Zu einer Zeit, als Frauen-Fußball noch nicht die mediale Aufmerksamkeit fand, die er heute zu Recht genießt, drehte Aysun Bademsoy Mitte der 1990er-Jahre mit „Mädchen am Ball“ ein Porträt von türkischstämmigen Spielerinnen in Berlin-Kreuzberg, deren Mannschaft von Agrispor damals um den Aufstieg kämpfte. Der Film berichtet über Kontroversen in den Familien, in denen manche den Sport ihrer Töchter oder Schwestern kritisch sehen. Und er erfasst am Ende, welche rassistische Strukturen im deutschen Fußball zu dieser Zeit noch existierten, als gegen eine Spielerin der Mannschaft ein unfassbar langes Spielverbot verhängt wird.

Mia Guethe, 2002 in Hamburg geboren, ist Sportjournalistin beim monatlich erscheinenden Magazin für Fußballkultur 11FREUNDE, das heute zur Spiegel-Gruppe gehört, und arbeitet weiter auch als freie Journalistin. Vor einigen Jahren für ein Studium der Politikwissenschaft nach Berlin gezogen, sitzt sie heute noch in der Hauptstadt und schreibt und spricht von hier aus vor allem über sportpolitische Themen wie den modernen Fußball, die Kommerzialisierung des Sports, den Sexismus in der Branche und im Stadion sowie das alltägliche sportliche Geschäft. Fußball nimmt sie immer wieder auch als soziokulturelles Phänomen wahr und thematisiert so auf unterschiedliche Weise eine Fußballkultur, die es mit Humor und Kritik zu erhalten gilt. Artikel aus der jüngeren Vergangenheit sind zum Beispiel (alle hinter der Bezahlschranke):

Ein Selbstversuch mit saudi-arabischem Fußball. 

Eine Reportage über die SGS Essen. 

Das Portrait über den Kopf hinter dem FC Venedig. 

Eine Darstellung des Kulturkampfs im deutschen Fußball. 

Und ein Kommentar zur Vielfaltsdebatte in der Nationalmannschaft.

Auf Kritik am „modernen Fußball“ können sich fast alle verständigen. Auch die, die daran gut verdienen. Vielleicht begann entstand dieser Selbstwiderspruch in den 1970er-Jahren. Er klingt jedenfalls in einem Bericht des politischen Fernsehmagazins „Panorama“ (ARD) 1977 an, in dem es den Wechsel von Franz Beckenbauer in die USA als „Auswanderung“ (!) thematisiert, wo er bei New York Cosmos anheuerte. Der achtminütige Film beginnt mit Aufnahmen aus dem Münchner Olympiastadion, in dem Beckenbauer mit dem FC Bayern damals die Heimspiele austrug. Zuvor war die Nachricht vom Wechsel des Spielers in die USA bekannt geworden. Nun skandieren die Fans „Schwan – Du Drecksau“. Und auf einem ihrer Spruchbänder, auf dem die Bitte steht „Franz bleib beim FC“, heißt es auch „Schwan – das Kapitalisten-Schwein“. Die Kritik gilt also nicht primär dem Spieler, sondern seinem Manager, der – so sagt es der Off-Kommentar – an den Einnahmen von Beckenbauer mit zwanzig Prozent beteiligt sei. Im Bericht kommt Beckenbauer zu Wort. Ungelenk stottert er über „Geld als Zahlungsmittel“ herum, was früher durch Schnitte kaschiert worden wäre. „Panorama“ steht allen kritisch gegenüber: Beckenbauer, Schwan, dem als „1. FC Bayern München“ falsch titulierten Verein, aber auch den Fans. Dass erst das Fernsehen, zu dem dieses Magazin gehört, den Fußball zu einem großen Geschäft promoviert und einem Spieler wie Beckenbauer jene audiovisuelle Präsenz verschafft hat, die er dank Schwan erfolgreich vermarktete, kam der „Panorama“-Redaktion nicht in den Sinn. Auch nicht, dass „New York Cosmos“ 1977 über eine Plattenfirma zum US-Medienunternehmen Warner Bros. gehörte, das heute nach diversen Fusionen den Namen Warner Bros. Discovery trägt. Diesem Konzern gehören die Fernsehrechte an den Olympischen Sommerspielen in Paris, die in diesem Sommer stattfinden werden, für die wiederum die ARD Sublizenzen erworben hat.

Zu den Lügen in Sportfilmen gehört, dass Doping im Radsport eine Erfindung der 1970er-Jahre sei. Auf der Tour de France nahmen die Fahrer von Beginn an, also ab 1903, (heute verbotene) Substanzen wie Kokain und Chloroform zu sich. Notgedrungen, denn die Veranstalter legten es bei der Wahl der Etappenstrecken geradezu darauf an, dass die Körper der Radfahrer überfordert würden. Genau das produzierte die schlagzeilenträchtigen Geschichten, die man als Dramen verkaufen konnte. Wie alltäglich Doping bei der Tour de France war, beweist ein Dokumentarfilm von Louis Malle, den er 1962 drehte, den er aber erst 1967 in einer 43-minütigen Fassung, später in einer 18minütigen Fassung veröffentlichte. Als Erzähler aus dem Off fungiert der Sportjournalist Jean Bobet, der selbst mehrfach an der Tour teilgenommen hatte und den Roland Barthes in seinem „Lexikon der Fahrer“ (1955) als „patentierten Intellektuellen“ bezeichnet hatte. In der 8. Minuten des Films reiht Malle Szenen aus dem Presse-Center aneinander, über die er Töne legt, die aus Artikeln oder Berichten stammen könnten; sie sind nachweislich keine Originaltöne. Auf dem Bild eines Journalisten, der gerade einen Text in eine Schreibmaschine tippt, liegt der Satz: „Doping oder no doping – that is the question“. Zwei Minuten später wird eine zweite Off-Stimme sagen, man solle über Doping sprechen. Bei den Fahrern hieße das „Charge“ – also Aufladen. Doping verleihe den Fahrern keine zusätzliche Kraft, sondern unterdrücke den Schmerz. Der gedopte Athlet werde so zu einer Maschine.

Was aber gehört zum Sport? Die Debatte erreichte auch das Fernsehen. Und so berichtete die Regionalsendung „Hier und heute“ von den Deutschen Minigolfmeisterschaften 1961 nicht über das sportliche Ereignis selbst, sondern über das Ende eines Zivilprozesses. Die Minigolfer hatten vor Gericht erstritten, dass das, was sie betreiben, Sport und etwa kein Glücksspiel sei. Diese Nachricht wird bebildert, in dem der Reporter selbst den Schläger in die Hand nimmt, den Ball über die Bande drischt, um dann einen Funktionär nach dem Rechtsstreit zu befragen. Während im Off das Gespräch weiterläuft, ist zu sehen, wie Frauen und Männer unterschiedlichen Alters den Schläger – deutlich besser als der Reporter – schwingen, um die jeweilige Bahn zu absolvieren. Die herablassende Gestik und Mimik dementiert das Interesse an dem, was die Minigolferinnen und Minigolfer selbst als Sport begreifen, das Fernsehen aber wohl als eine Art Freizeitspaß einschätzt. Vergessen hat man wohl, dass noch wenige Jahre zuvor in eben diesem „Deutschen Fernsehen“ der Sonntagnachmittag mit allem möglichen gefüllt wurde, was als Sport bezeichnet wurde – etwa Tanzwettbewerbe oder Seifenkistenrennen.

Fernsehsport bedeutete schon zur Nazi-Zeit, dass die, die vor einem Fernsehgerät dem Programm folgen, nicht passiv bleiben sollten. So waren Gymnastik-Kurse vor dem Zweiten Weltkrieg fester Bestandteil des Fernsehangebots der staatlichen „Reichs-Rundfunk-Gesellschaft“. Ihre Sendungen hießen „Rundfunkgymnastik – ferngesehen“, „Körperschulung für die Frau“ oder „Kindergymnastik“. Im „Deutschen Fernsehen“ der Nachkriegszeit begann am 19. Januar 1955 ein Spitzenturner mit der seinen Namen tragenden Sendung: „Fünf Minuten mit Adalbert Dickhut“, die bald in „Zehn Minuten mit Adalbert Dickhut“ umgeändert wurde. Sie richtete sich an „Jungen und Mädel“, wie Dickhut in der Anmoderation sagt, und lief 15 Jahre lang um 17.00 Uhr. Es ging um „körperbildende Aufgaben“, die Dickhut mit einer Gruppe von Kindern – drei Jungen und ein Mädchen - im Studio vor zwei elektronischen Kameras vormachte und die von denen, die zuschauten, zuhause nachvollzogen werden sollten. Als Hilfsmittel war nur zugelassen, was sich in jedem Haushalt finden ließe. Und Sprünge sollten leicht ausfallen, denn – wie Dickhut sagt - „wir wollen doch nicht, dass den Nachbarn die Decke runterfällt“. Die Situation, in der sich möglicherweise die zuschauenden Kinder befinden, spricht der Turner immer wieder an. In der Turnhalle soll der Rücken gestreckt und nicht so vorgebeugt sein, als wolle man sich zu „Mutti“ auf die Couch setzen, um von dort vielleicht fernzusehen. So wird auf Kommando gehüpft, gesprungen und gekrochen. Um die Haltungsschäden zu kompensieren, die zu langes Fernsehen gebiert.

Martin Krauß, 1964 in Koblenz geboren, studierte an der FU Berlin Politische Wissenschaften und schloss sein Studium mit einer Diplom-Arbeit über das Ende des DDR-Sportsystems ab. Seitdem arbeitet er als Publizist zu Themen von Politik und Sport. Von 1992 bis 1994 gab er die legendäre Zeitschrift „Sportkritik“ heraus, die den schönen Untertitel „Die Zeitschrift gegen das Unentschieden“ trug. Später arbeitete er als Redakteur, in den 1990er-Jahren bei der „Jungen Welt“ und von 2008 bis 2019 bei der „Jüdischen Allgemeinen“. Dazwischen und danach war er freiberuflich tätig und verfasste viele Artikel für „Jungle World“, „Freitag“ und in den letzten Jahren verstärkt für die „taz“. Daneben veröffentlichte er eine Reihe von Büchern – etwa über Doping oder über den Boxer Max Schmeling. Dieser Tage erscheint sein Buch „Dabei sein wäre alles“ im Bertelsmann-Verlag, das auf 474 Seiten berichtet, „wie Athletinnen und Athleten bis heute gegen Ausgrenzung kämpfen“ (so der Untertitel). Der im Gespräch erwähnte Roman „The Given Day“ (2008) von Dennis Lehane erschien 2010 unter dem deutschen Titel „Im Aufruhr jener Tage“ bei Ullstein. Eine Liste der Publikationen von Martin Krauß findet sich hier.

Mit Beginn der Tonfilmära Ende der 1920er-Jahre nahm die visuelle Komik in den Sport-Darstellungen ab. Dem körpersprachlichen Slapstick hielten nur wenige wie Jacques Tati die Treue. Im Kurzfilm „Soigne ton gauche“ (Kümmere Dich um Deine Linke!) von Jacques Becker (1936) persifliert er das Boxen. In seinem ersten Langfilm „Jour du fête“ (Tatis Schützenfest) ironisiert er 1949 das Profiradfahren, als der radelnde Postbote, den er selbst spielt, mühelos das Peloton eines Straßenradrennens überholt. Und in seinem zweiten Spielfilm „Les vacances de monsieur Hulot“ (Die Ferien des Monsieur Hulot) karikiert er 1953 den sportlichen Betrieb in einem Ferienort an der Atlantikküste: Von der organisierten Strandgymnastik über das Schwimmen und Segeln bis zum Reiten und zum Tischtennis. Den Höhepunkt bildet ein Tennismatch. Hulot (Tati) hatte beobachtet, dass dieser Sport unter den Urlaubern einen Nimbus besitzt, und will daran Anteil haben. Er kauft einen Tennisschläger, und die Verkäuferin zeigt ihm, wie der Schläger zu halten sei. Das ist zwar falsch, verleiht aber Hulot einen ungeahnten Schwung beim Aufschlag, so dass er seine Gegner – erst zwei Damen, dann den Sport-Beau des Küstenortes – bezwingt. Nebenbei: 1977 drehte Tati einen Dokumentarfilm über ein Fußball-Europacupspiel des SC Bastia, den seine Tochter Sophie Tatischeff 23 Jahre später fertigstellte: „Forza Bastia“.

Das Tennis-Match als Ausschnitt der Fassung von 1978 (TC 00:47:35- 00:49:54).

Vor 30 Jahren beobachtet Aysun Bademsoy eine Saison lang die Frauenfussballmannschaft des Vereins Agrispor aus Berlin-Kreuzberg, die in die Verbandsliga aufsteigen will. Ihr Film "Mädchen am Ball" ist zugleich das Porträt von einigen der zumeist türkischstämmigen jungen Frauen, deren sportliches Engagement nicht in allen Familien auf Begeisterung stößt. Am Ende erfasst der Film, wie ein Berliner Sportgericht ein skandalöses Urteil fällt, das gegen eine deutschstämmige Spielerin nie so gefällt worden wäre. Ein Sportfilm, der sich zu einer Studie über soziale und politische Verhältnisse weitet. Weiteres zum Film ist dem Gespräch zu entnehmen, das Dietrich Leder mit Aysun Bademsoy führte, und in dem sie unter anderem über die Fortsetzungsfilme von "Mädchen am Ball" berichtet.

Der moderne Sport, wie er in den sich industrialisierenden National-Staaten Mitte des 19. Jahrhunderts geprägt wurde, diente den Zwecken der neuen Arbeitsformen. Zugleich bereitete der Sport die Körper durch Übungen, wie sie etwa die deutsche Turnbewegung entwickelt hatte, auf die Anforderungen der Feldzüge der Nationalheere vor. In der „Deutschen Wochenschau“ 641 von November 1942 gelten die ersten vier Minuten dem Sport: Im Bericht über eine Jubiläumsveranstaltung der Organisation „Kraft durch Freude“ sind synchron ausgeführte Turnübungen von über 100 Frauen zu sehen, die sich zu einem ornamentalen Massenbild fügen, das in einer Totale zu sehen ist. Angeschnitten sind in Nah-Aufnahmen sich freuende Soldaten in Uniformen und mit NS-Zeichen. Der Weltrekordler im Dauersegelflug wird als Sturmbannführer vorgestellt. Beim Box-Drei-Länderkampf zwischen Deutschland, Ungarn und Italien seien – erklärt der Kommentar - „alle deutschen Boxer unbesiegt“ blieben. Die restlichen 13 Minuten gelten dem Krieg: Nach Bildern von der Vereidigung eines SS-Regiments in Prag und vom U-Boot-Bunker-Bau am Atlantik künden Aufnahmen vom Vormarsch deutscher Truppen in Afrika wie im Kaukasus. Alle Bilder sind wie in Sport-Berichten üblich von pausenloser Bewegung beherrscht – der Infanterie, Panzer, Schiffe, Flugzeuge. Probleme an der Ostfront werden als überwunden dargestellt. Eine gewaltige Lüge: Zu diesem Zeitpunkt hatte die sowjetische Gegenoffensive begonnen, die kurz darauf deutsche Truppen bei Stalingrad einschloss. Anfang vom Ende des deutschen Angriffskriegs, der weite Teile Europas unterwarf und die Ermordung der europäischen Juden ermöglichte.

Sophia Groening, geboren 1994 in Düsseldorf, studierte Philosophie und Bildwissenschaften an der Universität Witten/Herdecke. Seit 2017 ist sie an der Kunsthochschule für Medien Köln (KHM), an der sie derzeit ihren Abschlussfilm vorbereitet. Ihr (im Gespräch erwähnter) Kurzspielfilm „Muss ja nicht sein, dass es heute ist“ lief 2022 im Deutschen Wettbewerb der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen und erhielt eine „Lobende Erwähnung“ der Jury. Im selben Jahr wurde er mit dem Deutschen Kurzfilmpreis ausgezeichnet. 2023 vergab der Verband der deutschen Filmkritik ihren Preis in der Kategorie „Bester Kurzfilm“ des Jahres an diesen Erstlingsfilm. Jan Bonny, geboren 1979 in Düsseldorf, schloss sein Studium an der KHM mit dem Drehbuch zu seinem Spielfilm „Gegenüber“ ab, der 2007 auf dem Filmfestival in Cannes uraufgeführt wurde. Er drehte seitdem Kinofilme wie „Wintermärchen“ (2018), Fernsehfilme wie „Über Barbarossaplatz“ (2016) oder „Wir wären andere Menschen“ (2019), „Tatort“-Folgen wie „Borowski und das Fest des Nordens“ (2017) oder „Ich hab im Träume geweinet“ (2020) und die (im Gespräch erwähnte) „Polizeiruf 110“-Folge „Der Tod macht Engel aus uns allen“. Und er entwickelte und inszenierte die Fernsehserien „King of Stonks“ (2022) und „Freiheit ist das Einzigste, was zählt“ (2023). Zuletzt wurde im Februar auf der Berlinale sein Film „Der Panther“ uraufgeführt. Neben diesen Kino- und Fernsehfilmen drehte er eine Reihe von Kurzfilmen, Musikvideos und Werbespots. Seine Arbeiten wurden vielfach ausgezeichnet. Rezensionen seiner Filme finden sich hier.

Dieses Bild (TC 00:19.40) entstammt einem der bekanntesten Sportfilme aller Zeiten: „Olympia. Fest der Völker. Fest der Schönheit“ (Deutschland 1938) von Leni Riefenstahl. Und doch haben es nach 1945 nur wenige gesehen. Denn es wurde nach dem Krieg aus dem Film entfernt. Leni Riefenstahl stellte Mitte der 1950er-Jahre eine neue Fassung her, die ihr nicht nur viel Geld einspielen, sondern zugleich beweisen sollte, dass ihr Olympia-Film mit den Nazis nichts zu tun hatte. Sie hat sich und ihren Olympiafilm mit Hilfe deutscher Behörden und Gerichte, die ihr die Rechte an dem Film übereigneten, gleichsam selbst entnazifiziert. Nun bildet dieses Bild, auf dem Adolf Hitler auf die Ansichtstotale des Berliner Olympiastadions einkopiert ist, Abschluss und Höhepunkt der Eingangssequenz. Und es besagt: Hitler und diese Olympischen Spiele in Berlin, die er danach eröffnen wird, sind eins, so wie Nazi-Deutschland und Hitler eins sind. Das Bild ist ein Still aus dem ersten Teil des Films. Es wurde der Fassung entnommen, die in der DVD-Sammlung sämtlicher Olympia-Filme enthalten ist, die Criterion in den USA mit dem IOC herausgab. Im Booklet heißt es: Diese Fassung von „Olympia. Fest der Völker. Fest der Schönheit“ sei so nah wie möglich jener deutschen Fassung, die an Hitlers 49. Geburtstag 1938 in seiner Anwesenheit uraufgeführt wurde. 

Eine entnazifizierte Fassung findet, wer will, hier.

Zu den vielen Mythen, die sich um den Film von Leni Riefenstahl „Olympia. Fest der Völker. Fest der Schönheit“ über die Olympischen Sommerspiele 1936 in Berlin ranken, gehört auch, dass hier der Sportfilm neu erfunden worden wäre. Das kann nur behaupten, wer die Geschichte der Sportfilme nicht kennt oder kennen will. Der Film über die Olympischen Sommerspiele von Amsterdam von 1928 beispielsweise enthält schon vieles von dem, was man später Leni Riefenstahl als Erfindung zugute geschrieben hat: Exzellente Kamerastandorte, sehr gute Zeitlupen- und Teleaufnahmen, Zuschaueraufnahmen in Totalen wie Nahaufnahmen sowie eine narrative Form, deren Elemente hier noch über Zwischentitel vermittelt werden. Der Film kam damals in einer italienischen („La IX Olympiade ad Amsterdam“) und in einer holländischen Fassung („De Olympische Spelen – Amsterdam 1928“) heraus. Der holländische Film wurde von Julius Perel und Wilhelm Prager verantwortet. In dieser Fassung, findet sich auch im Rahmen des Turmspringens eine Texttafel (TC: 61:03:30), die eine visuelle Idee des Riefenstahlfilms vorwegnimmt: „Als vogels zwevende door de lucht“ (Wie Vögel, die durch die Luft fliegen). Dieser und viele andere Olympia-Filme können auf einer vom IOC verantworteten Internetseite nach einer kostenlosen Anmeldung angeschaut werden.

Zu den wichtigen Sport-Institutionen der USA zählen die Colleges, die sich gerne ihrer großen Siege und ihrer Helden erinnern. Der Slapstickfilm nahm sich mehrfach des College-Sports an: Als Beispiele seien genannt: Buster Keaton 1927 in „College“ und die Marx Brothers 1932 in „Horse Feathers“. Der erste abendfüllende Sportspielfilm dieser Art entstand 1925 mit Harold Lloyd in der Hauptrolle. „The Freshman“ etabliert die Bedeutung des College-Sports zu Beginn über die Medien: Der Vater des jungen Mannes, der kurz vor Beginn seines Wechsels an ein renommiertes College steht, will im Radio die Übertragung eines Football-Spiels eben dieses Colleges hören. Unterdessen singt der Sohn in seinem Zimmer, an dessen Tür ein großes Plakat des Kinofilms „The College Hero“ hängt, die Hymne der College-Mannschaft so laut mit, dass er die Radioübertragung des Vaters übertönt. Im College selbst ist der junge Mann nur ein Außenseiter, der immer wieder zum Gespött aller wird. Auch im Football ist er eine Witzfigur, der nichts gelingt und der deshalb nur als lebender Dummy am Training beteiligt wird. Die Logik der romantischen Komödie will es jedoch, dass er die von ihm angebetete Frau am Ende für sich gewinnt, weil er im entscheidenden Football-Spiel zu einem Zeitpunkt eingewechselt wird, als kein anderer mehr zu Verfügung steht, und er trotz seines Übereifers, seiner Ungeschicklichkeit und seiner körperlichen Defizite in der letzten Sekunde den entscheidenden Touchdown schafft.

In vielen Slapstick-Filmen der Jahre von 1914 bis 1928 wird Komik durch körperliche Aktionen ausgelöst, die absonderlich, bizarr, dysfunktional oder übertrieben wirken. Die Fähigkeit zu solch meist anstrengenden Körperdarstellungen hatten sich die Darsteller in ihrer Zeit beim Zirkus oder in Vaudeville-Theatern angeeignet. So verlangt die Darstellung von Tolpatschigkeit eines Clowns eine perfekte Körperbeherrschung, wie sie sonst nur Sportlerinnen und Sportler kennen. Deshalb übernahmen in Slapstickfilmen die meisten Stars noch die gefährlichsten Szenen selbst. Beispielhaft Buster Keaton, der in Filmen wie „The General“ (1926) oder „Steamboot Bill Jr.“ (1928) seinen Körper in die schwierigsten Situationen brachte. In seinem Zweiakter „Convict 23“ (1920) thematisiert er Sport auf zwei unterschiedlichen Weisen. Einmal persifliert er das Golf-Spiel, indem er ihm noch die absurdesten Momente abgewinnt. Dann entwickelt er zur Selbstverteidigung sportliche Aktionen wie das Bunjee Jumping oder den Hammerwurf.

Aysun Bademsoy, geboren 1960 in Mersin (Türkei), studierte an der FU Berlin Publizistik und Theaterwissenschaften. Während ihres Studiums übernahm sie Rollen in Spielfilmen und arbeitete als Regieassistentin bei Christian Petzold und Harun Farocki. Seit Ende der 1980er-Jahre dreht sie vor allem Dokumentarfilme. Um nur einige Beispiele zu nennen: „Deutsche Polizisten“ (1999) erzählt von Polizeibeamten mit Migrationsgeschichte. „Am Rande der Städte“ (2005) handelt von Menschen, die nach einem langen und harten Arbeitsleben in ihre türkische Heimat zurückkehren, um dort den Lebensabend verbringen. „Spuren – Die Opfer des NSU“ (2019) resümiert nachdrücklich die Erfahrungen, die jene türkisch- oder griechisch-stämmige Familien in Deutschland machen mussten, deren Männer, Brüder oder Söhne von der rechtsterroristischen NSU zwischen 2000 und 2007 ermordet wurden. Der Dokumentarfilm „Mädchen am Ball“, um den es im folgenden Gespräch geht, entstand 1995. In ihm porträtiert die Regisseurin eine Gruppe türkischstämmiger junge Frauen, die Fußball im Verein spielen. Diesen Frauen und ihrem Leben widmete sie zwei weitere Filme: „Nach dem Spiel“ (1997) und „Ich geh jetzt rein“ (2008). Derzeit ist sie in der Endfertigung des vierten Films, der den Fortgang der Entwicklung festhält. Sein Titel: „Spielerinnen“. So wächst hier ein besonderes Langzeitprojekt heran, bei dem der Sport der Ausgangspunkt war und das nun zur filmischen Biografie einer ganzen Generation von türkischstämmigen Frauen in Berlin wurde. Weitere Information siehe.

Ein Problem der filmischen Aufnahme sportlicher Ereignisse besteht darin, dass die Kamera überall sein müsste: Beim Start und am Ziel bei Laufwettbewerben, beim Tor auf der einen, wenig später beim Tor auf der anderen Seite des Spielfelds bei Ballspielen. Der Einsatz von mehreren Kameras, deren Material zusammengeschnitten wurde, war äußerst selten (siehe Journal 8). Meist waren die Operateure der frühen Jahre allein mit ihren schweren und kaum beweglichen Kameras; sie mussten sich also früh für einen Standpunkt entscheiden, der nur einen einzigen Blick auf das sportliche Geschehen erlaubte. Es sei denn, sie bewegten die Kamera selbst, indem sie diese auf ein Fahrzeug stellten. Solche Aufnahmen bildeten Ende des 19. Jahrhunderts ein eigenes Genre: Phantom Rides - siehe. Dieser Idee bediente sich der Feinmechaniker Oskar Barnack, der später für Leitz die Leica entwickelte. Er hatte um 1913 für sich eine leichte Filmkamera gebaut, mit der er beweglicher als andere Operateure war. So nahm er einen Teil einer Ruderregatta vom Motorboot des Schiedsrichters auf. Die Kamera bewegte sich also mit den sich bewegenden Sportlern mit. Ihr Bild zeigte das Rennen des Vierers mit Steuermann während des Rennens deutlich besser, als es die Zuschauerinnen und Zuschauer am Mainufer sehen konnten. Leider verstellte der Schiedsrichter der Kamera mehrfach den Blick. Und sie erfasste auch nicht, wer das Rennen gewann. Alles bei einem Sportereignis zu erfassen, blieb ein Versprechen. Bis heute.

Im Roman “Berlin, Siegesallee” von Max Annas, der im Februar 2024 bei Rowohlt erschien, wird daran erinnert, dass sich im Juni 1913 die Suffragette Emily Davison beim Derby von Epsom „unter das Pferd des englischen Königs geworfen“ habe. „Aus Protest gegen die Weigerung der Politiker, der männlichen, sich mit den Ideen der Suffragetten auch nur zu beschäftigen.“ Aber warf sich Emily Davison wirklich unter das königliche Pferd, das ein Jockey in diesem Rennen ritt? Die Antwort auf diese Frage liefert ein knapp siebenminütiger Bericht der British Pathé, dessen Titel „The Derby 1913“ zunächst nichts von dem Drama verrät. Er betont stattdessen die Normalität der Veranstaltung, beginnt mit Bildern von Polizisten, die sich vor dem Einsatz stärken, ehe der erste Zwischentitel ankündigt: „Arrival of His Majesty The King“. Aber den König kann man nicht sehen, da er hinter den Zuschauern verschwindet. Es folgt die Parade der teilnehmenden Pferde. Vier Minuten des Berichts sind bereits vorbei, als ein weiterer Zwischentitel signalisiert „The Start“. Das Rennen wird aus unterschiedlichen Strecken-Positionen gezeigt. In den Totalen ist nicht zu erkennen, welches der Pferde führt, aber man ahnt ihre Geschwindigkeit. Nach fast sechs Minuten besagt ein Zwischentitel: „Suffragette killed in attempt to pull down the King’s Horse“. In der nachfolgenden Totale sind die herangaloppierenden Pferde zu sehen, als eine Gestalt – Emily Davison - aus der hinter einer Absperrung stehenden Menge heraus auf das Geläuft tritt. Es hat den Anschein, dass sie dem Jockey des drittletzten Pferdes in die Zügel greift, als es zum Zusammenprall kommt. Das Pferd stürzt, Emily Davison und der Jockey fliegen durch die Luft. In einer zweiten Einstellung, die wenig später aufgenommen wurde, sieht man die Körper auf der Bahn liegen. Zuschauer eilen auf sie zu. Dann geht die Darstellung des Rennens weiter. Der Sieger wird gefeiert. Der Jockey des königlichen Pferdes kommt mit leichten Verletzungen davon. Emily Davison stirbt wenige Tage später im Krankenhaus. 

Boxkämpfe wurden sehr früh von Filmkameras aufgenommen. Die Firma Edison organisierte bereits 1894 Kämpfe, die in ihrem Filmstudio für die Kamera stattfanden. 1910 wurde der Kampf um die Schwergewichtsweltmeisterschaft zwischen dem Titelverteidiger Jack Johnson und seinem Herausforderer Jim Jeffries bereits von „14 Apparaturen“ (so eine zeitgenössische deutsche Werbung) gefilmt. Diese Aufnahmen wurden zu einem knapp 100minütigen Film montiert. So war einer der ersten abendfüllenden Kinofilme die filmische Dokumentation eines Sportereignisses. Der Film unter dem folgenden Link ist eine gekürzte und später mit Geräuschen und Kommentaren versehene Fassung. Ihr ist nicht die Stimmung in der Arena zu entnehmen. Zeitgenössischen Berichten zufolge wollten die Zuschauer den weißen Boxer Jeffries gegen den afroamerikanischen Weltmeister Johnson siegen sehen. Ihre rassistischen Anfeuerungen verhinderten nicht, dass Johnson den Kampf überlegen bestritt, seinen Konkurrenten in der 15. Runde mehrfach niederschlug und so den Kampf gewann. Das löste in den USA eine rassistische Gewaltwelle („Johnson-Jeffries riots“) aus, bei der mehr als 60 afroamerikanische Menschen ermordet wurden.

Die filmische Darstellung sportlicher Ereignisse war stets mit der technischen Weiterentwicklung der Aufnahmeapparate verbunden. In den ersten Jahren waren Sportarten wie Fußball, bei denen die Sportler häufig und rasch die Richtung wechseln, für die auf einem Stativ postierten Kamera mit ihrem Festobjektiv schwer aufzunehmen. Als die Wochenschau der Pathé 1910, kurz nach der Eröffnung ihres Londoner Büros, beim FA Cup Finale drehte, kann die Kamera schon leicht schwenken, bleibt aber zu weiten Teilen statisch. Kein Wunder, dass sie sich für die Präliminarien – der Einlauf der Mannschaften, die Platzwahl, am Ende der Pokal auf der Tribüne – mehr interessiert als für das Spiel selbst, von dem sie nur zu enge Ausschnitte aus der Perspektive seitlich des linken Strafraums erfasst. Die beiden Tore, eins für jede Mannschaft, wurden denn auch nicht erfasst, wurden aber, was Beschreibungen des vollständigen Films andeuten, durch Zwischentitel annonciert. Das Unentschieden erzwang ein Wiederholungsspiel, das Newcastle United mit 2:0 gewann.

Die ersten Olympischen Spiele der Neuzeit fanden 1896 in Athen statt. Sie wurden vom Internationalen Olympischen Komitee (IOC), einem Club reicher Feudalherren, organisiert. Von diesen Spielen gibt es, soweit es bekannt ist, keine Filmaufnahmen. Filmbilder, die eine Zeit lang als Aufnahmen dieser Spiele firmierten, entstanden in Wirklichkeit 1906 Jahre bei den vom IOC nicht anerkannten „Zwischenspielen“ in Athen. Einen ersten zusammenfassenden Bericht gibt es von den Olympischen Spielen 1908 in London. Der von der Pathé produzierte Film zeigt in acht Minuten eine Reihe von Wettbewerben (Leichtathletik, Schwimmen, Tauziehen, Turnen, Wasserball). In einem sind auch Sportlerinnen zu sehen – beim Bogenschießen. Der Film konzentriert sich auf die Anschauung der Wettbewerbe. Wer wie gewinnt, ist nicht auszumachen. Er endet aber narrativ, da er von einem Drama erzählt. Im Marathonlauf, der – wie man sieht – in den Parks und auf den Straßen von London stattfand und im „White City Stadium“ endete, führt eingangs des Ziels der Italiener Dorando Pietri. Doch er hat sich so sehr verausgabt, dass er mehrfach zusammenbricht. Zuschauer und Kampfrichter helfen ihm immer wieder auf und geleiten ihn über die Ziellinie. Er endet zwar als Erster, wird aber – das ist nicht zu sehen - wegen der illegalen Hilfe disqualifiziert. Bis heute ist er bekannter als der Sieger John Hayes (USA), den man am Ende des Berichts sehen kann, als ihn seine Mannschaftskameraden auf einem Tisch durch das Stadion tragen.

Ulrich Peltzer, 1956 in Krefeld geboren, zählt zu den wichtigsten Schriftstellern der Bundesrepublik. In seinen Romanen erzählt er mit immer neuen Figuren vom Leben und Überleben in Großstädten wie Berlin quer durch die gesellschaftlichen Klassen. Die politisch grundierten Romane reflektieren zugleich die Frage, welche Überlegungen und Strategien, die auf eine Veränderung der Verhältnisse abzielen, die Menschen um- und antreibt. Bei aller Genauigkeit in der Schilderung von sozialen Details sind seine Romane keinem banalen Realismus verhaftet. Peltzer ist sich beispielsweise der Rolle, die ein Ich-Erzähler einnimmt, ebenso bewusst wie der Probleme, die sich ein auktorialer Erzähler aufhalst. Davon zeugen auch seine 2011 erschienenen poetologischen Vorlesungen „angefangen wird mittendrin“. Dem Film und den audiovisuellen Künsten ist Ulrich Peltzer mannigfach verbunden. Während und nach dem Studium in Berlin arbeitete er als Filmvorführer. Mit und für Christoph Hochhäusler schrieb er Drehbücher zu Kinofilmen wie „Unter dir die Stadt“ (2010) und „Die Lügen der Sieger“ (2014) und „La mort viendra“ (2024). Und von 2017 bis 2022 baute er als Gast-Professor das Fach „Literarische Schreiben“ an der Kunsthochschule für Medien Köln mit auf. Vor wenigen Wochen erschien sein jüngster Roman „Der Ernst des Lebens“ – siehe hier.

Eadweard Muybridge nahm für seine Reihenbilder Frauen mehrfach so auf, dass die jeweilige Bewegung vor der Kamera nur das Alibi dafür lieferte, sie nackt zu zeigen. Die Operateure der Firma Lumière zeigten bei sportlichen Ereignissen und Aktionen Frauen nur im Ausnahmefall, etwa, wenn sie mit Männern Boule spielten. So sind frühe Aufnahmen von Frauen beim Sport eine Rarität. Cecil M. Hepworth filmte Ende des 19. Jahrhunderts mehrfach Frauen, die auf Fahrrädern fuhren. 1899 nahm er in London Frauen einer „Floral Parade“ auf, die der „Catford Cycling Club“ durchführte. Die erste Einstellung, die 86 Sekunden dauert, zeigt viele Frauen in der Vorbeifahrt, während die zweite kürzere erfasst, wie Frauen auf einem abgesteckten Parcours Slalom fahren.

Der Begriff „Ereignis“ stammt vom neuhochdeutschen Verb „eräugen“ ab, meint also ursprünglich, dass sich etwas ereigne, damit es „eräugt“, also angeschaut werden könne. Sportliche Ereignisse werden im Film und im Fernsehen oft so dargestellt, dass nicht nur die Sportlerinnen und Sportler, sondern auch die im Bild erscheinen, die am Ort das Geschehen betrachten. Es ist, als wollte diese Bildgestaltung sagen, dass das Ereignis des Betrachtens wert sei. In einer der „Vues“, die von der Firma Lumière seit 1895 mit einer der selbstgebauten Kameras aufgenommen wurden, sorgen 1896 die, die zuschauen, zudem für eine weitere Bewegung, die quer zur Bewegung des Sports – hier vom „Jeu des bolues“ – stattfinden. Manche dieser Bewegungen sind durch die Kamera und den Operateur provoziert. So läuft einer der Spieler nach seinem Wurf nach vorne und jubelt, gerät dabei in Gefahr, den Blick der Kamera zu verstellen. Da muss ihn ein Ruf des Operateurs ereilt haben, denn er weicht nach rechts zurück. Seine ausholende Armbewegung signalisiert, dass der Blick doch nun frei sei. Danach weist er andere Zuschauer daraufhin, den Blick der Kamera nicht zu verstellen. Damit das Ereignis selbst zu sehen ist.

Étienne-Jules Marey kopierte ab 1880 die Bewegungsphasen auch sportlicher Aktionen in ein Einzelbild. Später nahm er Reihenphotographien und später auch Filme auf, welche die jeweilige Bewegung wiedergaben. Bei den Olympischen Spielen 1900 in Paris erfasste er die – wie er selbst sagte – „besten Sportler“ bestimmter Disziplinen. Zweck seiner Aufnahmen war die Unterrichtung derjenigen, die zukünftige Sportler trainieren würden. Das analytische Abbild von realem Sport diente als Vorbild für zukünftigem. Eine visuelle Trainingslehre beginnt, die heute in der Selbstkontrolle über die Kameras etwa eines Mobiltelefons gipfelt.

Étienne-Jules Marey: Sportaufnahmen (ab der Minute 11:09)

Mit dem neuen optochemischen Aufzeichnungsverfahren der Photographie wurden in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts besonders gerne Vorgänge aufgenommen und wiedergegeben, die das Auge allein nicht genau wahrzunehmen vermag. Zu diesen Vorgängen zählten auch die schnellen Bewegungen des Sports. Der Eisenbahnunternehmer Leland Stanford, der sein Vermögen auch dem Arbeitstod ungezählter chinesischer Saisonarbeiter verdankte, bezahlte den Photographen Eadweard Muybridge dafür, dass er mit seinen in Reihe geschalteten Apparaten nachwies, dass ein Pferd im Galopp alle vier Hufe vom Boden löste. Anschließend nahm Muybridge viele weitere Bewegungen von Tieren und Menschen mit seiner Chronophotographie auf. Frauen wurden fast ausschließlich bei der Hausarbeit gezeigt. Männer wurden vor allem bei sportlichen Übungen aufgenommen, wie der Zusammenschnitt von Chronophotographien aus der Reihe „Animal Locomotion“ (1987) beweist.

Klaus Walter, 1955 in Frankfurt am Main geboren, zählt zu den wichtigsten Journalistinnen und Journalisten, die im Radio über aktuelle Musik sprechen und über sie in Zeitungen und Zeitschriften schreiben. Legendär seine Sendung „Der Ball ist rund“, die fast 25 Jahre vom Hessischen Rundfunk wöchentlich ausgestrahlt wurde und im Poll der Musikzeitschrift „Spex“ stets zu den besten Radiosendungen zählte. 2008 wurde sie eingestellt, weil sie der auf den Mainstream fixierten Hierarchie des Senders nicht mehr passte. Seitdem stellt er beim Internetsender Byte.FM unter dem Titel „Was ist Musik“ (derzeit: einmal im Monat montags von 21.00 Uhr bis 23.00 Uhr) unter pointierten Überschriften aktuelle wie historische Popmusik vor, die er einordnet und (durchaus auch politisch) kommentiert.
Für Mitglieder des Fördervereins von Byte.FM, einem unabhängigen und werbefreien Internetradio, sind viele der älteren Sendungen über das Archiv zugänglich. Eine Liste findet sich hier.
Auf WDR3 open moderiert er seit zwei Jahren zusammen mit Diviam Hofmann die Sendung „Ex & Pop“, deren Ausgaben über die Mediathek des WDR frei zugänglich sind.
So auch die Ausgabe vom 12. März, die sich dem Thema „2:1 für die Liebe. Was ist so Pop an Fußball widmet“.
In der März-Ausgabe der Zeitschrift „Merkur“ erschien sein Text „Star-Container Taylor Swift“, der unter diesem Link gegen einen geringen Obolus heruntergeladen werden kann.
 

Marcel Reif, 1949 in Polen geboren, mit den Eltern über Israel als Kind nach Kaiserslautern gezogen, arbeitete ab 1984 in der ZDF-Sportredaktion, leitete später dessen „Sportspiegel“ und kommentierte viele Fußballspiele. 1994 wechselte er zum Privatsender RTL, der die Rechte an der Fußball-Champions League erworben hatte. 1999 ging er zum Pay-TV-Sender Premiere, der heute Sky heißt, und kommentierte dort bis 2016 Spiele der Bundesligaspiel und der Champions League. Marcel Reif wurde für seine Arbeit mit dem Grimme-Preis, dem Bayerischen und dem Deutschen Fernsehpreis ausgezeichnet. 2017 erschien seine mit Holger Gertz verfasste Autobiografie „Nachspielzeit – Ein Leben mit dem Fußball“. Am 31. Januar 2024 sprach Marcel Reif am Tag des Gedenkens an die Opfer des Nationalsozialismus vor dem Deutschen Bundestag über die Erfahrungen seines jüdischen Vaters in der Zeit des deutschen Massenmords an den europäischen Juden.

Text der Rede     |      Video der Rede