertäugiges Äffchen / Genau / Jetzt habe ich mich verkleidet / Das hundertäugige Äffchen / Vor dir / Hockt auf den Ästen / Hat sich zusammengerollt wie ein Affe / Mit braunen Haaren am ganzen Körper / So ähnlich / Ich halte still, wirklich still / Die Blätter über meinem Kopf halten mich nachts warm / Es könnte bald regnen / Aber das ist in Ordnung / Blätter sind wasserdicht / Ich bleibe still / Ich bin von allem weg unter den Blättern / Sie halten mich unsichtbar für jeden oder alles / Wie Bären, Ziegen, Mücken, Regenwürmer und sogar ein anderes Stück Laub / Ich bin sicher, also bleibe ich ruhig / Ich fühle mich wohl / Ja, ich glaube, das bin ich / Das Aussehen meines Körpers bedeutet mir nichts mehr / Solange ich meine Augen schließe / könnte ich alles sein, was ich will

Andra8 ist ein subalternes Simulacrum, das durch einen Algorithmus geschaffen und in einem virtuellen Hohlraum vom Internet großgezogen wurde. Von der Wohnung aus, in die sie „platziert“ wurde, arbeitet Andra8 als digitale Arbeitskraft. Sie lebt von den Daten ihrer Freemium-Jobs als virtuelle Assistenz, Datenbereinigerin, Life Coach, aufstrebende Influencerin und Content Creator.

Ein Spaziergang durch Brüssel nach der Aufhebung des Lockdowns. Wie kann man in seiner eigenen Blase leben und doch Verbindung zu anderen aufnehmen?

Zwei Kinder. Rätsel ohne Lösungen. Dekonstruierte Redewendungen. Ratten.

Eine visuelle Annäherung an das Erlangen oder Wiedererlangen des Sehvermögens mittels bionischer Implantate. In einer fiktiven postoperativen Kalibrierungssitzung, die sich auf neueste Erkenntnisse der medizinischen Forschung stützt, beleuchtet der Film die Komplexität des Versuchs, Wahrnehmung auszuhandeln, und geht so weit, dass der Zuschauer schließlich das Experiment leitet.

„Geheiligt, zu, voll Feuer rein von Stoffen, ein Erdenstück erstauntem Lichte offen.“ (Paul Valéry, Der Meeresfriedhof)

Dieser kritische Videoessay befasst sich mit der Entwicklung der nordböhmischen Landschaft und ihrem aktuellen Zustand. Fremde Videobeiträge zeigen die Bemühungen, Lösungen zu finden und spezifische utopische Ideen umzusetzen. In den meisten Fällen enthalten diese scharfe Kritik am aktuellen politischen und wirtschaftlichen System.

Es gab Gerüchte, dass sich ein weiterer Garten zwischen den Bäumen verstecke. Dieser vergessene Garten enthält Zyklen harmonischen Konfliktes und eine anhaltende Auseinandersetzung zwischen Leben und Tod. Der Gärtner Joel beschützt die Schutzlosen und kümmert sich um viele verschiedene Geschöpfe. Wir wandeln auf den Spuren der dialogischen Gärten von Alphonse Karr, Karel Capek und Doris Lessing und stellen Joels Jahr mit unregelmäßigen und ungeraden Monaten nach.

Ein Musikvideo – inspiriert vom Youtube-Phänomen Lyric Video und produziert mit GPT-2, einem KI-Computerprogramm, das natürliche Sprache vorhersagen kann – für die geheimnisvollen Fanuks, eine Roboterband, die von der gefeierten deutschen Band Der Plan für ihr Konzeptalbum Save Your Software erfunden wurde, aufgenommen im Jahr 1989, veröffentlicht 2021 von Bureau B.

Eine Afghanische Windhündin, irgendwo zwischen ursprünglicher Hunderasse und Instagram-Model, posiert in mysteriös erhabener Schönheit.

Hans Unstern spielt an der selbstgebauten Harfe Haare Zu Gold. Um Hans herum schwebt ein Schwarm Freund:innen, Kompliz:innen und Ghostwriter:innen, die mit ihren Telefonen die Bilder für diesen Film produziert haben.

Wie wäre es, einmal der reichste Mensch der Welt zu sein? Dazu benötigt man nur genug hochaufgelöste Fotos von Elon Musk und ein paar gute Moves. Den Rest erledigt der Deepfake-Algorithmus.

In 80 Postkarten um die Welt. Fundstücke vom Flohmarkt berichten von fernen Reisezielen und vergangenen Sehnsuchtsorten. Herzliche Urlaubsgrüße senden Kati & Timo.

NOAH erforscht das Leben von drei echten Menschen in drei verschiedenen Städten: Montreal, London und Berlin. Anhand der in die Jahre gekommenen Telefonzellen der Städte erkundet das Video, wie die Werkzeuge, die wir zur Kommunikation nutzen, die Art und Weise prägen, wie wir miteinander in Verbindung treten. Wenn alte Werkzeuge verschwinden, sterben diese Formen der Verbindung mit ihnen.

Eine Zusammenarbeit zwischen der Künstlerin Stacie Ant und DJ Hell. Auf dem Höhepunkt der Quarantäne versuchten Hell und Stacie, eine surreale Version der Zukunft zu entwerfen, die nach der Pandemie auf sie wartet. Inspiriert von DJ Hells starker Präsenz in der Elektromusikszene über mehrere Jahrzehnte hinweg, sind das Video und der Sound eine Hommage an die Geschichte der elektronischen Musik und den damit einhergehenden Lifestyle.

Auf engem Raum überlagern sich Zeit- und Handlungsebenen, Ordnung und Chaos. Die Frage nach dem Sinn bleibt offen, aber alle wissen, was sie tun.

Das Video bedient sich der melancholischen Stimmung einer leeren Bühne. Die Existenz von Künstlern wird im Lockdown zum Boxkampf. Ein leerer Einkommensteuerordner wird zur Bühne. Die Musikerinnen bäumen sich auf. Der Film ist vergleichbar mit der menschlichen Haut. Was kann abgewehrt werden? Was wird aufgenommen? Eine freudige Tour de Force, die Widersprüche stets und gerne aufgreift.

Zwei Personen versuchen, in einem spanischen Marmorsteinbruch eine eingestürzte Hausfassade zu erklimmen. Gibt es keine Vier Jahreszeiten mehr und ist Vivaldi Immobilienmusik geworden?

Das Musikvideo basiert auf Found Footage und zeigt Schauspieler, die ihre Emotionen in und vor Autos ausleben. Im Split-Screen sehen wir männliche und weibliche Darsteller gleichzeitig.

Die Quelle des absoluten Wissens trifft auf die Macht von Photoshop.

Life Ain’t Always Empty. Tonight Tonight Tonight mit Georgie Barnes feiert Erfolge als die meistgesehene Talkshow in der Geschichte Irlands. Georgie ist mit allen einer Meinung und hat die Gabe, stets im richtigen Moment zu lachen, ganz gleich, ob er seinem Gegenüber zuhört oder nicht. Aber was versteckt sich hinter seinen kleinen Knopfaugen und dem mechanischen Lächeln? Welchen Preis muss er zahlen, um die Fernsehkrone zu tragen?

Während der Alarm vom Rauschen verschluckt wird, hängt der Feuerdunst schwer über der kalifornischen Landschaft mit zertrümmerten Autos, brennenden Tälern, verlorenen Tieren und zeltartigen Häusern.

Ich befasse mich mit Voodoo, seit meine Mutter gestorben ist. Auf diese Weise trete ich mit ihr in Kontakt. Voodoo ist die Energie des Universums. Die afrikanischen Rituale sind sehr bereichernd und helfen mir, die Trauer über den Tod meiner Mutter zu überwinden. Der zerstörerische Umgang des Menschen mit der Umwelt hat meine Mutter sehr traurig gemacht und in dieser Hinsicht stand sie dem Voodoo sehr nahe.

Are You Alright handelt von Depression, Angstzuständen und bipolarer Störung. Die vielen Gesichter, die wir auf Bildschirmen sehen, spiegeln die Vielzahl von Emotionen wider, die wir täglich durchleben, darunter auch die, die wir zu unterdrücken und zu verbergen versuchen. Der Film war Teil des Projekts Caffenol 7266, einer Gemeinschaftsarbeit mit der Künstlerin und Rapperin Sofia Ashraf.

In seiner visuellen Untermalung der Gemeinschaftsarbeit zwischen dem Choreografen MC Blackhaine aus Salford und dem Gegenwartskünstler Richie Culver aus Hull stellt Filmemacher William Markarian-Martin für DUCY / INGC Filmmaterial zusammen, das er in den englischen Städten Preston und Salford gesammelt hat und das in einer Tiefgarage gedreht wurde und „eine Art Fegefeuer darstellen soll“, als sei der Künstler durch das Straßenpflaster in einen höllischen Ort hinabgefallen.

Einer der ermutigenden Aspekte der Pandemie ist, wie sich Zusammenarbeit unter schwierigen Umständen gestaltet. Dieses Video ist das Ergebnis einer gemeinsamen Anstrengung während des ersten Lockdowns 2020. Nachdem Mynther Boeskovs episches Gedicht in einem Instagram-Post gelesen hatte, nahm er zu diesem Kontakt auf, um dessen „zeitgenössisches Äquivalent zu Ginsbergs Howl" zu vertonen und gemeinsam mit ihm zu visualisieren. Was sie auch taten.

Erosion Project handelt von der brutalistischen Architektur des George L. Mosse Humanities-Gebäudes in Madison, Wisconsin, USA. Der Film setzt Tanz ein, um die Koexistenz der organischen Form im Inneren der Betonhülle einzufangen. Der Körper als biologisches Medium beschleunigt den fiktiven Prozess der Erosion. Die Musik in Erosion Project stammt von Dan Sus noch unveröffentlichtem Debütalbum Game0: U think U R Safe.

Hungry Baby zeigt Wege auf, wie Frauen unter der Last des Patriarchats emotionalen und physischen Raum einnehmen können.

Ein Film über den feinen Unterschied zwischen Wollen und Brauchen, über die Folgen von Entscheidungen und über eine Bratpfanne.

Das neueste Album von Matmos unterliegt einer konzeptuellen Einschränkung: Alle Rhythmuselemente müssen 99 Schläge pro Minute haben. 97 Künstler wurden kontaktiert und gebeten, sich zu beteiligen. Ihre Beiträge wurden zu einem „Album“ zusammengefasst. Für eine Auswahl aus dem Album hat Matmos Papiercollagen erstellt und für dieses Video animiert.

Das Video erforscht verschiedene Grade von Aufsässigkeit in einer Darstellung vielfacher Weiblichkeit. Ein umgekehrtes Musikvideo, bei dem der Klang vom elektronischen Musikprojekt Ascii.Disko zu den Bildern geschaffen wurde. Die Figuren im Video sind Träger nichtbinärer Identitäten in ständiger Bewegung. Jede von ihnen agiert als zeitgenössischer Demiurg: auf der Suche nach ihren persönlichen Ausdrucksformen, ganz gleich, wie oft sie bei dem Versuch, sich selbst zu erschaffen, fallen.

Die Arbeit wurde mit der Unterstützung eines 2018 Multiverse Grant für Video Art Creation der BBVA Foundation und des Bilbao Fine Arts Museum produziert.

Quartet Diminished will musikalische Momente erschaffen auf der Basis der individuellen und kollektiven zeitgenössischen Sicht seiner Mitglieder auf Musik als allgemeines Gebilde. Dieses Musikvideo stammt von ihrem dritten Album Station Three und zeigt, wie die Vormachtstellung von Systemen funktioniert. Eine Mischung aus Stop-Motion-Techniken, angewendet auf Buntstiften, und 3-D-Zoetrop schafft eine eindringliche Atmosphäre, die den Kontrast zwischen Makellosigkeit und Macht veranschaulicht.

Es hat etwas seltsam Heroisches, wie die Figur in dieser Szene versucht, in dem leeren Raum ihren Platz und die passende Pose zu finden. Der Wunsch, sich die Situation zurechtzubiegen und die Kontrolle zurückzugewinnen, war ein Gefühl, das auch im Song sehr präsent war. Sich in einer schwierigen Lage zu befinden, heißt nicht, dass man sich den Gefühlen hinzugeben braucht, die solch eine Situation normalerweise begleiten. Wenn man zulässt, dass man selbst auf den Kopf gestellt wird, kann das zu einer wunderschönen Entdeckung führen.

Für Traitors wollte ich das Gefühl extremer Isolation einfangen, das vielen von uns im Vereinigten Königreich vonseiten der Regierung vermittelt wird, und die Tatsache, dass wir zwar eine Stimme haben, die aber komplett ignoriert wird. Die Industrieruinen in meiner heruntergekommenen Heimatstadt liefern den Hintergrund für diese Performance, in der ich ins Nichts brülle.

Eine Afghanische Windhündin, irgendwo zwischen ursprünglicher Hunderasse und Instagram-Model, posiert in mysteriös erhabener Schönheit.

Anstatt nach einem Autounfall medizinisch versorgt zu werden, wird das Opfer, samt Krankenbahre, auf eine Reise durch die absurdesten Szenarien entführt.

Eine Collage unverfälschter Momente während der Quarantäne, die die Schönheit unverhofft glücklicher Zufälle unter Beweis stellt.

Der Film basiert auf nicht nur ernst gemeinten Ausschnitten aus Coming-of-Age-Filmen. Hullabaloo, so auch der Titel des verwendeten Tracks der Musikerin Miaux, steht für das Spektakel und den chaotischen Zustand, die das Teen-Age auszeichnen.

In La La Land läuft unser Held durch die Pamela-Anderson-Wüste, um die Schönheit eines Pommes-Walds zu erleben. Auf der Jagd nach dem tyrannischen Zentauren, der in den Burger-Bergen wohnt, durchquert er verlassene Städte, um seine Mission zu erfüllen.

Wir begleiten die Künstlerin auf eine Tour durch die US-amerikanische Stadt Atlanta in Georgia, während getanzt, posiert und abendliche Impressionen eingefangen werden.

Eine Welt voller Kerle, versteckter Sehnsüchte und echter Persönlichkeiten. Es ist nicht leicht, zwischen einem unverschämten Menschen und diesen wilden Kreaturen eine Grenze zu ziehen.

Michael Sheen entdeckt einen kosmischen Toaster, der Brot bis in eine andere Dimension katapultiert.

Wie wäre es, einmal der reichste Mensch der Welt zu sein? Dazu benötigt man nur genug hochaufgelöste Fotos von Elon Musk und ein paar gute Moves. Den Rest erledigt der Deepfake-Algorithmus.

Auto gleich Mann gleich Phallus gleich Patriarchat – das Ziel ist seine Zerstörung, indem es in einer „Sauce“ aus Videoschnipseln ertränkt wird.

Nostalgie ist sowohl tröstlich als auch deprimierend. Lost But Never Alone ist ein ruheloses Werk des Durchzappens – ein Screen Capture des Verlangens, stets einen Sinn in der Vergangenheit zu finden, und des Triumphes, sie mit etwas anderem zu durchbrechen.

Ein Zeichen von Dankbarkeit für die Menschen, die man Familie nennt, ein nostalgischer Blick auf die koreanische Kultur und eine Zwiebel als Symbol für das gemeinsame Schöpfen von Hoffnung.

Wir sind Zeugen einer dunklen, nächtlichen Livestream-Performance auf einer CGI-Müllkippe, überlagert von unheimlichen 3-D-Emoji-Avataren, die eine eher unangenehme Wahrheit mit uns teilen wollen.

Nachdem Walking In The Snow nach der Ermordung von George Floyd über Nacht zur Protesthymne wurde, zeigt eine „reale“ Toy Story die systemischen Probleme in unserer Gesellschaft auf eine Weise auf, die so offensichtlich und klar ist, dass man sie einem Kind erklären könnte.

Das Video zeigt eine unwahrscheinliche Fernbeziehung zwischen einem Hund und einer Katze. Der Animationsfilm ist eine berührende Momentaufnahme unseres aktuellen Zeitgeists, in dem wir eine Existenz zwischen unserem digitalen Leben und der echten Welt fristen.

Ein Film über das Weitermachen. Ein Schuster, eine Kneipenwirtin und ein Cellist im April 2020. Aus aktuellem Anlass kommt es zu Begegnungen mit drei Menschen des Ruhrgebiets in Zeiten des Corona-Lockdowns. Entgegen allen Vermutungen haben die drei mehr Gemeinsamkeiten im Umgang mit der Krise und in ihrer Sicht auf das Leben, als es zunächst den Anschein macht.

Im Takt der tropfenden Chemo kämpft ein Infusionsständer um das Leben eines Krebspatienten. Doch der wehrt sich beharrlich gegen die Therapie. Würde da nur nicht der Tod immer wieder seine Aufwartung machen. Der Ständer fährt unbeirrt mit seiner Mission fort, die erst beim letzten Tropfen endet.

Im Wald errichten Jäger zwei sich direkt gegenüberstehende, einander belauernde Hochsitze. Rund um diese waidmännisch absurde Installation entspinnt sich eine Art ethnografische Beobachtung über die Jagd und ihre brüchigen Traditionen.

Die Workshopleiterin, der Trainingsanzug und der nackte Affe finden sich unerwartet in einem Workshop zum Thema Networking mitten im Death Valley wieder. Sie geben sich die größte Mühe, einander Ratschläge zu erteilen, müssen sich jedoch meist darauf beschränken, das zu wiederholen, was sie aus anderen, oft zweifelhaften Quellen erfahren haben.

Leon Avcı fährt mit seinem Rennrad durch die tristen Hochhauslandschaften seiner Jugend. Ohne konkreten Plan schlägt er sich mit meist halblegalen Jobs durchs Leben und hofft, doch noch irgendwie seinem Milieu zu entkommen. Als er Christina kennenlernt, hat er die fixe Idee, mit ihr abzuhauen … Nach Frankreich? Kanada? Hauptsache weg von hier!

Portugal im Jahr 2000. Die elfjährige Maria João lebt in einem konservativen Vorort und sieht sich starken Einwirkungen durch ihre Erziehung ausgesetzt. An der Schwelle zur Pubertät bemerkt sie, wie sich ihre Wahrnehmung der Wirklichkeit und das Verhältnis zu ihrer Familie und ihrer Freundin Ana verändern. Eine bisher nicht gekannte Sinnlichkeit keimt in ihr auf und weckt neue körperliche Empfindungen.

Was, wenn dein Körper dich auffrisst? Wenn der Kampf gegen dich selbst deinen Alltag, deine Beziehungen und deine Freiheiten überschattet? Trübes Wasser ist ein Film über den Kampf gegen eine Autoimmunkrankheit und innere Dämonen.

Die geheimnisvolle Welt britischer Kosmetiker und Perückenmacher, Friseure und Miniaturmaler, die Neues ausprobieren und dabei Eigelb, Farbe und Erdbeeren verwenden.

Wie aus der Zeit gefallen macht eine Familie Heu in den französischen Hochalpen. Die Berge sind hier über 3000 Meter hoch, in den bis zu 60 Grad steilen und kleinteiligen Wiesen gestaltet sich die Arbeit der Milchbauern nicht viel anders als vor 100 Jahren.

Ende der 70er-Jahre gefilmt und 1992 in Tagebuchskizzen niedergeschrieben, erzählt der Film von Lydia und Wolfgang B. Voller Leidenschaft und disziplinierter Arbeit und getrieben von der Angst vor einem tödlichen Zweittumor, berichten Schmalfilmaufnahmen und Tagebuchtexte splitterhaft von einer symbiotischen Ehe.

Auf einem Kreuzfahrtschiff müssen sich die Passagiere mit ihrem unausweichlichen Untergang abfinden. Die Kapitänin sucht nach den richtigen Worten und eine Gruppe Kinder möchte für ein verstorbenes Tier noch etwas Schönes machen.